Chroniques #82 – abs magazine online

• L’actualité des disques, livres et films traitant de blues, soul, gospel, r’n’b, zydeco et autres musiques afro-américaines qui nous touchent, vue par ABS Magazine Online…

Alabama Mike

Stuff I’ve Been Through

Little Village Foundation LVF 1053 – www.littlevillagefoundation.com

Ne vous fiez pas à la pochette d’un rouge un peu criard à mon goût de « Stuff I’ve Been Trough », le nouveau disque d’Alabama Mike, pseudonyme de Michael Benjamin, originaire de Talladega, Alabama, installé en Californie depuis 1983. Le contenu est une « tuerie ! » me confia un ami américain boss d’une web radio jazz à qui j’ai fait découvrir le CD. Pour son cinquième album, Alabama Mike a composé les onze chansons. Il en a enregistré neuf dans les studios Greaseland sis à San Jose, Californie, les deux autres proviennent de concerts. Sous la houlette du patron du studio et guitariste émérite Kid Andersen – très présent sur ce disque avec son superbe jeu de guitare –, Alabama Mike réalise ici son meilleur disque. Le cd débute par Stuff I’ve Been Through, une chanson qui parle des difficultés personnelles du chanteur, enluminée par cuivres, cordes et par le magnifique solo du guitariste Rusty Zinn qui accentue le climat dramatique. Une orchestration luxueuse ! Fat Shame Part 1 est une chanson humoristique (« I’m fat/ I’m lit/ And you can’t tell me shit »), avec des arrangements remarquables. Retour au sérieux avec That Ain’t No Dizneyland, un blues lent avec choristes et trompette pour nous dire que la Californie n’est pas pavée d’or et que les miséreux y sont nombreux. Goodbye Tamika est de l’excellente soul. Formidable est le groove de King Cock. Alabama Mike joue bien de l’harmonica sur Pine Bluff, Arkansas (Big Fine Woman) ; sa seule intervention avec cet instrument sur le disque. Woman On The Wrapath et son mur du son m’ont laissé de marbre. Damage Control et Fat Shame Part 2 montrent qu’Alabama Mike aurait pu être un bon rappeur. Le cd se clôt avec les deux titres live : Mississippi, enregistré au Poor House Bistro de San Jose, est remarquable : l’harmoniciste Rick Estrin, le pianiste Jim Pugh et le batteur Derrick ‘D’Mar’ Martin s’en donnent à cœur joie. Un superbe gospel, God Is With You, conclut avec beaucoup de ferveur religieuse ce cd. Alabama Mike et la Village Foundation publient un disque indispensable qui devrait récolter de nombreuses récompenses. – Gilbert Guyonnet

D.K. Harrell

The Right Man

Little Village Foundation LVF 1055  – www.littlevillagefoundation.com

Repéré par le boss du label Little Village Foundation au cours de l’édition 2022 de l’International Blues Challenge, D.K. Harrell nous livre un magnifique premier album. Originaire de Ruston en Louisiane, le virtuose de 25 ans n’est pas tombé dans le Blues par hasard. Après des débuts à l’harmonica et des participations au sein de sa chorale paroissiale, il opte pour la guitare et découvre, en parallèle, les œuvres de ses illustres aînés. Le guitariste annonce de suite la couleur : « Ma musique mêle les influences de Guitar Slim, Magic Sam, Freddie King, mais aussi Grant Green et Django Reinhardt, sans oublier B.B. King ». Pour ce dernier, il est évident que l’empreinte bienveillante et indélébile de l’interprète de Three O’clock Blues est prépondérante dans les onze titres originaux proposés. Produit de main de maître par Kid Andersen dans son fameux studio Greaseland, l’affiche rassemblée pour accompagner le jeune prodige est somptueuse. Deux anciens équipiers de B.B. sont à ses côtés, le légendaire Jerry Jemmott à la basse, ainsi que Tony Coleman à la batterie. N’oublions pas Jim Pugh aux claviers et Kid Andersen à la guitare rhythmique, l’ensemble étant magnifiquement enrobé par une section de cuivres comprenant Aaron Lington, Stephen “Doc” Kupka et Mike Peloquin aux saxophones, tandis que Neil Levonius et John Halbleib sont aux trompettes et Mike Rinta au trombone. Les compositions flirtent toutes avec l’excellence, à l’image des funky Leave It At The Door, Not Here For A Long Time et While I’m Young, alors que l’admirable morceau en mode mineur Get These Blues Out Of Me n’est pas sans nous rappeler la pièce maîtresse de son mentor, The Thrill Is Gone. Avec cet album en guise de carte de visite, D.K. Harrell est assurément – à l’image de Sean “Mack” McDonald – parti pour faire une très belle carrière. Son emploi du temps aux cours des prochaines semaines est éloquent, puisqu’il sera au mois de juillet en tournée au Brésil, enchainera dans la foulée le San Jose Jazz Festival en Californie et le Eastside Kings Festival d’Austin, avant de mettre le cap sur Helena pour le fameux King Biscuit Blues Festival en octobre et il terminera l’année en voguant avec la Legendary Rhythm & Blues Cruise ! C’est une évidence, D.K. Harrell est pétri de talent, il maîtrise déjà son art à la perfection, à l’image d’un vieux routier du douze mesures. On n’a pas fini d’en entendre parler, « The Right Man » est désormais solidement installé dans la place. Sortie prévue le 30 juin 2023. Vivement recommandé. –  Jean-Luc Vabres

Selwyn Birchwood

Exorcist

Alligator Records ALCD 5012 – www.alligator.com

Selwyn Birchwood (chanteur, guitariste, basse, lap steel gt), showman surdoué de Floride qui arpente, pieds nus, les scènes du monde entier avec son “Electric Swamp Funkin’ Blues” depuis plus d’une décennie avec succès, est au rendez-vous avec ce nouvel album. Après deux disques auto-produits et trois autres pour Alligator Records – tous couronnés de succès – voici son quatrième opus pour le label de Bruce Iglauer. Il s’y montre encore très créatif au niveau des textes (tous sont dans les notes de pochette), parfois surréalistes, souvent humoristiques, toujours passionnants. C’est aussi le cas au plan musical et au chant, avec une intensité vocale peu commune et des envolées de guitare inspirées. Done Cryin’ (un slow blues intense), Horns Below Her Halo (« misogyne » à souhait avec un humour décapant) ou le lancinant Exorcist avec lequel il veut exorciser sa Nemesis (une sorcière qui l’a pris dans sa toile), sont des exemples marquants de ses talents. L’album est produit par le surdoué Tom Hambridge et Birchwood en a composé les treize titres. Il est accompagné par les fidèles Regi Oliver (saxophones) et Donald “Huff” Wright (basse), Byron “Bizzy” Garner (batterie), Ed Krout (claviers) et un trio de choristes. C’est un album sans point faible et chaque titre mérite des commentaires élogieux. On se contentera de mettre en exergue une sélection subjective avec les titres déjà cités ainsi que Florida Man (une diatribe enflammée et le portrait peu flatteur d’un Floridien blanc de base, raciste, caractériel, limite psychopathe) ; c’est rentre-dedans et souligné par des accès fiévreux de lap steel guitar, illustrant selon Selwyn une insanité endémique qui règne en Floride. Swim at Your Own Risk est hilarant et très évocateur au sujet des baignades à haut risque avec des alligators à l’affût. Ajoutons que l’humour devient de l’autodérision dans Underdog (… « on me m’apprécie pas, on me sous-estime »…) avec passages survoltés de lap steel. Le frénétique My Own Worst Ennemy, l’ironique Hopeless Romantic ou le bien enlevé Call Me What You Wanto To sont autant de valeurs ajoutées à ce superbe album. L’optimisme dans Plenty More to Be Grateful For et la joie dans le splendide ILa View avec piano et lap steel (… « Love you like the church loves money »...) sont aussi de mise. L’album se conclut avec Show Tune, un instrumental vigoureux. – Robert Sacré

Ivan Neville

Touch My Soul

Mascot Provogue Records – www.mascotlabelgroup.com

Il aura fallu attendre presque vingt ans pour que Ivan Neville, fils du “docker à la voix d’ange” Aaron, enregistre son cinquième album personnel. Vingt années qu’il a consacrées à l’aventure groovie-funky au sein des Dumpstafunk avec son cousin Ian. Avec « Touch My Soul », Ivan, en digne héritier de la famille Neville, nous propose de retrouver tout l’esprit et l’essence même de la musique de La Nouvelle-Orléans. Selon lui, « la musique est un moyen pour les gens de se sentir mieux, de s’élever spirituellement »… Son objectif est clairement atteint avec ce disque, et cela dès le Hey All Together d’ouverture. Ce morceau très radiophonique (dans le bon sens du terme) réunit de nombreux invités comme Aaron Neville, Bonnie Raitt, Mickael McDonald, Dave Shaw et Trombone Shorty… Ce dernier est de nouveau présent sur Greatest Place On Earth, superbe second line dans la plus pure tradition des morceaux Mardi Gras. Tout au long de cet opus s’enchainent à merveille des ballades douces et sensuelles et des morceaux rythmés, groove et funky… Parmi les douceurs, Might Last a Lifetime (qui m’évoque Sexual Healing de Marvin Gaye), Touch My Soul et Blessed sont particulièrement réussies. Si vous préférez bouger sur du funk cuivré, je vous conseille Stand For Something et le magnifique Dance Music Love dont les riffs de guitare ne sont pas sans rappeler un certain Prince… Vous aurez compris qu’Ivan Neville, avec cet album, a su toucher mon âme d’amateur de musique « made in New Orleans ». Espérons qu’il n’attendra pas deux décennies pour nous offrir autant tant de plaisir et de bonheur. – Hubert Debas

William Bell

One Day Closer To Home

Wilbe Records – www.williambellmusic.com

L’icône de la Soul music revient ce printemps avec un album qui nous démontre qu’à 83 ans il n’a rien perdu de sa superbe. Installé en Géorgie depuis les années 70, il a enregistré cette nouvelle session avec son orchestre régulier, le Total Package Band. L’album, co-produit par Reginald Jones, nous offre douze solides compositions qui sont à savourer sans modération. Nous débutons avec I Still Go To Parties et nous voyons que malgré le temps qui passe, le natif de Memphis aime toujours sortir et prendre le temps d’écouter une bonne chanson dans un club, même s’il rentre désormais plus tôt que d’habitude de ces soirées (« I still go to parties, I don’t dance as much and I just don’t stay as long… »), titre ultra efficace sur un tempo des plus funky. Visiblement infusé dans le Blues et la Soul, Georgia Peach, co-écrit avec Scott Bomar, est un véritable bijou, admirablement soutenu et mis en valeur par l’orchestre du créateur du classique You Don’t Miss Your Water ; il y a fort à parier que ce titre se retrouve dans de nombreuses playlists de stations de radios. Let’s Make Loving Great Again est une très belle ballade dans laquelle, en ces périodes difficiles que traverse le monde, William Bell lance un appel à mettre de côté les petites différences et querelles et vivre plus sereinement dans l’amour et la compréhension ; le clip vidéo sorti il y a peu est très réussi. Ain’t Gonna Let It Bother Me et I’ve Got Feet sont des excellents titres sur fond de Soul sudiste, tandis que I’ll Remember Tonight est une formidable composition à la Sam Cooke qui n’a pas fini de tourner sur nos platines. Cette nouvelle production de William Bell, sortie sur son label Wilbe Records, montre une nouvelle que le compositeur et ancien pilier de la Stax tutoie toujours les anges. Il délivre avec constance – après son CD de 2016 intitulé « This Is Where I », une œuvre très aboutie. Merci Monsieur Bell. – Jean-Luc Vabres

Joe Krown

Tribute

Sledgehammer Blues 2-AQM-1069 – www.sledgehammerblues.bandcamp.com

Joe Krown est une figure emblématique des pianistes de La Nouvelle-Orléans depuis plus de trente ans. Il est à l’affiche du New Orleans Jazz & Heritage Festival chaque année depuis 2001 et du French Quarter Festival depuis 1998. Son trio avec Johnny Sansone et John Fohl a remporté pas mal de succès et de récompenses, comme son trio avec Walter Wolfman Washington et, plus récemment, il a brillé avec le Kenny Wayne Shepherd Band. Il a souhaité rendre hommage à des membres de sa famille, à des pianistes qui l’ont inspiré et à des musiciens qu’il a toujours appréciés, comme Clarence “Gatemouth” Brown, Lightnin’ Sam Hopkins, Big Jay McNeely, etc. Comme on pouvait s’y attendre, Krown – qui se consacre entièrement à son jeu de piano – a laissé le chant à d’autres. C’est le cas dans trois des onze faces comme Such A Night de Dr. John et sa superbe mélodie chantée par Ivan Neville ou Feel So Bad de Lightnin’ Hopkins, un slow blues intense dans lequel W.W. Washington se donne à fond au chant et guitare : un délice ! Pour la ballade jazzy With You in Mind (d’Allen Toussaint), Krown a fait appel à Noah Hunt (chanteur de K.W. Shepherd) pour une version slow, délicate et introvertie, à savourer sans modération. En fait, Krown s’est inspiré de trois morceaux d’Allen Toussaint avec All of It en tempo rapide avec Leo Nocentelli (guitare) et Southern Nights. Il a aussi choisi une deuxième face composée par Dr. John, Dorothy, un slow blues prenant et le Classified de James Booker en version rapide, haletante et revigorante. Une belle réussite. – Robert Sacré

James “Jabo” Houston

Jabo Blues

Bello Records

James Houston, plus connu sous le pseudonyme de “Jabo” est, à 78 ans, un vétéran de la scène blues d’Austin. Avec son groupe The Old Dogs, ses apparitions régulières les week-ends dans les différents clubs de la capitale du Texas lui ont forgé un solide curriculum-vitae. Pour faire bouillir la marmite, il fut au fil du temps mécanicien auto ou travaillait comme ouvrier du bâtiment. Il y a quelques années, de sérieux ennuis de santé l’obligèrent à laisser définitivement de côté sa guitare basse pour le clavier. Cette session fort réussie, nous la devons à son ami, le guitariste Jack Edery qui, convaincu du potentiel du musicien, se décida à le faire entrer en studio. À ses côtés, nous retrouvons le bassiste Eric Przygocki, à la batterie Nico Leophonte, Billy Cummings est aux claviers, tandis que Bobby Terrell est au saxophone. Sur les dix titres proposés, huit sont des reprises – à l’image de Change My Mind, Woke Up This Morning ou encore Night Time Is The Right Time – mais, grâce à l’implication totale de l’artiste, nous sommes transportés dès la première écoute dans l’un des clubs d’Austin où Jabo opère. Les deux compositions originales, My Name Is Jabo et Down In Louisiana, feront plaisir à tous ceux qui aiment cette formidable alchimie musicale sudiste qui rassemble des artistes de la trempe de Ray Reed, mais aussi du regretté Clarence Edwards, Sylvester Campbell, Orange Jefferson et tant d’autres… Cet enregistrement non aseptisé, se situant volontairement à l’opposé des productions à destination du public blues-rock caucasien, nous apporte un bol d’air frais vivifiant, nous permettant d’apprécier un bluesman attachant qui démontre avec brio et efficacité que le fameux down home blues est toujours aussi vivace. – Jean-Luc Vabres

Skylar Rogers

Among The Insanity

Blue Heart Records BHR036 – www.blueheartrecords.com

Voilà une chanteuse qui a un fameux background ! Africaine-américaine, elle est née dans un quartier chaud de Chicago et a appris à chanter à l’église, puis sa vie a pris des tournants mouvementés : un mariage raté suivi d’un divorce, des années dans l’armée, la mort d’un enfant, une reconversion dans la confrérie des truckers suivie d’une galère de SDF et de graves ennuis de santé (pneumonie, maladies auto-immunes…) avant de s’en sortir, grâce à la musique et au chant, en s’installant à Memphis et en y absorbant les formes musicales et en les combinant avec un copieux paquet d’expériences de vie pouvant lui servir d’inspiration, son crédo ? (« J’ai appris qu’il y a une chanson pour chaque émotion… La musique survit au pire et amplifie le meilleur… »). Elle a aussi retrouvé le bonheur avec son second mari, Mark. Deux albums ont déjà marqué ce passage de l’ombre à la lumière et ce retour à une vie moins agitée sur le plan personnel : « Insecurities » en 2018 et « Firebreather » en 2021, sur les hauts et surtout les bas de sa vie. Pour ce troisième opus, blues-rock et soul-blues, toujours autobiographique, elle s’est associée à Terry Wilson (bassiste et producteur) avec lequel elle a co-produit et co-composé onze des douze titres, Wilson signant seul le douzième, Blame It on Rock & Roll, une face sensée envoyer aux oubliettes les mauvaises passes de la chanteuse. Le reste tourne autour de ce que Skylar Rogers a vécu, ruptures et divorce avec le titre éponyme (avec Bill Watts à la guitare), avec la complainte One Last Kiss, ou encore avec When It’s Broken (avec Bennett Salvay au piano), et un beaucoup plus optimiste Step It Up sur un rythme joyeux et honky tonk, tout comme Both Sides of the Tale bien enlevé et entraînant. Son optimisme actuel se reflète dans Feminity, un slow blues enflammé, boosté par Snuffy Walden (guitare) et B. Salvay (claviers) où Rogers prêche le blues aux femmes, ses soeurs, et aussi dans The Water, trépidant et enlevé (au bord de l’eau, le sable coulant entre ses doigts de pieds). La face qui conclut l’opus, Apology Not Accepted, en slow, clame sa détermination à ne plus se laisser imposer n’importe quoi et à être elle-même à 200 %. – Robert Sacré

Boo Boo Davis

Boo Boo Bogaloo

Blue Lotus Recordings BL-21 – www.bluelotusrecordings.com

Né à Drew, Mississippi, le 4 novembre 1943, James “Boo Boo” Davis a baigné dans le blues depuis sa plus tendre enfance. Il apprend très tôt à jouer de l’harmonica et des percussions en frappant sur une boîte de saindoux. Avec son père violoniste, sa sœur chanteuse et ses frères guitariste et bassiste, il se produit dans les juke joints du Mississippi, au sein de l’orchestre familial, The Lard Can Band. Dans la maison familiale, défilèrent John Lee Hooker, Elmore James, Robert Petway, le pater familias Sylvester Davis semblant jouir d’une certaine réputation. Qui peut se targuer d’une telle formation actuellement ? Vers 1960, il part vivre à Saint Louis, Missouri. Il rejoint ses deux frères et se produit dans les clubs d’East Saint Louis. Il accompagne alors avec sa batterie Sonny Boy Williamson (Rice Miller), Little Milton, Albert King. Sa carrière discographique ne débute qu’en 1999 avec Arthur Williams, sous la houlette de Chris Millar que l’on retrouve sur ce cd derrière les fûts : Arthur Williams with Boo Boo Davis, « Harpin’ On It » (Fedora FCD 5013). Boo Boo Davis a depuis enregistré de nombreux disques et est souvent venu en Europe. Une nouvelle fois, avec ce disque et ses dix compositions personnelles aux influences si multiples qu’il est impossible de toutes nommer, Boo Boo Davis délivre un authentique blues « brut de décoffrage ». D’entrée, avec Little House By Mysel, Boo Boo Davis affirme haut et fort son indépendance, qu’il n’a besoin de personne. Avec Hell Around, il nous supplie d’arrêter de nous entretuer, puis il vante les joies de la période de Noël avec Once A Year. Le très lent blues I Got The Crying Blues déplore ses déboires avec sa compagne qui vient de le quitter. Absence totale de bruyant blues-rock commercial, mais une musique telle que l’on pouvait l’entendre dans les juke joints du Sud et les clubs d’East Saint Louis, il y a bien longtemps. Boo Boo Davis est un bon chanteur et un harmoniciste au jeu limité mais très expressif. En plus de Chris Millar déjà cité, il faut signaler la bassiste Adrianna Marie, le guitariste LA Jones et Paul Niehaus IV. Quel beau disque de Blues roboratif ! Pas de décibels inutiles ; pas de soli longs et insignifiants tels ceux qu’une certaine production contemporaine nous impose. Avec ses très bonnes chansons de blues, ce disque est remarquable. – Gilbert Guyonnet

Bruce Katz Band

Connections

Dancing Rooster Records DRR2727 – www.dancingroosterrecords.com

Bruce Katz est incontestablement un des grand maître contemporains des claviers, piano et orgue Hammond B3 en particulier, dans les domaines du jazz et du R&B. Il a longtemps été membre du Gregg Allman’s Band et Family Bands associés. Pour ce nouvel album, il s’est entouré d’Aaron Lieberman (guitare, chant), Liviu Pop (drums) et, pour trois faces, Shaun Oakley (basse). Il est allé enregistrer aux célèbres Capricorn Studios à Macon en Géorgie (le Sanctuaire d’Allman’s Band) et il a composé huit des onze titres dont un, Night Time Stroll, en collaboration avec Lieberman qui s’éclate au chant et à la guitare ; c’est une ballade superbe, typiquement New Orlerans, à la Allen Toussaint, sur un rythme de valse syncopée, avec Katz au piano. Deux faces sont signées Lieberman seul, dont Down Below, un slow blues prenant, avec Katz à l’orgue, et Tides Are Turning, du R&B festif et joyeux en tempo medium avec orgue et guitare. La reprise, Sneakin’ Around, est empruntée à Jessie Mae Robinson ; c’est une ballade bluesy sur la fragilité des relations amoureuses. Katz y est très inspiré à l’orgue, tout comme Lieberman à la guitare. Les compositions de Bruce Katz sont des faces instrumentales, en général très jazzy mais en fusion avec le R&B, comme Right Here Right Now très New Orleans, sur un rythme de marche, avec piano et guitare en parade, ou Morning On Basin Street bien enlevé avec changement de rythme rapide-lent à l’orgue, tandis que What I Feel est sur rythme slow. All About That et Gary’s Jam, en medium, débordent de swing. – Robert Sacré

Eric Bibb

Ridin’

Dixiefrog DFGCD 8840 – www.dixiefrog.com

Cela fait déjà près de cinq décennies qu’Eric Bibb nous enchante avec son folk blues proche de la country au goût de gospel, voire de soul, et c’est encore le cas avec cet album qui paraît deux ans après le précédent, avec un string band efficace (banjo, guitares, violon…) et des faces en majorité en slow. Ici encore, la lutte pour les droits civiques des Noirs américains, la ségrégation, les lois Jim Crow et toutes les entraves à la liberté l’inspirent et sont au centre de ses préoccupations. Ainsi, le titre éponyme est une incantation scandée sur le rythme d’un cheval au trot (en accord avec la photo de pochette) sur le thème « ridin’ on the freedome trail ». Dans la même veine, The Ballad Of John Howard Griffin, sur un rythme heurté, aborde racisme et ségrégation avec un sous-titre martelé, Jim Crow Blues… Les influences gospel, avec choeurs, sont apparentes, surtout dans le bien syncopé Family et dans l’haletant Tulsa Town. La tonalité folk est présente partout, comme dans Sinner Man, enjoué et plein d’entrain, gravé en live avec le Eric Bibb String Band au Wheatland Festival, ou dans le classique 500 Miles, avec une mélodie superbe dont Bob Dylan et Joan Baez (entre autres) ont donné des versions mémorables ; Eric Bibb y ajoute sa propre version slow et tout aussi remarquable avec la complainte. Comme c’est souvent le cas, les faces avec invités sont des boosters, ainsi Blues Funky Like That en slow mais heurté et funky, mélange adroitement rythmes acoustique et électrique avec Taj Mahal et Jontavious Willis, tout comme Call Me By My Name vitaminé et acide avec Harrison Kennedy qui aborde encore le thème du racisme (« I’m A Man, not a Boy, Call Me by my Name ») et Free avec ses touches africaines dues à Habib Coïté et son thème récurrent. – Robert Sacré

The Ozdemirs

Introducing

Continental Europe CECD 96 – www.continentalrecordservices.bandcamp.com

Chez les Ozdemirs, le blues est une affaire de famille, puisque Erkan, le père, donne, avec sa basse, le « la » des inventions que peuvent trouver ses fils Kenan à la guitare et Levent à la batterie. Pour autant, « father and sons » ne donnent pas dans le power trio hyper-électrique, comme la formule pourrait le laisser penser, mais s’offrent un voyage à distance dans le périmètre des musiques raciniennes américaines. À ce titre, Tired Of My Tears, qui porte les signatures de Jimmy Lewis et Jimmy Holiday, est un joli clin d’œil à la soul urbaine des années soixante. Parmi les reprises encore, notons l’excellent Burnt Toast & Black Coffee de Shorty Long. That’s How It Is est un blues robuste et il y a une invitée de marque, Trudy Lynn, pour reprendre le Heap See de Jimmy Johnson. Un groupe bien implanté sur la scène européenne grâce à la participation régulière de “Father Erkan” à de nombreuses formations en tournée, comme celle des Bluescasters de Memo Gonzalez. – Dominique Lagarde

Big Harp George

Cut My Spirit Loose

Blue Mountain Records – www.bluemountainrecords.com

Parcours étonnant que celui de George Bisharat a.k.a. Big Harp George, né en 1954 à Topeka, Kansas, d’un père médecin, immigré palestinien, et d’une mère native du Connecticut. Il suivit sa famille en Californie et devint avocat pénaliste spécialiste dans le droit des minorités et prof de droit à l’UC Hastings College of the Law avant de se consacrer entièrement à la musique et à l’harmonica chromatique (1) à San Francisco. Depuis 2014, il a déjà inscrit quatre albums au compteur et, pour le cinquième, produit par Chris Burns (aux claviers sur toutes les faces), il est retourné aux Greaseland Studios de Kid Andersen à San José, accompagné, entre autres par Andersen lui-même (gt, banjo, vibraphone), Joe Kyle Jr. (basse), June Core ou Derrick D’Mar Martin (drums), Michael Peloquin (saxes), Mike Rinta (tb, tuba) et autres souffleurs ici et là. C’est un festival jouissif de jump blues et de jazz typique de la Côte Ouest voire de New Orleans que permet l’harmonica chromatique (2) dont Big Harp George est un maître ; son jeu est brillant et sans failles, son timbre de voix, lui, est particulier, assez haut et léger, limite féminin, c’est un détail un peu perturbant, ce qui renforce le plaisir d’écoute des trois faces instrumentales, surtout Bustin’ Out, une marche de Mardi Gras accompagnant une parade second line comme à New Orleans et Sunrise Stroll, slow et introverti. Toutefois, une grande partie des faces chantées ont aussi des qualités excitantes comme l’humoristique My Dog Is Better Than You, uptempo et déjanté, tout autant que It’s Tuesday sur les aléas du confinement de la période Covid ou Prince of Downward Mobility, un blues impétueux rondement mené et le funky She’s A Woman. Il y a même un « gospel blues » sur l’hypocrisie rampante dans la culture populaire, Take A Knee, avec les Sons of the Soul Revivers présents aussi sur d’autres faces. En conclusion, on a un Captain Jack plein d’émotion qui rapporte la tragédie de Kintpuash (a.k.a. Captain Jack, chef du peuple indien Modoc), avec Ben Torfrès (flûte), un thème proche de Big Harp George en sa période d’avocat pénaliste. – Robert Sacré

Notes :
(1) voir interview dans www.bluesblastmagazine.com/featured-interview-big-harp-george
(2) comparé à l’harmonica diatonique à dix trous et à un seul ton, le chromatique s’en différencie en pouvant jouer dans tous les tons, avec un son jazzy et plus sophistiqué, mais il demande une dextérité maximale.

Layla Zoe

The World Could Change

Cable Car Records CCR 0311-56 – www.henrikfreischlader.com

Layla Zoe est une chanteuse de blues canadienne, originaire de Vancouver. Elle a commencé à chanter dans le groupe de blues de son père. Elle a ensuite déménagé à Toronto où elle a sorti « Shades of Blue », son premier disque en 2006. Après un concours d’écriture remporté en Finlande, elle est remarquée par le guitariste allemand Henrik Freischlader qui collabore à son disque « The Lily » en 2013. Remarquée aussi par Ruf Records, elle est engagée, avec Ina Forsman et Tasha Taylor, pour la tournée et les enregistrements Blues Caravan 2016. En 2023, voici son onzième album avec la collaboration de Henrik qui produit et joue de la guitare, de la basse et de la batterie, avec Moritz Fuhrhop à l’orgue. Les paroles des douze chansons sont de Layla et la musique de Henrik. L’enregistrement a été réalisé au Megaphon Recording Studio, dans la ville allemande de Arnsberg. La voix de Layla, souvent comparée à celle de Janis Joplin, est bien adaptée aux ballades comme dans les sept minutes du magnifique Brother. Jasmine est un morceau de blues-rock où sa voix devient explosive. Le jeu de guitare de Henrik est remarquable, aussi bien en accoustique qu’en électrique, avec le soutien de l’orgue de Moritz. L’écoute de ce disque sera certainement une agréable découverte pour ceux qui ne connaisse pas Layla Zoe. – Robert Moutet

Rhythm Krewe

Unfinished Business

Rhombus Records RHO 7152 – www.rhombus-records.com

En 1990, Steve Zelman (vo, gt, compositeur) a fondé Floyd & the Flyboys, devenus récemment Rhythm Krewe, un groupe de musiciens expérimentés avec une forte section cuivres : Roy Wiegand (tp), Chris Mostert et Mike Nelson (sax tenor), Chris Jennings (sax baryton), Chuck Hughes, Ira Nepus et Steve Baxter (tb). Tous avaient fait leurs armes auprès de sommités du show business comme Ray Charles, Santana, Lyle Lovett, The Eagles, The Temptations, Brian Setzer et bien d’autres. On a ici leur premier album, il est excellent. C’est du R&B à l’ancienne avec cuivres, basse, drums, piano/orgue (un formidable Jim Blazer), guitare (Zelman) et trois chanteurs : Zelman (sept faces), Gary Coppola (quatre faces) et David Morgan (une face). À savourer : neuf titres originaux dus à Zelman et trois reprises. On démarre avec She Moves Me, un hit de Johnny “Guitar” Watson dont l’exécution donne une idée de l’ensemble de l’album, un dialogue permanent et haut de gamme entre chant, guitare, piano et cuivres. Cela se confirme avec She’s Murder de James Oden/James Cotton (du Chicago blues pugnace et fonceur, bien emballé et livré franco), Her Mind Is Gone de Professor Longhair sur un plaisant rythme de rumba avec une partie de piano mémorable (Jim Blazer). Les compositions de Steve Zelman sont du même tonneau et on retiendra, entre autres, Unfinished Business, du R&B musclé et roboratif en big band et des slow blues remplis d’émotion comme Little Bit of Heaven, Time of Day, Prescription for Disaster, Sweet Surrender… En conclusion de l’album, l’humoristique Monkey Toes commence de manière classique avec guitare slide et se termine avec un beat caractéristique à la Bo Diddley. Réjouissant et convivial. – Robert Sacré

Jimi “Primetime” Smith & Bob Corritore

The World In A Jug

SWMAF Records SWMAF24 – www.swmaf.org

Une nouvelle fois, l’harmoniciste Bob Corritore nous ouvre ses fameuses archives pour nous faire partager cet album fort réussi enregistré entre 2017 et 2020 dans son repaire d’Arizona. Né à Chicago en 1960, Jimi “Primetime” Smith est le fils de Johnnie Mae Dunson, illustre figure du blues de Chicago et de Maxwell Street qui composa entre autres pour Jimmy Reed ; elle était chanteuse et jouait aussi de la batterie. Pour l’anecdote, je me rappelle il y a bien des années m’être rendu dans le west side à proximité du Starlight Lounge ; elle avait organisé, sous une sorte de véranda couplée à un garage, une soirée totalement improvisée où les grandes figures du quartier venaient lui présenter leur respect en interprétant un titre avant de s’évanouir dans la nuit. Le fiston plaqua ses premiers accords grâce aux conseils de Jimmy Reed, Hubert Sumlin ou encore Eddie Taylor, avant de jouer avec les plus grands comme Walter Horton, Floyd Jones, Queen Sylvia Embry ou encore Fenton Robinson. Il enregistre en 1998 un cd intitulé « Give Me Wings » pour le label Atomic Theory, puis en 2007 chez Cold Wind Records, un album intitulée « Back On Track ». Au fil des sessions, sur trois années, les deux amis sont épaulés entre autres par Henry Gray et Fred Kaplan au piano, mais aussi par Johnny Rapp à la guitare ou encore par Bob Stroger à la basse. Jimi “Primetime” Smith, désormais établi à Minneapolis, nous propose six compositions originales dont le somptueux Fire And Ice, où l’ombre bienveillante de Muddy Waters veille à chaque instant. Celle de son mentor Jimmy Reed est aussi présente sur You For Me et We Got To Stick Together, alors que le morceau d’ouverture, The World In A Jug, évoque somptueusement l’âge d’or du Chicago blues et ses glorieux aînés. Voici un album qui ne pourra que réjouir les amateurs de blues pur jus, sans conteste une sacrée belle réussite à mettre à l’actif du formidable duo. – Jean-Luc Vabres

Jimmy Carpenter

The Louisiana Record

Gulf Coast Records GCRX-9040 – www.gulfcoastrecords.net

Jimmy Carpenter (chant, saxophone et guitare) est installé à Las Vegas, mais il a vécu une douzaine d’années à New Orleans et, quand Mike Zito, le boss de Gulf Coast Records, lui a proposé d’enregistrer un album dont le thème serait la Louisiane et les musiques composées par des icônes comme Allen Toussaint, Fats Domino, Chris Kenner, Dr. John, il a été plus qu’emballé. Il s’est associé à des musiciens hors pair, à commencer par Mike Zito lui-même (guitare) avec Casandra Faulconer (basse), John Gros (piano, B3 organ) et Wayne Maureau (drums). C’est « Louisiana music 100 % proof » et on démarre en beauté avec des versions excitantes de I Hear You Knocking, festif et enjoué, suivi, plus loin, par Travelin Mood, festif aussi, avec guitare slide, deux morceaux auxquels Fats Domino et Dr. John ont donné une belle notoriété. Idem avec le Something You Got de Chris Kenner, en slow, avec John Gros en pleine forme au piano, de même que Carpenter au chant et saxophone, comme dans toutes les autres faces, et même à la guitare dans un I Got Loaded (I Feel Alright…), hilare et enjoué. Dans Barefootin’, un classique du saxophoniste Robert Palmer (1966), Carpenter s’en donne à cœur joie au saxophone et en chantant : « The Little Girl with a red dress on… / marcher et danser pieds nus, quel pied !… » Il y a beaucoup de nostalgie et de retenue dans la belle ballade All These Things d’Allen Toussaint/Art Neville. Tout le reste est à l’avenant, comme Those Lonely Nights (1955, Earl King + Johnny Gt Watson +…), le classique absolu des amoureux des dance floors, avec sa mélodie magique, irrésistible ; de la belle ballade Bring It On Home To Me (de Sam Cooke) jusqu’à Rockin’ At Cosimo’s, l’instrumental exultant et bourré de swing qui clôture l’album et rappelle l’influence capitale du studio d’enregistrement de Cosimo Matassa dans la conservation et la diffusion des musiques de NOLA et de la Louisiane. Une belle réussite, recommandée à tous les amateurs des musiques de la Crescent City et de l’État du Pélican… et aussi aux autres, bien sûr. – Robert Sacré

Ashley Sherlock

Just A Name

Ruf Records Ruf 1302 – www.rufrecords.de

Après deux EP en 2019 et 2021, voici un premier album pour ce chanteur-guitariste-compositeur originaire de Manchester (U.K.), sur la route depuis quatre ans avec ses partenaires Danny Tigg (drums) et Charlie Rachel Kay (basse). Tous trois ont composés les douze titres et Sherlock sera de la tournée RUF Blues Caravan Tour 2023 avec Will Jacobs et Ally Venable. Avec son look de hippie, c’est un adepte du rock, du hard rock, d’une soul soft et d’une pop vaguement bluesy. Le blues classique ne semble pas du tout son fort et on entend bien que ses idoles et mentors restent Guns N’Roses, Dire Straits, les Red Hot Chilly Peppers, Jeff Buckley et consorts, mais c’est un compositeur éclectique et un mélodiste inventif, même si les ballades en slow prédominent dans son album comme Trouble, une ballade rock, ou I Think That She Knows, une complainte douce amère ; Our Love, intime et sentimentale ou encore Empty Street enjolivé d’un solo de guitare étoffé et brillant, tout comme Dear Elizabeth, une lettre à une amie disparue et où le solo de guitare est lyrique et aérien, sont d’excellentes compositions. Time, en médium, est enjoué et festif et Realise accélère le tempo, comme Goodbye to You, à la fois véhément et grave avec des accords marqués, hachés. On retiendra Last Call, encore une ballade mélancolique qui est une métaphore de la faillite d’une relation menant à un nouveau départ par le biais de la formule utilisée dans les bars pour signaler que l’heure de la fermeture a sonné. – Robert Sacré

Taj Mahal

Savoy
Worlds Finest Ball Room

Stony Plain Records 1470 – www.stonyplainrecords.com

Taj Mahal se tourne vers l’histoire du légendaire dancing de Harlem, le Savoy Ballroom – « The Home of Happy Feet » –, ou des générations de danseurs ont pris du bon temps entre 1926 et 1958. Voici quatorze titres parmi les plus joués pendant cette grande époque. De l’incontournable Stompin’ at The Savoy à Sweet Georgia Brown, en passant par Lady Be Good, Summertime, Mood Indigo, ou I’m Just a Lucky So and So. Mais Taj Mahal n’est peut-être pas le chanteur idéal pour ce genre d’exercice. Il pratique le scat dans plusieurs morceaux, mais il n’a pas la classe d’Ella Fitzgerald et n’a malheureusement plus la souplesse voulue, mais qu’importe, l’orchestre est excellent même si les choristes trainent et manquent de dynamisme. L’exemple type est cette version de Baby It’s Cold Outside avec Maria Muldaur qui est loin de valoir celle de Ray Charles avec Betty Carter. J’adore ce vieux Taj, mais là je n’arrive pas à rentrer dans ce Savoy Ballroom avec lui. Le CD est très agréable mais donnerait plutôt envie de réécouter les versions originales de ces classiques. À écouter pour se faire une idée. – Marin Poumérol

John Primer

Teardrops for Magic Slim, Live at Rosa’s Lounge

Blues House Productions BHP JP2023 – www.blueshouseproductions.com

John Primer (chant, guitare) a fait partie des Teardrops de Morris Holt a.k.a. Magic Slim de 1981 à 1993 et, en février 2023, il a voulu commémorer le dixième anniversaire de la mort de ce dernier avec un concert live (et sold out) au Rosa’s Lounge, à Chicago. Il a réuni les Teardrops encore en activité : Jon McDonald (guitare), Earl Howell et Lenny Media (drums), Danny O’Connor (basse), ainsi que Shawn Holt (guitare et chant), le fils de Magic Slim. Pour son programme, Primer a fait une sélection des morceaux favoris de Magic Slim, fréquemment joués/chantés en concerts et en festivals, dont une composition originale de celui-ci, Trouble of My Own, un slow blues intense et débordant d‘émotion. Les autres faces sont donc des reprises comme celles où Shawn Holt chante et joue de la guitare : Let Me Love You Baby (Willie Dixon), intense et inspiré et It Hurts Me Too (Elmore James) en slow et, bien sûr, avec des passages à la slide. Primer fait lui aussi un emprunt à Elmore James avec une version énergique et bien rythmée de Look Over Yonders Wall, et, comme Slim, il se tourne aussi vers d’autres gloires de Chicago, ainsi Jimmy Dawkins avec Luv Sumbody, J.B. Lenoir avec Mama Talk to Your Daughter, Bo Diddley (Elias McDaniel) avec Before You Accuse Me et aussi Little Milton Campbell (même si The Blues Is Alright avait été un hit pour Malaco Records dans le Mississippi) sont ici présents. Par ailleurs, Magic Slim s’inspirait aussi de bluesmen d’autres lieux que Chicago et Primer suit logiquement ses traces, avec de bonnes versions de Every Night Every Day de Jimmy McCracklin (Californie) ou The Things I Used to Do de Eddie James a.k.a. Guitar Slim (New Orleans), etc. On tient ici une trace concrète d’une soirée de blues qui fut intense, exceptionnelle et à laquelle tout un chacun aurait voulu assister physiquement ; quelques privilégiés ont eu cette chance, les autres devront se contenter de cet album qui ne peut évidemment suppléer à l’absence de l’élément visuel mais c’est ainsi et c’est mieux que rien. – Robert Sacré

Bob Corritore and Friends

Women In Blues Showcase

SWMAF Records SWMAF 23 – www.swmaf.org

La liste d’amies de Bob Corritore rassemblées pour cet album est impressionnante ! Jugez plutôt : Koko Taylor, Barbara Lynn, Carol Fran, Valerie June, Shy Perry, Francine Reed, Aliya Primer (oui, la fille de John !), Valerie June et Diunna Greenleaf. Tout ce beau monde est entré en studio entre 2001 et 2022 aux côtés de musiciens tels que Bob Margolin, Kid Ramos, Jimi “Primetime” Smith, Bob Stroger, mais aussi les regrettés Chico Chism et Willie “Big Eyes” Smith. Ces pépites, qui sont restées jusqu’à ce jour dans les archives de l’harmoniciste de Phoenix, sont tout simplement époustouflantes. Les douze titres dévoilés sont tous d’un très haut niveau, à l’image de la version du classique Wang Dang Doodle par Shy Perry, qui est une nouvelle fois admirable. Diunna Greenleaf est divine sur la composition créée par Willie Dixon, Don’t Mess With The Messer, et elle déroule toute sa classe sur l’admirable composition originale intitulée Be For Me. Mention spéciale pour Valerie June dont l’interprétation dépouillée du classique Crawdad Hole aux effluves « dylanesques » force le respect. La Queen Koko Taylor est naturellement impériale sur l’un de ses titres fétiches, What Kind Of Man Is This, sans omettre Carol Fran et Barbara Lynn qui sont ici admirablement mises en valeur. N’oublions pas la première apparition discographique de la fille de John Primer, Aliya qui, aux côtés de son paternel, nous dévoile de solides qualités sur le succès de Slim Harpo, Te Ni Nee Ni Nu. Voici un bel et vibrant hommage à toutes ces artistes. Il est évident que face à de telles réussites, Bob Corritore à plus que bien fait de publier toutes ces sessions qui dormaient dans des tiroirs. La qualité constante, au fil des années, des enregistrements produits par le propriétaire du Rhythm’ Room, est formidable. Bravo à lui et respect. Si vous suivez cette formidable série baptisée « From The Vault’s », il vous sera alors bien difficile d’éviter cette nouvelle galette. – Jean-Luc Vabres

Sister Lucille

Tell The World

Blue Heart Records BHR 038 – www.blueheartrecords.com

Sister Lucille est un groupe du sud-ouest du Missouri fondé par la chanteuse Kimberly Dill et le chanteur-guitariste Jamie Holdren pour se produire, dès 2014, sur Beale Street à Memphis avec Reed Smitrh Herron (basse), Kevin Lyons (dms), Chris Stephenson (keys) et une section de cuivres. Un premier album, « Alive », a paru en 2019, il a eu pas mal de succès. Voici le deuxième opus avec dix titres d’un blues/R&B marqué par la soul de Memphis et le groupe y a ajouté une bonne dose de funk, ce qui a conduit à qualifier leur style de « Memphunk » pour souligner leur originalité. Hourrah pour les femmes : l’album est dédié à toutes les femmes du monde, il a été produit et enregistré par les autoproclamées “The Blue Eyed Bitches” (Reba Russell et Dawn Hopkins) pour une compagnie entièrement contrôlée par des femmes. Six des dix titres ont été composés par Holdren seul ou avec Drill, comme Montezuma Red, un blues en médium, vibrant et fonceur (c’est le nom d’un rouge à lèvres crée en 1941 pour souligner la couleur de certains accessoires des uniformes militaires portés par des femmes) ; couleur rouge à l’honneur encore dans Devil in a Red Suit, fougueux et agressif (c’est l’histoire d’un sale type en costume rouge). À savourer, My Name is Lucille, un slow blues dédié à la Gibson ES-330 noire de B.B. King (et clin d’œil au nom du groupe) ainsi que l’excellent Why Not You, une composition de Reba Russell, elle est à la slide et en duo vocal avec Dill, c’est très Hill Country sur tempo rapide et haletant. On retiendra l’humour de My New Lovers, très rentre-dedans où Dill revendique sa soif de nombreux partenaires amoureux (« je ne suis pas la femme d’un seul homme, je veux beaucoup d’amour : I feel good from my head to my toes… »), comme le country shuffle de Ready for the Times to Get Better (« après toutes les galères, je suis prête pour des temps meilleurs… »). Quant au titre éponyme d’ouverture, c’est exubérant, en tempo rapide avec guitare wah wah et cuivres en folie, tandis qu’à la conclusion, Soulful Dress est une reprise d’un hit soul de 1964 pour Chess, c’est swinguant et dansant. L’album est plaisant de bout en bout et, tout du long, Kimberly Dill donne haut et fort de sa voix d’alto un peu canaille et Jamie Holdren se déchaîne avec des parties de guitare déjantées et spectaculaires, bien soutenu par ses partenaires de la section rythmique et des cuivres ; il est même convaincant comme chanteur dans un Breakin’ My Heart, véhément et saccadé. Well done ! – Robert Sacré

The BluesBones

Unchained

Naked Production NPO76

The BluesBones est un groupe de blues belge formé en 2011 par cinq musiciens expérimentés. Voici leur septième album enregistré aux Dunk ! Studios situés à Zottegem, petite ville en région flamande. Après leur précédent album, « Live On Stage », paru en 2020, ils ont fait de nombreuses tournées en Europe qui ont remporté un succès considérable. Ils sont alors devenus n°1 des Blues Airplay Charts au Royaume Unis et aux États-Unis. Aujourd’hui, le groupe se compose de Nico De Cock au chant, Stef Paglia à la guitare, Edwin Risbourg à l’orgue, piano et saxophone, Geert Boeckx à la basse et Jens Roelandt à la batterie. Le troisième morceau du disque, I Cry, est dédié à Koen Mertens qui fut leur batteur, décédé en 2022. Ce morceau est le moment fort de l’album avec un superbe jeu de piano et la voix puissante et émouvante de Nico De Cock. Cette chanson est reprise à la fin du disque dans une version symphonique qui est encore plus intense et mélancolique. Les neuf morceaux sont des compositions du groupe et l’enregistrement a été réalisé dans les conditions du live, en une seule prise, d’où l’impression de grande spontanéité. Les neuf titres nous donnent un aperçu de tous les aspects du blues, de la musique roots et du blues-rock. Et il est probable que ce disque procure à The BluesBones de nouvelles récompenses. – Robert Moutet

Dean Zucchero

Electric Church For the Spiritually Misguided

Pugnacious Records – info@pugnaciourecords.com

Zucchero, bassiste, compositeur et producteur, a bien roulé sa bosse, du East Village de New York où il a débuté, à l’ Europe où il a tourné neuf ans avec The Healers, Johny Mastro, Ghalia Volt et les Mama’s Boys, avant de rentrer aux USA en 2013 et de s’installer à New Orleans. Là, il a adopté tous les éléments des musiques locales avec une extension vers les musiques du Mississippi voisin, voire celles de Memphis et de Chicago. Pour cet album, excellent quasiment de bout en bout, il a produit/arrangé/écrit les onze faces mais, ne nourrissant lui-même nulle ambition de chanteur, il a fait appel aux amis qu’il s’est fait dans le show business local et aptes à combler cette lacune, comme Johnny Rawls aux commandes dans Big Boy Boss en ouverture, une belle tranche de soul blues portant sur un fieffé manipulateur de jeune femme avec, entre autres, (Rockin’) Johnny Burgin (guitare). On retrouve ce dernier au chant et à la guitare avec Joe Krown à l’orgue dans Stack It, du soul blues musclé. Jonathan “Boogie” Long se lance dans une ode appuyée à la bière dans Craft Beer, enlevé et somptueux, écrit par Zucchero qui a du se souvenir de son passage en Belgique avec J. Mastro et Ghalia Volt et de ses homériques libations. Ghalia est ici au chant et à la slide (avec Waylon Thibodeaux, violon) dans son bien enlevé Last Minute Packer au titre explicite, co-écrit avec Zucchero. Autres très bons moments de l’album : Indepedance Day avec Dale Spalding (chant) et Jake Eckert (guitare), c’est enlevé et haletant pour une histoire de rupture bienvenue et de Empty Postbox avec Zucchero (basse et percus) en duo avec Bruce “Sunpie” Barnes (chant, harmonica), un slow blues au goût doux-amer (bitter-sweet taste…) sur des nouvelles attendues en vain. Ou encore Mortal Man, un autre slow blues avec Johnny Sansone (chant, harmonica) et Joe Krown (orgue). À signaler deux instrumentaux : La Belle Poursuite sur tempo rapide (John Fohl – guitare, Joe Krown – orgue) et DBA, un hommage justifié à l’un des clubs de R&B les plus courus de Frenchmen Street à New Orleans avec Jason Ricci (harmonica), Joe Krown (orgue) et Jack Eckert (guitare). Une mention enfin à l’entraînant American Dream qui conclut l’album avec Jeremy Joyce (chant, guitare) : elle en a marre du « Rêve Americain » tel qu’il est devenu et tient à le dire ! Au total, un grand plaisir d’écoute à la clé, avec, de plus, les textes disponibles dans les notes de pochette. – Robert Sacré

Johnny Wheels
and the Swamp Donkeys

Keep on pushin’

Autopublié

À le voir comme ça avec ses barbus, le trio Johnny Wheels pourrait vous faire dire : tiens, voilà les nouveaux ZZ Top ! À l’écoute, il n’en est rien. La formation composée de John Kennicott (chant et harmonica), Brandon Logan (guitare et chant) et Taylor Frazier (basse), joue dans un registre plus soul, blues et pop, que franchement boogie rock. Suite à un accident, Johnny “Wheels” Kennicott s’est retrouvé dans un fauteuil roulant au sortir de l’enfance. Il a reporté vers la musique l’énergie qu’il donnait pour le football, guidé par un père bassiste, et l’inspiration qu’il puise dans sa région du nord-ouest Pacifique. Le ton est donné avec le bien luné On The Run en ouverture, sur lequel viennent se greffer orgue et batterie. Une bonne humeur qui traverse encore George Fisk et se prolonge tout au long de ce cd attachant, plein d’humour et de sensibilité, aux chansons bien tournées et aux textes porteurs d’espoir, qui s’achève sur l’insistant Keep On Pushin’. – Dominique Lagarde

Mike Zito
Albert Castiglia

Blood Brothers

Gulf Coast Records GCRX-9042 – www.gulfcoastrecords.net

« Frères de sang », Zito (chant, guitare) et Castiglia (chant, guitare) se sont associés pour graver cet album dont ils rêvaient depuis longtemps. Ils ont mis toutes les chances de leur côté avec deux producteurs (guitaristes eux aussi) : Joe Bonamassa et Josh Smith, lesquels n’ont pas laissé leurs guitares au vestiaire et interviennent de ci de là pour élaborer un intéressant festival, comme dans leur version appuyée du My Business de John Hiatt (« my baby don’t like my business… ») ou dans Bag Me, Tag Me, Take Me Away festif et plein de fougue avec de bonnes parties de guitare et de piano. Le groupe de base comprend Lewis Stephens (orgue, piano), Douglas Byrkit (basse), Matt Johnson et Ephraim Lowell (drums) et il y a des invités, entre autres une solide section cuivres (trompette, saxophones, trombones). L’enregistrement s’est déroulé à Maurice en Louisiane et la touche New Orleans est bien présente dans le morceau d’ouverture, Hey Sweet Mama, avec un rythme chaloupé et entraînant, c’est une des quatre compositions personnelles de Zito, avec la ballade sentimentale en slow In My Soul, un slow blues No Good Woman et Hill Country Jam, un instrumental avec changement de rythme évoquant une joyeuse ballade au pays des collines. Quant à Albert Castiglia, il est d’humeur mélancolique dans sa propre composition autobiographique, A Thousand Heartaches, une ballade sentimentale dans laquelle Bonamassa se met en valeur. À noter encore One Step Ahead of the Blues où Zito et Castiglia chantent en duo et Tooth and Nails composé à leur intention par Tinsley Ellis, c’est énergique et vigoureux, saccadé et fonceur. – Robert Sacré

Jeff Pitchell

Playin’ With My Friends

Deguello Records DG2174

Originaire du Connecticut, voici le neuvième album de Jeff Pitchell, chanteur, guitariste et auteur-compositeur. Depuis la fin des années 1990, il a beaucoup enregistré, avec une très longue liste de musiciens (trente-deux sont indiqués pour les reprises de ces treize morceaux). Aucune dates ni lieux deenregistrements ne sont indiqués. Plusieurs morceaux néanmoins ont été enregistrés avant 2017, puisque plusieurs des musiciens sont décédés à cette date comme le guitariste J. Geils et les saxophonistes Charles Neville et Jimmy Biggins. On notera aussi que le morceau d’ouverture du disque, Eye For An Eye, n’est pas une compositioon récente de Jeff puisqu’il a été repris par John Mayall en 2009 dans son disque « Tough ». Il est donc difficile de savoir s’il y a des enregistrements récents parmi cette compilation de morceaux d’albums précédents. Mais cela n’empèche pas d’apprécier une série de duos impressionnants, comme Out In The Cold avec Tyrone Vaughan (le fils de Jimmie et le neveu de Stevie Ray). Playin’ With My Friends, qui donne son titre au disque, est un morceau de Robert Cray et il est interprété par Claudette King qui est l’une des filles de B.B. Jeff Pitchell nous offre donc une musique aux accents blues et soul et sa nomination au Blues Hall Of Fame était bien méritée. Un résumé de ses productions est à découvrir grâce à cette compilation. – Robert Moutet

Peter Storm & The Blues Society

Second

Naked NP074

Blues is everywhere… Ce groupe de blues est très populaire au Portugal, avec José Reis (basse), Jorge ‘Mister Shuffle’ Oliveira (drums), Bino Ribeiro (hca et guitare), Joao Blechior (guitare, chant) ; ils font régulièrement la première partie ou l’accompagnement de groupes US en tournée au Portugal et en Espagne (Diunna Greenleaf, Shanna Waterstown, Janice Harrington, …). Comme le titre l’indique, voici leur deuxième album avec dix faces. On y trouve huit compositions originales avec des slow blues pleins d’émotion comme Meditation Blues, dramatiques comme Black Hole ou I Told You (Not To Treat Me Wrong) et d’autres bien enlevés voire frénétiques comme Write Down the Blues, Gow Down & Play, ou encore 52nd Street, un talking blues boosté par des parties de guitare et d’harmonica survitaminées sur tempo d’enfer, sans négliger le trépident Show Me Your Love. Il y a donc aussi deux reprises, une version très musclée du I Feel Like Breaking Up Somebody’s Home d’Al Jackson avec des parties enfiévrées de chant et de guitare et une version à l’adrénaline du Beatrice de Philip Walker en médium. Au total, un groupe très convaincant, que ce soit sur le plan vocal ou instrumental, à suivre de près. – Robert Sacré

Henrik Freischlader

Recorded by Martin Meinschäfer II

Cable Car CCR 0311-55 – www.henrikfreischlader.com

Henrik Freischlader est un guitariste de blues allemand né en 1982 à Wuppertal. Il est auteur compositeur interprète, producteur et multi-instrumentiste. Il a formé son premier groupe en 2004 et enregistré son premier disque, « The Blues », en 2006. En 2012, « House in the Woods », son dix-septème album, fut suivi de longues tournées dans toute l’Europe. Voici donc son dernier enregistrement, « Recorded by Martin Meinschafer II », que l’on peut considérer comme un disque solo. En effet, Enrik joue de tous les instruments, sauf l’orgue Hammond et le piano électrique Fender Rhodes de Moritz Fuhrhop. Les douze morceaux, avec une durée de 74 minutes, ont tous été écrits par Henrik. Ce disque peut être classé dans le domaine blues-rock, avec néanmoins un apport de jazz, de soul et de funk. À noter que le dernier morceau de l’enregistrement, Hands Of Jésus, est un magnifique « gospel blues » lent qui dure 13 minutes ; cette chanson gospel, avec la voix sincère de Henrik, se termine par un superbe solo de guitare. C’est donc avec cette pièce maîtresse que l’on achève l’écoute, fort agréable, de ce disque qui sera certainement considéré comme le meilleur de Henrik Freischlader. – Robert Moutet

Ana Popovic

Power

ArtisteXclusive Records / Socadisc

Ana Popovic est une battante qui a du mobiliser sa forte détermination et tout son courage, car elle n’a pas été épargnée par les coups du sort : à l’automne 2020, en pleine crise Covid, on lui a diagnostiqué un cancer du sein, c’était d’autant plus traumatisant que sa mère était morte de cette maladie trois ans auparavant. C’est Buthtel, son bassiste, directeur musical et ami, qui lui a apporté le soutien et les encouragements dont elle avait besoin pour tenir le coup, ne pas se décourager et, au contraire, rebondir et se mettre au travail pour écrire ce nouvel album, malgré la fatigue associée à la chimiothérapie, aux vols aller-retour entre Los Angeles et Amsterdam où elle a reçu ses traitements et aux tournées et concerts qu’elle a continué à honorer. Entre ces épisodes, Buthel et elle se sont connectés sur Zoom, échangeant avis, idées et démos, construisant les morceaux au fur et à mesure. Ana est persuadée que ce soutien indéfectible de Buthel, la musique et sa Fender Stratocaster de 1964, lui ont sauvé la vie. D’où ce symbole fort en photo de pochette : une main noire et une main blanche qui s’entrelacent et donnent ce sentiment de puissance, style « l’union fait la force » illustré dans la ballade Luv’n Touch, dans du blues-rock comme Power Over Me et un Doin’ This survolté (« I get power doin’ this… »). Au plan musical, c’est un travail colossal qui a été accompli, avec un nombre impressionnant de partenaires pour soutenir Popovic (chant et guitares) et Buthel (basse, chant) : une section de cuivres étoffée, orgues Hammond, choristes, etc. Des musiciens de premier plan de Detroit, Dallas et New Orleans, la liste est trop longue pour les citer. Plus d’un des onze titres est en rapport avec les épreuves traversées, comme Rise Up (de Kenny Wayne Shepherd), une injonction que Miss Popoviv s’est assurément souvent adressée pour sortir du marasme ambiant, même si le thème du morceau est l’inclusivité des minorités et l’unité de tous face à l’injustice et à l’adversité. Elle assume aussi son rôle de leader incontesté de son groupe – on l’y surnomme d’ailleurs “The Boss Lady” – dans un Queen of the Pack explicite et enlevé. Ana passe allégrement du blues-rock à un jazz doux et sensuel, de la soul à un R&B tantôt vibrant, limite hystérique dans Flick’n Flame, tantôt vitaminé et puissant avec Strong Taste, Deep Down (in Your Soul), Ride It ou encore le très personnel Turn My Luck. – Robert Sacré

La Ratte

Astray

Continental Europe CECD 95 – www.continentalrecordservices.bandcamp.com

On pourrait croire, en France, qu’un label nommé CRS, publie essentiellement des enregistrements de la Musique de la Garde Républicaine, de celle de l’Armée de l’Air, de l’Infanterie ou de la Gendarmerie. Pourquoi pas du Bagad de Lann Bihoué. Aux Pays-Bas, CRS est l’abréviation de Continental Record Services, qui assure, entre autres, la distribution de l’album du trio néerlando-allemand La Ratte. À l’origine, un duo constitué du guitariste et chanteur Herm Van Essen et du batteur et percussionniste Jochem Jorrisen, plutôt élevés à la musique punk, auxquels est venu se joindre le bassiste Nikolas Karolewicz. Des influences croisées du Mississippi Hill Country Blues, de celui du Texas, du Swamp Pop, et donc du punk rock, La Ratte tire une musique profonde, parfois caverneuse, par l’usage de la réverbération. Fumer est interdit dans les lieux recevant du public, mais ce « Astray », cendrier – un curieux titre pour un album – pourrait bien vous donner l’envie d’en griller une. – Dominique Lagarde

DeLayne

Karu

Dixiefrog Records DFGCD 8839 – www.dixiefrog.com

Si vous avez eu l’occasion (la chance !) d’écouter les albums de Grant Haua, le Maori du Blues, chez Dixiefrog, DeLayne était déjà présente sur plusieurs plages et vous savez de fait à quoi vous attendre. Car DeLayne Ututaonga est aussi d’origine maori et elle a pu se produire lors des festivals de Cognac et de Cahors en 2022 avec Grant. C’est encore lui qui a composé la majorité des faces de cet album en compagnie de son complice habituel, Tim Jullian. Il accompagne DeLayne en duo dans ses compositions et un des sommets de l’album, un hommage à Lady Day, Billie Holliday. DeLayne chante aussi en anglais évidemment, entre autres dans Beetlejuice et The Burn, du R&B enlevé et nerveux, et To Be Loved en medium à la slide ainsi que dans dans Little By Little, un excellent blues bien rythmé. Idem dans Shamen On You, enlevé et rentre-dedans, mais le langage maori fait partie de sa culture et peu être entendu sur plusieurs titres : Karu, Small Change (un slow blues enflammé), ou To Be Loved. À noter Please, un autre duo, avec David ‘Nono’ Noël cette fois, le chanteur des Supersoul Brothers, un morceau caractérisé par une puissance certaine. Original et attachant. – Robert Sacré

Walk That Walk

Big World Of Trouble

autoproduction – www.walkthatwalk.com

Second album autoproduit pour ce groupe de Boston, MA, conduit par Poppa C. DeSnyder (chant et guitare) avec Tim Gartland (harmonica), Dirk Van Gulden (basse), Ted Hastings Armstrong (claviers), Randi Laak (drums), Ben DeSnyder (sax baryton) et des invités. Il est dédié au bassiste Dirk Van Gulden, membre éminent du groupe récemment disparu. Le groupe a travaillé et tourné avec Bo Diddley, Johnnie Johnson (ex-pianiste de Chuck Berry) et Carey Bell et s’est produit dans plus de huit cents shows sous son nom en Nouvelle Angleterre. DeSnyder a composé seul six des neuf titres et trois en partenariat avec D. Van Gulden et/ou T. Gartland, même si des influences diverses sont évidentes ici et là. Boogie Chillen par exemple, est redevable à John Lee Hooker et Mississippi Junkin’ à un Mississippi blues clôné à Chicago, avec slide, mais c’est surtout le Chicago blues traditionnel qui domine dans Still A Fool et See Poppa C., deux slow blues évocateurs sous tension, Roof Got A Hole en medium avec slide et harmonica bien timbrés, Big World Of Trouble – le titre éponyme – intense et poignant, Get Up Get Out volontaire et plein de conviction ou les bien enlevés Good Woman et You Can’t Stay Here. Captivant de bout en bout. – Robert Sacré

Deuce’n a Quarter

Keep Movin’on

Autopublié – www.deucenaquarter.com

Un disque qui s’ouvre sur un un titre qui parle de lui-même, Swinging at the blues, pour se refermer sur un long Why – hommage poignant à la fille décédée du leader Brian Peters – et qui renvoie plutôt au rock West Coast des Eagles. Voilà le grand écart que propose « Keep Movin’on », ce nouvel album du groupe américain Deuce ‘n a Quarter. Une palette de styles qui pourrait paraître incongrue aux puristes européens, mais qui prend tout son sens Outre-Atlantique lorsque l’on sait que ce melting pot a pour nom Americana. Le son de Deuce’n a Quarter se fait puissant sur Same Old Blues, plus acoustique dans Sun Kissed Wheat. Kenny Neal, invité sur six titres, offre deux compositions : Blues Mobile et Leave Me Alone et assure la lead guitare sur Moment With You, accueillant aussi l’enregistrement de ce disque dans son studio de Baton Rouge. – Dominique Lagarde

Guy Verlinde
& The Artisans Of Solace

Live at Minard

R&S Music R&SCD05 – www.randsmusic.com

En septembre 2021, Guy Verlinde s’est produit en concert avec les Artisans of Solace au Théâtre Minard, à Gand. Ce concert a été filmé et enregistré, en voilà le résultat : un album de seize titres (dont une courte intro) sorti en 2022, soit plus de 70 minutes de musique live avec Karl Zosel (basse), Benoit Maddens (drums), Tom Eylenbosch (piano, banjo) et Olivier Vander Bauwede (hca, guitare) ; disponible en cd, double lp et numérique. Guy Verlinde est d’humeur mélancolique, tout en retenue dans nombre de faces, des ballades essentiellement, même dans son hommage à Blind Willie McTell, le bluesman emblématique des années 20, dans All Is Forgiven et son ambiance discrètement country blues ou dans Jump On The Mountain, style skiffle et de bons passages d’harmonica. Le rythme s’emballe de ci de là comme dans le percutant Karmaz’s Gonne Kick Your Ass (reprise de son album précédent, ici en live) avec d’excellents passages de piano (T. Eylenbosch) et de guitare, ou dans l’entraînant Ain’t Nobody Gonna Hold Me Down, bien enlevé et saccadé. À noter encore une belle version joyeuse et enjouée, avec banjo, d’un classique du gospel : I Shall Not Be Moved, ainsi que Surrender To The Groove plaisamment vitaminé, en medium, une belle conclusion à l’album. – Robert Sacré

Kaz Hawkins

Until We Meet Again

Dixiefrog Records 8842 – www.dixiefrog.com

Cinquième album pour cette chanteuse irlandaise de cinquante ans résidant en France. Kaz Hawkins possède une voix très soul souvent émouvante dans ses ballades. Elle s’inspire d’Etta James en particulier dont elle a repris le nom, Jamesetta Hawkins. Son album est plaisant, cool, sans violence, mais toujours avec un feeling de grande qualité et des accompagnateurs bien en place. Kaz Hawkins est assurément une artiste à suivre. Elle sera à Paris le 7 juin 2023 au Café de la Danse ; compte tenu de la qualité de l’album et du talent dont elle fait preuve sur les quelques vidéos disponibles – écoutez son interprétation de I’d Rather Go Blind sur YouTube –, ses prestations sont certainement à ne pas rater. – Marin Poumérol

Tas Cru

Riffin’ The Blue

Subcat Records SC001-23 – www.tascru.com

Chanteur, producteur et guitariste, Tas Cru a composé les onze titres de son nouvel album. Le guitariste impressionne plus que le chanteur. Il s’est adjoint quelques pointures pour l’accompagner, comme le guitariste Mike Zito aux commandes dans le morceau d’ouverture, Riffin’ The Blue, en medium, entraînant et appuyé, avec Bill Barry à l’orgue ainsi qu’à la slide dans la dernière face, Memphis Gone, une ballade assez formatée, en slow. Bruce Katz est au piano dans l’excellent Brown Liquor Woman, rapide, déjanté et virevoltant où il démontre sa maestria instrumentale, de même que dans le bien rythmé Let It Happen. Katz est aussi très en verve à l’orgue dans le sautillant Throw It All Away, dans le slow blues Crazy Getting In My Way et dans le superbe Miss This Man, bien enlevé, où il passe allègrement du piano à l’orgue ! Pour le reste, quelques ballades avec une choriste. Un bilan mitigé, mais Tas Cru a ses fans et ils ne seront pas déçus. – Robert Sacré

Denis Agenet & Nolapsters

Piece of Land

Rock & Hall DA2023

Denis Agenet (chant, drums) a passé une quinzaine d’années avec le groupe Bad Mules et il a accompagné beaucoup de musiciens US en tournée avant de créer, vers 2017, son groupe nommé Nolapsters en hommage à NOLA (New Orleans, LA) et à ses musiques. Après un EP, il nous propose maintenant un album de dix titres originaux avec d’excellents musiciens dont Igor Pichon (basse, guitare), Thomas Aube (guitare), Benoit Goudiche (trompette, sousaphone) dans quatre titres, Cedric Le Goff (orgue) dans six titres et des invités de qualité comme Nico Wayne Toussaint (harmonica) en ouverture dans un It Don’t Bother You bien enlevé avec cuivres, et en clôture avec Hey Dad, un titre qui explore des sweet memories, cela à un goût subtil de C&W, en medium, et c’est avec Nathan James à la slide. Ce dernier officie de nouveau, à la guitare trémolo et slide, dans The Beautiful Sad Song, une ballade sentimentale avec changement de rythme et où Denis Agenet, en plus du chant et des drums, est à la guitare classique ; il récidive dans Earthboud, une face dense et rythmée dans laquelle c’est Igor Pichon qui est l’auteur d’excellentes parties de guitare. Les invités comprennent encore Gordon Beadle (saxophone) présent dans quatre titres dont The Shelter, une ballade sentimentale, My First Christmas Alone (du R&B bourré de swing sonnant comme un big band de New Orleans), Winky Meli (du R&B uptempo, musclé texte coquin), tout autant que She’s My Fire Girl en tempo medium, avec ici aussi une touche New Orlerans du meilleur goût. Quant à Mac Arnold, il présente avec humour puis conclut un Chicken Rescue nerveux sur un style skiffle mâtiné de jazz manouche avec Ben Bridgen au piano et Thomas Aubel à la guitare. Austin Brasheer, le guitariste de Mac Arnold, est lui présent dans Mailman on Everest, une face martiale et syncopée, avec Felicien David aux saxophones. Cerise sur le gâteau : les textes sont tous repris dans les notes de pochette de ce remarquable album. – Robert Sacré

Bernard Sellam
& The Boyz from The Hood

Feelin’ So Fine

Autoproduction 2023 / distribué par Absilone – www.bluztrack-productions.com

Après trois décennies à parcourir les chemins qui mènent au blues avec Awek comme chauffeur et une bonne douzaine de haltes qui nous donnaient le temps d’apprécier le travail du groupe, Bernard Sellam prend une direction différente au carrefour des musiques qui swinguent. Qualifiant leur répertoire de « West Coast Swing and Rhythm and Blues », le boss et ses gosses du quartier revisitent quelques standards issus des mains et de la tronche de Roy Milton, Z.Z. Hill, Brook Benton et quelques autres (on ne va pas tout vous dévoiler tout de même !) dont Bernard Sellam s’est inspiré tout au long de sa carrière, mais aussi de ses propres compositions. Feelin’ So Fine nous dit presque tout en ouverture, de ses influences
texanes aux cuivres rutilants du Rhythm’n’blues des années 50. La voix douce et à peine voilée accompagne très bien son jeu de guitare doucement nerveux et précis. Les reprises comme les titres originaux tiennent parfaitement la route. D’autant qu’il aurait été facile « reproduire » un son fifties pour coller encore plus à l’image, mais le groupe à choisi de rester sobre et de ne pas trop exagérer le clin d’œil, et c’est tant mieux. Très bien épaulé par Eric “Church” Léglise à la basse qui sert de locomotive (c’est précieux une locomotive) et l’efficace Julien Bigey à la batterie (est-ce lui le batteur des Strickers ?), la section de cuivres (Franck Mottin, Manu Lochin et David Cayrou) n’est pas en reste. Tout est carré, bien mis en place et sonne correctement, mais je ne peux m’empêcher de penser que ce groupe (comme l’était Awek première formule) est fait pour la scène plus que pour les studios. Bah, ça tombe bien, car ils sont en tournée tout cet été ! Stomp’in ! – Patrick Derrien

The Supersoul Brothers

The Road To Sound Live

Dixiefrog Records DFGCD 8838-P

C’est le premier enregistrement en public des Supersoul Brothers dans la « Dixiefrog Live Series ». Il a été réalisé à Pau en Béarn, ville d’origine du groupe, en mars 2022. L’album propose quinze titres dont sept compos originales mêlant énergie, sueur, larmes et émotions. On déplore l’absence des noms des membres du groupe tant dans les notes de pochette que sur le site Web, sauf celui du chanteur, David Noël, qui se déchaîne tout du long et qui déploie une énergie époustouflante avec sa voix éraillée, graveleuse et plus soul que nature ; il est bien soutenu par ses partenaires dont des cuivres en folie. C’est de la soul à gogo et du R&B conquérant avec un groupe exceptionnel qui assure une présence scénique hors normes autant dans leurs propres compos comme Common People, Don’t Lockdown Your Heart (LE bon conseil !), Rose, Comin’ Home Baby ou Supersoul, que dans les reprises. Une chanteuse (Claire Rousseleot-Paillez ?) s’éclate dans Clean Up Woman, puis dans une bonne version de Mr.Big Struff popularisée en son temps par Jean Knight et revient en duo avec D. Noël dans Shadows & Lights, un slow blues. Les covers sont haut de gamme comme Ain’t That A Lot Of Love (Taj Mahal), Jerkin’ The Dog (Mighty Hannibal), Is It Because I’m Black ? (Syl Johnson) en slow, sur un mode dramatique, voire Heroes (David Bowie), en version tendue et trépidante. Une belle réussite. – Robert Sacré

The Marshals

Le Pti Cham Session

Flower Coast / Absilone

À l’écoute de ce disque, on pourrait penser que ce trio vient des rives du Mississipi. Or surprise, nous sommes à Moulins, au bord de l’Allier ! Quant à l’enregistrement de l’album, nous sommes au restaurant le Pti Cham, au pied du Sancy. C’est donc au cœur de l’Auvergne que The Marshals, composé de Julien Robalo au chant et à la guitare, Laurent Siguret à l’harmonica et Thomas Duchézeau à la batterie, nous offre ces neuf morceaux de blues aux accents du Delta. Tous sont des compositions de Julien Robalo, sauf Elements and things de Tony Joe White. Après dix ans d’existence, voici donc le sixième enregistrement de ce trio qui délivre un blues inspiré dont les influences vont de John Lee Hooker et Canned Heat. Ils affirment que leur authentique blues-rock n’a aucun rapport avec un fantasme caricatural de blues de Chicago. Alors, que vous soyez d’accord ou pas avec eux, vous passerez un agréable moment à l’écoute des 28 minutes de ce disque. – Robert Moutet

Moonlight Benjamin

Wayo

MACASE029 – www.ma-case.com

Troisième album de la Voodoo Queen Haïtienne. Le premier, « Siltaner », composé en français et en créole, était proche du rock classique. Le deuxième, « Simido », tendait vers un rock pur et dur et celui-ci remonte aux racines du rock : le blues ! Née à Port au Prince en Haïti, Miss Benjamin y a été élevée dans un orphelinat catholique aux sons du gospel, puis elle s’est installée en France en 2002 pour une formation de jazz. Elle a amalgamé toutes ses influences musicales, les racines vaudou de son île natale, le rock, le gospel, le jazz et le blues et, depuis sa rencontre avec le guitariste Mathis Pescaud (qui devient son directeur artistique en 2017) et avec le producteur et percussionniste Raphaël Chassin, elle a trouvé sa voie, marquée par une originalité bluffante. Elle a composé elle-même tous les textes et les musiques en collaboration avec Mathis Pascaud et Raphaël Chassin. Sa voix puissante et expressive transcende ses interprétations, du titre éponyme Wayo (cri de douleur, en créole haïtien) – un titre incantatoire en lien direct avec le blues –, à Haut Là Haut, obsédant et scandé, Taye Banda, plus apaisé mais péremptoire, ou Lilè, saccadé et incantatoire. On notera aussi Ouvé Lespri, inspirant. Une mention à Limyé, plus gai, avec de bons passages de guitare et drums, Pè, intense et introverti ou Alé, dynamique et entraînant. On déplorera l’absence de traduction de titres comme Taye Banda, Pè, Limyè, Bafon, Lilè ou Pwenn Fé qui ne peuvent être mis en perspective avec les mélodies, mais cela ne gâche pas le plaisir d’écoute tout au long de ce bel album. – Robert Sacré

Nelson Blanchard

White Car Records

Nelson Blanchard est un chanteur, claviériste et guitariste qui a gravé cet album à Baton Rouge, Louisiana, produit par Dan Tyler et David Hyde qui ont une longue expérience musicale. Orchestre important avec steel guitar, accordéon, cuivres, cordes, fiddle et vocalistes. Nelson chante bien et domine l’ensemble. Sa musique est à dominante country avec des accents louisianais : My Heart is in Louisiana. C’est du beau travail, même si on note ici peu de blues ou de « black music ». On est plutôt dans la country moderne. – Marin Poumérol

Various Artists

The Black Gospel Ladies
I Walkded Out In Jesus Name 1947-1970

Narro Way PN 1610/1611/1612 – www.gospelfriend.se

Encore une production exceptionnelle comme Per Notini, le boss de Narro Way Records (et Gospel Friend Records) en Suède, en a le secret. Ces trois albums rassemblent quatre-vingt-trois faces rares voire inédites et sont un complément incontournable aux quelques anthologies recommandées et bâties sur le même concept (« les Femmes Exceptionnelles du Gospel ») que l’on trouve dans le catalogue des collections Frémeaux et Associés (France) (1). Un livret illustré de 29 pages replace d’abord les chanteuses dans le monde très macho du black gospel où elles tiennent la dragée haute aux chanteurs (et aux hiérarchies religieuses rétrogrades !), envers et contre tout, malgré les préjugés et des traditions surannées, et ce avec un brio inégalé, avec 83 exemples à l’appui. Ensuite, on peut en apprendre plus sur la biographie des interprètes – quand c’est possible –, car les informations manquent parfois partiellement et parfois totalement sur certaines de ces chanteuses. Cela dit, on a ici une cuvée exceptionnelle avec des interprètes talentueuses et bien connues des amateurs (Inez Andrews, les Caravans, Mahalia Jackson, Davis Sisters, Wynona Carr, …) – mais souvent avec des faces n’ayant pas encore eu l’honneur d’être rééditées et qui pourtant sont des joyaux du genre – et avec des chanteuses et groupes également restés sous le radar des producteurs de rééditions et qui, pourtant, étaient auteurs de petites merveilles de swing et de mises en place des voix. Hallelujah, chapeau à Per Notini pour son flair et une quête aussi fructueuse. Chaque plage mériterait des commentaires élogieux, mais il est évident que la place manquerait pour ce faire, on se contentera de rappeler à quel point la musique gospel noire est splendide et addictive ; c’est la musique des « good news » (2), le plus souvent festive, joyeuse, optimiste et revigorante, là où le blues est celle des « bad news » (3)… On peut être insensible voire hostile aux paroles religieuses, mais nul ne peut rester indifférent au swing, aux rythmes de boogie-woogie, à la polyphonie et à l’harmonisation incroyable des divers timbres de voix, au dynamisme et à la fougue des interprètes, à leur ferveur, leur charisme et leur authenticité. C’est à la fois unique et universel ! Difficile de ne pas aimer le Black Gospel en général et celui des femmes en particulier. On dira quand même que dans les trois albums, on retrouve des caractéristiques propres au Black Gospel comme l’accompagnement très souvent simultané piano + orgue ainsi que des variations du rythme qui passe de phases slow à des phases rapides et, parfois, revient à un rythme slow pour finir. On ajoutera que dans l’album n°1, il y a d’excellentes faces comme A Good Mother to Pray For You d’Ethel Davenport (avec Huey ‘Piano’ Smith au piano et Eddie ‘Guitar Slim’ Jones à la guitare !), d’autres ultra rares comme His Love Bubbles Over In My Soul (The Ruth Beck Singers), If It Wasn’t For Jesus (Madame M. Elizabeth Austin), etc. Et d’autres dont c’est la première apparition sur cd comme I Found Something avec Doris Akers, Will You Know Me des Angelic Gospel Singers, It’s Better to Give Than to Receive et My Record Will Be There avec Julia Doyle Bess, I Had A Dream de Lottie Bracy (repris aussi sur YouTube !), Standing in the Safety Zone de Miss Sammie L. Bryant, etc. Dans les albums n°2 et 3, c’est pareil, à côté d’artistes bien connues (Dionne Warwick et les Drinkard Singers, Mahalia Jackson, Maggie Ingram, Sister Josephine James, Marie Knight – avec deux faces sur cd pour la première fois –, Roberta Martin, Sallie Martin, Rosetta Tharpe, Clara Ward, Meditation Singers avec Laura Lee, The Lucy Smith Singers avec un Every Time I Feel the Spirit pour la première fois sur cd, Marion Williams… On a, à foison, des chanteuses et groupes talentueux sortis enfin de l’oubli voire d’un anonymat injuste, remis en valeur et à écouter sans délai comme Johnnie H. Franklin & The Saints Gospel Singers, Mary Lee Haynes & The Gore Family, Ella Mitchell & The Gospel All Stars, The Gospel Souls, Alberta Kay Williams, Sister Lillie Mae Littlejohn (avec quatre faces dont trois sur cd pour la première fois), Spiritual Singers for Christ, Bernice Walker, Evelyn Tyler et pas mal d’autres. On a là le must des musts, illustrant à merveille les étroites connections entre jazz, blues et gospel… À écouter sans modération. Don’t miss it. – Robert Sacré

Henry Gray

In Session 1952-1961
I’m A Lucky, Lucky Man

Jasmine Records JASMCD3241 – www.jasmine-records.co.uk

Issu d’une famille très religieuse, le Louisianais Henry Gray, né en 1925, n’écoute que du gospel pendant son enfance. Il apprend le piano en ne jouant que des spirituals. En 1941, il commence à jouer « la musique du diable » avec divers orchestres. Quand ses parents découvrent que leur adolescent de fils peut gagner de l’argent avec une musique qu’ils ne tolèrent pas, ils mettent beaucoup d’eau dans leur vin et l’autorisent à devenir pianiste de blues. De 1943 à 1946, il est mobilisé et sert dans le Pacifique et les Iles Philippines. Il échappe au front ; le piano lui sauve la vie : il divertit les troupes. Après sa démobilisation, il connaît deux périodes musicales : de 1946 à 1968 à Chicago et de la fin des années 1970 jusqu’à sa mort en 2020. En 1946, il gagne Chicago. Les pianistes y sont nombreux, la concurrence féroce. Henry Gray devient la main gauche de Big Maceo Merryweather, l’un des meilleurs pianistes de la scène chicagoanne, quand un accident cérébro-vasculaire rend celui-ci hémiplégique. Henry Gray devient alors un important pianiste de Chicago et contribue à la splendeur du Chicago blues des années 1950. C’est une partie de cette intense activité créative – entre 1952 et 1961 – qu’illustre ce cd Jasmine qui nous conduit dans les hautes sphères du Blues : de Jimmy Rogers (avec qui il débuta en studio pour Chess en 1952) à Howlin’ Wolf (dont il fut le pianiste pendant douze ans à partir de 1956), en passant par Morris Pejoe, Jimmy Reed, Billy Boy Arnold, Dusty Brown et G “Davy” Crockett. Henry Gray est toujours excellent. Il donne une vraie dimension au Tired Of Crying Over You de Morris Pejoe. Il transforme les deux bons titres de G. “Davy” Crockett Look Out Mabel/Did You Ever Love Somebody (That Didn’t Love You) en un remarquable disque. Lui-même n’enregistra comme leader à cette époque que deux fois : trois chansons le 11 mai 1953 pour les frères Chess sous le pseudonyme Little Henry et quatre pour Blue Lake le 8 décembre 1955. Hélas, cette excellente production resta inédite jusque dans les années 1980. Elle est ici disponible. En 1968, Henry Gray abandonne Chicago et redescend en Louisiane pour aider son père mourant. Au début des années 1980, il revient à la musique et devient une vraie star internationale du Blues. Quelle que soit votre discothèque blues, c’est un disque indispensable. – Gilbert Guyonnet

Clarence Edwards

Baton Rouge Downhome Blues
Louisiana Swamp Blues Vol. 9

Wolf records CD 120.635 – www.wolfrec.com

La voix âpre et basse aurait pu être d’ici ou d’ailleurs, mais ses intonations, le style d’harmonica en échos moites et parfois un violon qui s’immisce dans cette architecture musicale, nous ramène indéniablement vers la Louisiane et sa ville emblématique, Baton Rouge. Ville qui doit son nom au Moyne d’Iberville, un navigateur d’origine normande qui , à la toute fin du XVIIe siècle, repéra un cyprès écorcé vif et enduit de sang (d’où le nom). Certaines tribus indiennes comme les Bayougoulas et autres Houmas utilisaient cet arbre pour délimiter leur territoire en lui sacrifiant quelques bestioles. Clarence Edwards est né par là en 1933, à Lindsay plus exactement, bled situé sur la 964 au nord de Baton Rouge. Et comme tant de ses contemporains, il ne sera découvert que tardivement avant un petit succès d’estime et une boîte en sapin. Frère d’une fratrie de quatorze enfants, il s’initie à la six cordes acoustique en autodidacte au début de son adolescence (et après son déménagement à la capitale), en tendant l’oreille vers les disques de Charley Patton, Blind Lemon Jefferson qu’il écoutait sur le gramophone de ses grands-parents et finit par maîtriser sa guitare à tel point qu’avant son vingtième anniversaire, le voilà déjà sur les circuits locaux du blues avec les Boogie Beats (qui comprend son frangin Cornelius, Landry Buggs et le batteur Jackson Acox) ou avec les Bluebirds kings. Entre-temps, sa guitare s’est électrifiée. Mais se prendre une balle dans la jambe un soir à la sortie du Silver Moon Club d’Alsen à de quoi refroidir les ambitions du minot. Et puis la zique, ça rapporte pas tant que ça et pour gagner sa pauvre pitance autrement qu’en mendiant au cul d’un juke paumé. Le voilà enrôlé dans une ferme avant de finir à la casse, celle de Thomas Scrap, pendant plus de trente ans. Ces premières gravures se font entre 1959 et 1961, toujours accompagnés de son frère Cornelius et du violoniste James Cage dit « Butch », pour Harry Oster, le chroniqueur folkloriste (c’est pas rien tout de même !). Titres que l’on retrouve sur la compilation « Country Negro Jam Sessions » éditée par Arhoolie Records en 1969 (merci Chris Strachwitz pour votre travail. RIP) et enregistré au state Mental Hospital de Jackson, ainsi que sur « Raise A Rukus Tonight, Field Recordings Made In Louisiana In 1960 And 1961 By Harry Oster » (Flyright Records 1979). Et si au début l’approche traditionnelle est de mise, elle se dissout rapidement pour faire place à plus de modernisme en ce début 1970, lorsqu’il enregistre pour Mike Vernon (enregistrements que l’on retrouve sur « Louisiana Blues » – Arholie Records, 1970 » notamment), ainsi que quelques sessions pour Excello Records et puis nada, plus rien malgré un bon accueil de ses albums en Europe. L’homme se fait rare. Tellement, que c’est presque par hasard que le leader du groupe anglais Short Fuse, Steve Coleridge (bassiste de son état), qui jouait dans un club de Louisiane, le découvre et décide devant ce potentiel de le remettre sur sillons. Il faut aussi « récompenser » Tabby Thomas qui, au milieu des années 1980, réhabilite ce swamp blues dans son club, le Tabby’s Blues Box à Baton Rouge. Grâce à Tabby Thomas, Clarence Edwards a recommencé à se produire régulièrement, non seulement au niveau local, mais aussi sur le circuit des festivals de blues. Sa mort en 1993 ne lui permettra pas d’obtenir le succès qu’il espérait peut-être. Des tournées étaient prévues notamment en Europe où le blues trouvait plus d’accueil que dans sa matrice originelle, les États-Unis. En 1990, Clarence Edwards sort enfin son premier vrai album qui mélange des sessions acoustiques et d’autres plus électriques, pour Sidetrack Records (le label de Steve Coleridge qui ne consacre ses sorties que pour l’artiste). Deux jours suffiront pour réaliser « Swamp The World » mais, malgré une qualité indéniable, l’album reste ignoré du grand public et seule une poignée d’aficionados de ce style apprécieront (album ré-édité par Red Lightnin’ et Blues Factory qui agrandit ainsi sa série « Road To The Blues »). « Baton Rouge Downhome Blues, Louisiana swamp Blues Vol 9 » du label Wolf Records nous donne à écouter une immersion moderne du swamp, une musique poisseuse du marais initiée par Slim Harpo, Lazy Lester ou encore Lightnin’ Slim et Lonesome Sundown, dont la ruralité est ici prégnante. Entre compos et reprises, l’album se penche sur ces dernières années, là où la maturité du jeu de Clarence Edwards excelle dans le minimalisme tranchant, accompagné de fulgurances redoutables et déclamatoires. La section rythmique n’est pas en reste du tout et sait se montrer souple.
Every Night About This Time de Fats Domino où le piano rythme la syncope musicale sur laquelle s’appuie la voix vigoureuse de Clarence Edwards, ouvre l’album qui, des Dealin’ From The Bottom Of The Deck, renoue avec le son poisseux des marais de Louisiane et où seules les interventions de l’harmonica laissent entrevoir des temps meilleurs dans cette histoire d’amour illusoire. Puis la reprise du standard Crawling King Snake, qui laisse se mélanger dans un bordel très bien arrangé, la candeur d’un titre repris à son compte, un peu de la même manière dont il reprend Eddie Jones un peu plus loin dans l’écoute. All Your Love met les deux pieds dans une mélasse visqueuse de guitares électriques hypnotiques qui vous accroche le cœur sans laisser d’échappatoire. Il en va ainsi tout au long de l’album, jusqu’aux reprises de Muddy Waters qu’il habille de brume et de boue (bémol pour Hoochie Coochie Man que je ne trouve pas à sa place). C’est un album où les lois du Blues ne sont pas écrites, parfois fiévreux ou mélancolique. Il ne laisse surtout pas indifférent et c’est avec plaisir que l’on se laisse happer vers le bas, dans ce Sud marécageux d’où sont sortis ces joyaux. – Patrick Derrien

Quincy Jones and his Orchestra

Live ! 1961

Jasmine Records JASMCD 2736 – www.jasmine-records.co.uk

Réédition de deux albums en public de l’orchestre de Quincy Jones devenus des standards : « The Great Wide world », un concert en Suisse, et « Live in Newport 61 ». Ils furent publiés en leur temps par Mercury à la fois en Haute Fidélité et dans de flamboyantes versions Stéréo. Pour le lien avec le blues, un cd qui plaira aux adeptes du « Genius + Soul = Jazz » de Ray Charles, produit la même année – les versions communes de Moanin’ – et dans un esprit proche, par Quincy Jones et Ralph Burns, même si le casting des musiciens en est différent. Conduire et arranger un big band en 1961 pouvait tenir de la gageure, à une époque où des courants nouveaux et multiples traversaient l’univers du jazz et que les petites formations novatrices gagnaient progressivement les faveurs d’un public plus branché. Qu’importe, à seulement 28 ans, Quincy Jones tenait le rôle de passeur en ouvrant son répertoire à de belles compositions d’Oliver Nelson ou de Phil Woods. Le titre Meet B.B. n’est ni une invitation à rencontrer Brigitte Bardot, ni à découvrir B.B. King, mais un hommage au trompettiste Benny Bailey. Si vous deviez manquer les festivals de jazz cet été, ce disque vous offrira une belle consolation. – Dominique Lagarde

Clyde Otis

Looking Back

Jasmine Records JASMCD 890 (2 CD) – www.jasmine-records.co.uk

Clyde Lovern Otis (1924-2008) fut sans doute l’un des premiers hommes d’affaires noirs à occuper un poste aussi important dans des entreprises concernant le monde de la musique. Chef d’orchestre, producteur, auteur-compositeur, il grava une série d’albums (1958-1961) grand public sous le titre de Clyde Otis and His Smoothies ou Clyde Otis and His Orchestra, dont une sélection de titres constitue ici le premier cd : 28 morceaux tirant sur la variété et les succès du moment, bien ficelés avec cordes et cuivres, mais peu attirants pour les amateurs de musique noire. Le deuxième cd est une toute autre affaire : 33 compositions de Clyde Otis interprétées par de grands noms de la musique que nous aimons. Citons en quelques-uns : Ruth Brown, Brook Benton, Sarah Vaughan, The Impressions, Timy Yuro, Maxine Brown, Dinah Washington, Patti Page, Clyde McPhatter, Five Keys, Elvis Presley. Ici tout est bon, même si la musique est assez sophistiquée. Par la suite (il produisit également l’album d’Aretha Franklin « Unforgettable » en 1964 ) Clyde, homme d’affaire avisé, fonda the Clyde Otis Music Group qui regroupa ses diverses activités. Succès sur toute la ligne pour ce producteur légendaire. – Marin Poumérol

Louisiana Red and Carey Bell

Having Fun

JSP Records JSP 3026 – www.jsprecords.com

Le label britannique, nous offre une nouvelle pépite avec cet enregistrement effectué au festival de Burnley en 1990. Il y a fort longtemps, quelques titres en provenance de ce grand rendez-vous avait vu le jour en cd, afin de mieux faire connaitre cet événement musical. Sur scène, nous retrouvons d’abord Louisiana Red épaulé ce soir-là par la divine fratrie, à savoir Lurrie Bell (guitare), Steve Bell (harmonica), Tyson Bell (basse) et James Bell (batterie). Dès le premier titre Locked Up So Long, la magie opère ; quel plaisir de retrouver le créateur du fameux Red’s Dream au sommet de son art. Les deux émouvants titres I Wish I Could Lead My Life Again et No Luck, pris tous deux sur un tempo rapide, nous dévoilent une partie de la vie difficile du musicien. À noter la participation du regretté et sous-estimé Lucky Lopez Evans sur Running Shoes et surtout sur la composition en mode mineur Ghetto Woman qui est admirable. Dans les notes du livret, nous apprenons que John Stedman, le boss du label, avait récupéré dans un hôtel miteux de Brighton, Lucky Lopez Evans qui était prostré dans sa chambre sordide, ce dernier attendant vainement des nouvelles d’un promoteur qui lui avait promis monts et merveilles. Quelle tristesse que cet artiste qui nous a quittés en 2004 derrière les barreaux d’une prison de Wisconsin n’ait pas fait la carrière qu’il méritait. Place ensuite à Carey Bell qui déroule à nouveau toute sa classe et son immense talent sur ses morceaux fétiches comme Leaving In The Morning, It’s So Easy To Love You, le classique Sweet Little Angel ou encore l’instrumental 1215 W. Belmont. N’oublions surtout pas tout au long de ces 77 minutes de concert l’implication étincelante de Lurrie Bell qui – autant aux côtés de son paternel qu’avec Louisiana Red – se révèle littéralement prodigieux grâce à son jeu sans esbrouffe, incisif et terriblement efficace. Après la splendide réédition de Byther Smith intitulée « Working Man’s Blues », JSP Records continue sur le chemin de l’excellence en nous offrant cet enregistrement en public qui rassemblera de manière méritée de nombreux suffrages. – Jean-Luc Vabres

Trudy Lynn
featuring Steve Krase

Royal Oaks Blues Cafe

Continental Blue Heaven CBHCD 2052

Lee Audrey Nelms, cousine du chanteur auteur-compositeur et producteur Al ‘ TNT ‘ Braggs, est née dans le Fifth Ward de Houston, Texas. Elle a grandi en écoutant les 78 tours de ses parents (« on prenait une correction quand on brisait un de ces disques fragiles comme du verre », dit-elle). Elle chanta dans l’ensemble vocal de son collège. Mais le catalyseur fut Albert Collins qui invita l’adolescente à chanter sur scène Night Time Is The Right Time. Ainsi décida-t-elle de devenir chanteuse de blues et se baptisa elle-même Trudy Lynn. Grâce à la recommandation du remarquable guitariste I.J. Gosey, elle devint la chanteuse de l’orchestre du guitariste Clarence Green. Elle y resta cinq ans, puis vola de ses propres ailes. Au début des années 1970, elle enregistra un excellent 45 tours, What A Waste/Long Live The Blues (Sinett S.007). Elle dut lutter longtemps pour atteindre son objectif : enregistrer d’une manière digne de son talent. Ce rêve se réalisa en 1989 quand la firme de disques d’Atlanta, Ichiban Records, créée par l’anglais John Abey, publia son premier 33 tours. Depuis, elle n’a plus cessé d’enregistrer et de se produire sur toutes les scènes du monde. Ce « Royal Oaks Blues Café » est une réédition à l’identique d’un cd publié en 2013 par Connor Ray Music (sans aucune référence). Elle interprète avec toute l’étendue de son talent vocal deux compositions personnelles, Every Side Of Lonesome et Down In Memphis. Les reprises sont Confessin’ The Blues de Jay McShann, Street Walkin’ Daddy (le tube de Margie Day en 1950), Play The Honky Tonks (que s’attribua le peu fréquentable Don Robey mais que popularisa Marie Adams), I’m Gonna Put You Down de Wee Bea Booze, Red Light de Viviane Greene, Whip It To A Jelly de Clara Smith et Effervescent Daddy d’Eloise Bennett. Trudy Lynn s’en donne à cœur joie dans ce répertoire peu connu de nos jours et essentiellement féminin. Les accompagnateurs sont particulièrement au diapason de la chanteuse. L’harmoniciste Steve Krase, son compagnon d’armes depuis plus de trente ans, le guitariste John Del Toro Richardson, le pianiste Randy Wall, le bassiste Eugene “Spare Time” Murray et le batteur Carl Owens sont d’une sobriété du meilleur aloi au service exclusif de la chanteuse. Ce disque a fort bien passé l’épreuve du temps. Dégustez ce « 10 ans d’âge » sans modération. – Gilbert Guyonnet

The Cues

Why ?

Jasmine Records JASMCD 1167 – www.jasmine-records.co.uk

Les Cues, l’un des grands groupes de Doo-wop des années 1950, sont sans doute l’un des moins connus. Pourquoi ? Parce que pas de hits dans les charts sous leur nom, mais ils y furent présents souvent comme soutiens de stars du r’n’b telles Ruth Brown, Lavern Baker, Big Joe Turner, Nat King Cole, Ivory Joe Hunter et bien d’autres. Ils furent formés dès 1954 par le pianiste, arrangeur et chef d’orchestre Jesse Stone alias Charles Calhoun pour accompagner les artistes du label Atlantic ou ils apparurent sous divers noms : The Rhythmakers, The Gliders, The Ivory Tunes ou The Blues Kings dérrière Big Joe Turner. Ils enregistrèrent aussi sur d’autres labels sous le nom des Four Students pour RCA et enfin sous leur propre nom The Cues. Il est assez difficile de s’y retrouver, car leurs membres changèrent assez souvent, mais les principaux furent Jimmy Breedlove, Robie Kirk et Eddie Barnes. En 1955, ils signèrent chez Capitol. Ce cd reprend 31 de leurs divers enregistrements soit comme groupe vocal d’appoint ou sous leur nom et c’est un voyage très intéressant dans le r’n’b de cette décennie. Musique variée allant du rock’n’roll de Burn That Candle, Crazy Party, Twedle Dee avec Lavern Baker, à la pop soul de Why, Warm Spot. On ne s’ennuie pas une seconde avec ce groupe qui sort enfin de l’ombre dans laquelle il était resté malgré ses grandes qualités et son histoire. Un très bon disque ! – Marin Poumérol

William Bell

The Man In The Street

Kent CDTOP 515 – www.acerecords.co.uk

Alors que la rééditions des singles Stax en plusieurs volumineux coffrets ne comportait que les seules faces A, Ace Records et son compilateur Tony Rounce ont eut l’idée de publier l’intégralité des singles de la « période jaune » de William Bell – à l’exception de ses duos avec Mavis Staple, Judy Clay et Carla Thomas – par ordre chronologique. William Bell a commencé sa carrière avec deux ballades, Everybody Loves A Winner et You Don’t miss Your Water, ainsi qu’avec son hommage à Otis Redding, Tribute To A King, qui signa sa dernière participation à la « période bleue » (1) et qui, par conséquent, ne figurent pas sur la présente compilation. C’est dans le même esprit qu’après l’échec commercial de Private Number, duo avec Judy Clay (qu’il avait interprété en compagnie de Toni Green à Porretta en 2011), il rebondit avec I Forgot To Be Your Lover qu’il composa avec son partenaire habituel Booker T Jones, retrouvant ainsi le chemin des charts. C’est ensemble qu’ils ont composé Born Under A Bad Sign que le style unique d’Albert King magnifiera. Il est présenté ici dans une version rhythm and blues, peut être plus conforme à l’esprit qui contribua à son écriture. De manière assez surprenante, il trouve un certain succès auprès des amateur de Northern Soul avec le « motownesque » Happy, ainsi qu’avec The Man In The Street qui ne fut apprécié que quelques années après sa parution.
Les difficultés financières de Stax ne contribuent pas à la promotion de ses singles même si l’on peut constater la présence d’Eddie Hinton sur la reprise de I’ll Be Home d’Eddie Floyd, idem quand il tente de se départir du son maison en allant enregistrer à Muscle Shoals les albums « Wow » et « Phase Of Reality ». La faillite inéluctable de Stax le prive alors de contrats pendant quelque temps, avant qu’il ne signe avec Mercury et, ironiquement, il y publiera Trying To Love Two qui deviendra son plus gros succès en entrant dans le Top 10 ! Âgé de 83 ans, William Bell est toujours actif et vient de publier un nouvel album, « One Closer To Home » sur son label Wilbe (cf. chronique dans les nouveautés), avec lequel il espère recevoir un second Grammy après celui obtenu pour « This Is Where I Live » publié par un Stax ressuscité. – Jean-Claude Morlot

Note (1) : les définitions « période bleue » et « période jaune » correspondent à la couleur des macarons des singles. Pour la première, lorsque Stax était distribué par Atlantic et pour la seconde, lorsqu’il le fut par Gulf & Western/Paramount.

Various Artists

Aladdin Rockin’ Cave
30 Rockin’ Rhythm & Blues Platters From 1947-1960

JasmineRecords JASMCD3244 – www.jasmine-records.co.uk

Les plus anciens lecteurs de ce magazine se souviennent certainement des excellentes compilations Pathé Marconi, en France : « Aladdin’s Rock N Roll Sock Hop » en 1982, « Rock & Roll, Aladdin’s 14 Magic Lamps » en 1983 et « Aladdin Rocks & Rolls Til Midnight » en 1985. On trouvera quelques rares doublons entre ces trois albums vinyl et ce cd. Les frères Edward et Leo Mesner possédaient un magasin de disques à Los Angeles, Philarmonic. En juillet 1945, ils créèrent une maison de disques baptisée Philo Records qui connut un succès immédiat avec Ba Baba Leba d’Helen Humes et Drifting Blues de Charles Brown with Johnny Moore and the Three Blazers. Ce nouveau label dut très vite changer de nom sous la menace de la Philco Radio Company. Il devint alors Aladdin et développa un catalogue impressionnant : Amos Milburn, Shirley and Lee, Illinois Jacquet, Billie Holiday, Louis Jordan, Lighnin’ Hopkins, Lester Young, Lowell Fulson (ici présent avec Don’t Leave Me Baby, pas un des meilleurs titres de sa longue carrière). Au milieu des années 1950, le Rock & Roll commence à exploser. Aladdin décida de surfer sur cette nouvelle vague qui va tout emporter. Aladdin ne sut hélas pas exploiter cette nouvelle filière malgré l’exceptionnelle qualité des artistes enregistrés. Tous les titres de cette compilation étaient destinés aux pistes de danse. Saxophonistes hurleurs, guitaristes agressifs, piano omniprésent et chant à l’avenant avec des paroles peu intellectuelles : A Bottle of Pop and a Lollypop des inconnus Lollypoppers ; Shtiggy Boom de Patti Anne (probablement de la famille Mesner qui chanta avec Duke Ellington, Louis Jordan et Lionel Hampton) ; Do Bop Sha Bam des Spence Sisters, Muriel, Mary et Marion ; Ding, Dong, Ding du duo Bip & Bop, c’est-à-dire Emmanuel Perez et Billy Guy qui devint membre des Coasters ; Bom Bom Lulu de Gene and Eunice, créée à partir d’une chanson folklorique jamaïcaine, ce qui explique son succès auprès de la communauté issue de cette île en Angleterre. Tout cela s’écoute avec grand plaisir. En outre, vous découvrirez la chanteuse Velma Nelson qui enregistra en 1946 l’excellent If I Were A Itty Bitty Girl soutenu par l’orchestre de Will Rowland. La démo des Doziers Boys, Hey Jack, est remarquable ; j’aime bien le son du guitariste inconnu. Délectable est Ray Pearl des Jivers qui connut un grand succès dans les années 1970 quand ce titre apparut sur une compilation produite par Bob Hite et Henry Vestine de Canned Heat, « Rhythm & Blues Vol.1-The End of an Era » (Liberty Records). Derrière Sugar Pie et Pee Wee dont est publié One, Two, Let’s Rock, se cachent la chanteuse Sugar Pie De Santo et le guitariste Pee Wee Kingsley. J’ai découvert “Fatso” Theus, alors saxophoniste de l’orchestre d’Oscar McLollie, avec Rock ‘n Roll Drive In, Skinny Dynamo avec No One Can Love Like I Do, la chanteuse Dolores Gibson très influencée par Ruth Brown et accompagnée par la formation du pianiste Richard Lewis, avec Call M, Call Me, Call Me. Holy Smoke, Baby est interprété par Tony Allen qui poursuivit sa carrière jusqu’en 1989. Je n’avais jamais entendu le seul disque de Big T. Tyler, King Kong et Sadie Green sont deux excellentes faces. Le titre le plus récent date de 1960. Le chanteur Charles Sims possède voix proche de la soul music qui va arriver. Son Take A Bath est très inspiré par un tube de Bobby Darin de 1958, Splish Splash. Enfin, vous découvrirez Cryin’ Emma, chanson créée par Rolling Crew et son chanteur Cleo Page dont c’était un des tous premiers disques en 1955. Au sujet de cet artiste, je vous renvoie aux travaux de Patrick Derrien et Gene Tomko et au #78 d’ABS. Ce disque nous délivre 75 minutes de bonheur musical. – Gilbert Guyonnet

Various Artists

Written In Their Soul : The Stax Songwriter Demos

Concord Records – craftrecordings.com

Dans notre précédent numéro, Gilbert Guyonnet vous a présenté l’intégrale Wattstax parue en 12 cd, magnifique coffret et document à valeur historique. Craft Records publie en ce mois de juin un autre coffret très intéressant consacré aux démos enregistrées par les songwriters du label Stax. Il comporte 7 cd de démos qui donnèrent parfois naissance à de véritables hits : trois sont consacrés à des titres sortis sur Stax Records ou ses filiales, un regroupe des morceaux produits par des labels concurrents et trois compilent des faces jamais publiées jusqu’alors. Au final, 146 titres dont 140 inédits sont mis à disposition dans ce travail, avec les enregistrements des « cadres » du label tels William Bell, Rufus ou Carla Thomas, The Stapple Singers ou Eddie Floyd, mais aussi des titres d’artistes moins connus du grand public tels Joe Shamwell, Henderson Thigpen, ou Deanie Parker…

On y découvre ainsi les toutes premières versions de chefs-d’œuvre désormais passés à la postérité, mais dans leur version « brute », originelle. C’est un document précieux qui va en profondeur : des simples instrumentaux acoustiques aux morceaux presque achevés et chantés, rien n’est oublié. Une curiosité même, ce Walk On Back pour lequel le nom de l’artiste reste inconnu. Quel plaisir d’avoir l’impression d’aller « dans le secret des dieux » en écoutant sous cette version I’ll Be Your Shelter (In Time Of Storm) par Homer Banks, Packed Up And Took My Mind par Denise LaSalle ou Hot Line To Jesus par Mack Rice. Les bandes originales restaurées et remastérisées par Michael Graves, les notes du livret écrites par Cheryl Pawelski, deux essais signés Robert Gordon et Deanie Parker (collaboratrice mémorialiste Stax depuis 1962 et présidente de la Soulsville Foundation) sont autant de valeurs ajoutées à ce travail remarquable qui fera forcément date pour tout amateur de Great Black Music. – Marcel Bénédit

Sax Mallard

In Session, The Mojo 1946-1954

Jasmine Records JASMCD3256 – www.jasmine-records.co.uk

Au lendemain de la guerre, la population noire des États-Unis d’Amérique aspirait à voir se défaire les liens sociaux qui la maintenait dans un statut de citoyens au rabais, pour ne pas dire plus. L’économie semblait prometteuse. La Seconde Migration de masse avait commencé et se poursuivrait jusqu’au début des années 70. L’arrêt Johnson avait limité l’entrée des étrangers. Il y avait donc une forte demande de main-d’œuvre peu qualifiée. Comme en Californie ou à New York et bien sûr à Chicago, les quartiers afro-américains grandissaient. Une nouvelle population venait remplacer la population blanche qui désertait de larges parties des centres des grandes villes de l’Est et du Nord. Los Angeles et les métropoles industrielles comme Detroit ou Chicago accueillaient dans leurs ghettos des gens qui devaient inventer de nouveaux modes de vie. Une population désireuse d’effacer le passé. D’oublier les temps tout proches de l’esclavage et les discriminations qui demeuraient actives et répandues. Savez-vous qu’au lendemain du conflit mondial, plus de 80 % des Africains Américains vivaient en ville ? L’image du Sud avec ses champs de coton se diluait peu à peu.
Les chiffres parlent. Un exemple, celui de Detroit : en 1910, la population afro-américaine de Detroit était de 6000 habitants. En 1929, ce chiffre était monté à 120 000 ! Et la musique dans tout ça ? Je veux rappeler que la musique de variétés, musique de consommation courante, respectait plus que jamais les us et coutumes des studios et était bridée, car on devait s’en tenir à la durée et aux formes harmoniques qui ne plongeraient pas la clientèle dans la perplexité. Mais, ça et là, la musique noire revêtait une complicité jubilatoire entre authenticité, créativité et complexité. Et Sax Mallard dans tout cela ? ll paraît que Sax Mallard a figuré dans des centaines (!) de séances. Je ne m’engagerai pas sur ce point. Mais, aux USA tout est cependant possible. L’album qui nous est proposé est plaisant mais aussi instructif. Il dresse un portrait : celui d’une mutation musicale concentrée dans une brève période. En effet, au lendemain de la guerre et durant environ vingt-cinq ans, nous découvrons une scène musicale qui a peut-être été la plus séduisante, riche et variée de la culture américaine. On pouvait entendre et voir, live, les représentants des principaux styles. Dans la même avenue, on pouvait entendre le même jour des figures historiques du Blues, de La Nouvelle-Orléans, du BeBop, etc. Le cd qui nous occupe aujourd’hui exprime bien cette situation. C’est une musique fortement teintée de blues, mais d’un blues qui penche vers un son nouveau.
Dans ce contexte, 1946 et 1947 voient Mallard enregistrer aux côtés de Roosevelt Sykes, Washboard Sam et Big Bill Broonzy, aussi bien que du Duke. Une musique joyeuse, détendue et qui évoque pour moi un bœuf de fin de soirée. Mallard joue de l’alto. Ce n’est ni le Bird ni Earl Bostic, mais c’est bien agréable. Tampa Red nous offre un climat assez jazzy pouvant surprendre les fans des périodes plus traditionnelles et Mallard, là encore, tient bien son rôle. J’ai aimé la guitare de Tampa Red. Elle aurait mérité d’être enregistrée plus « en avant ». Sax Mallard tient la clarinette dans les faces avec Big Bill. Pour nombre de lecteurs, la surprise sera grande. Une autre facette de Big Bill, loin des productions « country » de sa fin de carrière et du retour vers un certain folklore. Ce bon vieux Washboard Sam joue, comme toujours, avec force et vigueur. Voilà un musicien que j’aurais bien aimé voir « dans son habitat naturel », c’est-à-dire dans de petites tavernes du Soutsh Side de Chicago. Avant d’aller plus loin, je reviens vers vous pour vous dire que Love Me or Let Me Be est un morceau excellent, on pourrait dire que c’est du Swing à l’état brut ; comme j’ai déjà eu l’occasion de le dire ce type de musique avait des objectifs artistiques qui se confinaient dans l’immédiat. Les singles avaient donc une existence éphémère et pouvaient bien souvent revivre, à peine modifiés, tout au long des besoins du marché et de l’inconstance des clients. Je ne souhaite pas vous donner l’impression que je manque de respect pour le contenu de tels cd. Simplement je suis ravi d’écouter quelques faces. Sans en attendre trop. Remercions Internet qui nous offre la possibilité de tester des productions qui pourraient décourager l’amateur. Le growl de Mallard et, quelquefois, ses accents ellingtoniens, méritent bien que vous tendiez l’oreille. Je m’aperçois que je dois radoter quelque peu. En effet, je passe du temps à complimenter Jasmine. Certains parmi vous doivent se demander quel genre de gratifications le label doit me verser… Et bien tant pis : je n’encaisse aucune payola… Pourtant, cela aurait le mérite du respect des traditions de l’industrie du disque. Je continue à suivre les parutions d’une marque qui nous offre des dizaines de témoignages musicaux sur un passé qui s’éloigne peu à peu…
Comme le chant du cygne, celui du Blues et du Jazz finira par se confondre avec l’horizon. Profitons du présent. – André Fanelli

King Kolax

Those Rhythm and Blues

Jasmine Records JASMCD 3230 – www.jasmine-records.co.uk

Encore un de ces nombreux musiciens dits « de second plan », mais qui firent la richesse de ce bon vieux R’n’B mâtiné de Jazz. Né William Little en 1912 à Kansas City, il débute dans les orchestres de danse locaux, puis, en 1938, il est à Chicago ou il fera toute sa carrière. Il acquit très vite une excellente réputation de trompettiste et de chanteur. Dès le début des années 1940, il joue au Savoy Ballroom sous le nom de King Kolax and His Orchestra. En 1948, il grave ses premiers disques pour le minuscule label Opera : Back Door Blues qui ouvre cette compilation. Il va beaucoup enregistrer sous son nom ou pour accompagner des artistes comme Danny Overbea, Mabel Scott, Rudy Green, Piney Brown, Jerry Butler, Jack McDuff ou Otis Rush et même Roosevelt Sykes en 1970. Il se retire en 1981 et disparaît en décembre 1991. Ce cd présente une excellente sélection de ses enregistrements de 1948 à 1960 où il apparaît comme un superbe trompettiste et un bon chanteur à la voix chaude et expressive : un artiste à découvrir. – Marin Poumérol

Various Artists

Barrett Strong and the Roots of Detroit Soul

Jasmine Records JASMCD 1121 – www.jasmine-records.co.uk

Une compilation d’artistes qui ont marqué les débuts de Tamla Motown. Nous sommes ici dans la toute première partie des années 1960, alors que le style légendaire de la maison n’est pas totalement façonné. Il hésite encore, entre doo-wop et rhythm’n’blues descendu en droite ligne du gospel. La première étincelle jaillit du Money (That’s What I Want) de Barrett Strong. Il est l’artiste le plus largement représenté ici avec quatorze titres sur trente. Le compilateur s’est même offert une infidélité à Detroit en incluant un 45t sorti sur Atco dont les deux titres signés Doc Pomus et Mort Shuman sonnent comme la tentative (avortée) de faire de Barrett Strong le nouveau Ray Charles.
Suivent Chico Leverett, Singin’ Sammy Ward (bel interprète), Herman Griffin, Henry Lumpkin, Gino Parks (très Coasters), des aspirants connus des exégètes du label mais dont la réputation n’a que peu franchi les « Detroit city limits ». Les compositions sont le plus souvent dues au boss Berry Gordy lui-même, ou encore à Smokey Robinson, Brian Holland ou Mickey Stevenson, à l’aube de brillantes carrières. Ce voyage dans la Soul primitive de Detroit se referme sur un Rosa Lee (Stay Off the Bell) d’André Williams et ravira les amateurs d’archives. – Dominique Lagarde

Various Artists

98 Cents In The Bank
The New Blues Artists of The 90s and Beyond

JSP Records JSP3027 – www.jsprecords.com

L’Anglais John Stedman créa sa maison de disques JSP (John Stedman Production) en 1978. Il a ainsi développé un imposant catalogue qui diffuse du Jazz, du Blues d’avant-guerre, du Blues contemporain, de la country et du Rembetika, une formidable musique populaire grecque. Pour ce « 98 Cents In The Bank », il a sélectionné dix-sept artistes qu’il produisit dans les années 1990 et au début du XXIe siècle. Le titre de cette compilation est aussi celui d’une excellente chanson ici présente du chanteur-guitariste Johnnie Marshall enregistrée à New York, avec Johnny Rawls à la guitare rythmique. Nous pouvons ainsi explorer une petite partie du catalogue JSP. Le menu est copieux et d’un excellent niveau. Les amateurs de guitare apprécieront particulièrement le duo Otis Grand – Joe Louis Walker, magnifiquement chanté par celui-ci Better Off Alone (JSP CD 2153). Le Louisianais Larry Garner interprète un excellent Thought I Had The Blues extrait de son premier cd « Too Blues » (JSP CD 249). Je rappelle que le titre de ce cd, « Trop Blues », est la réponse que fit Bruce Iglauer d’Alligator Records à Larry Garner pour justifier son refus de le produire. Fort sympathiques sont les productions de Larry McCray, Lucky Peterson (qui avait de nombreux fans en France), Deborah Coleman (hélas morte bien jeune avant de recevoir la reconnaissance du public), Lil’ Dave Thompson (talentueux musicien du Mississippi victime d’un accident de voiture en pleine ascension), Tré, Ike Cosse et la seule artiste blanche du disque, Kris Wiley. Dommage que le guitariste new-yorkais Michael Hill ait abandonné la musique pour devenir enseignant et bénéficier d’une sécurité financière. Son New York Doll (« Black Gold and Goddesses Bold ! » – JSP CD 5109) enfonce tous les « rockeux » qui se piquent de jouer le Blues. Remarquable est Ten Toes Up où Chris Beard raconte comment il eut la chance de voir Son House, qui était un voisin de ses parents à Rochester, interpréter le Blues. Grâce à JSP, le guitariste texan de Dallas, Tutu Jones, put enregistrer son premier disque, un de ses meilleurs. Sweet Woman est extrait du cd « I’m For Real » (JSP CD 252). Tutu Jones produisit, pour JSP, l’excellent disque de la chanteuse-guitariste de Dallas Cookie McGee, « Right Place » (JSP CD 2113) illustré ici par You’re A Dog. Celle-ci est hélas toujours restée dans une injuste obscurité. Hoochie Mama, un vrai plaisir d’écoute, est extrait du premier disque d’un autre Texan, Andrew Jr. Boy Jones, « I Need Time » (JSP CD 278). Celui-ci est un des artistes les plus connus de cette compilation. : il a joué avec Freddie King, R.L. Griffin, Johnnie Taylor, Katie Webster et Charlie Musselwhite. La liste des chansons annonce Kirk Fletcher et I’m Looking. Mais il n’est que l’excellent guitariste de la chanteuse Lisa Bourne. Cette chanson provient du cd de celle-ci « Bluehipnotik » (JSP CD 3702). Enfin, le dernier titre de ce cd, Blackberry Jam, est attribué T. Bone Singleton, bluesman louisianais. Je n’ai pas réussi à trouver la moindre trace de cet enregistrement. Est-ce un inédit ? Chaque artiste bénéficie d’un bref texte de présentation illustré d’une photographie. Hélas, pas de portrait de Lisa Bourne. Une erreur à noter : c’est un portrait de L.C. Ulmer qui trône à la place de T. Bone Singleton. Les anciens posséderont certainement tous ces cds qu’ils n’écoutent peut-être plus. Cette compilation leur donnera envie de replonger dans leur discothèque. Quant aux nouveaux auditeurs de Blues, ils découvriront la richesse de cette musique d’il y a vingt à trente ans, en espérant que cela décuplera leur curiosité. – Gilbert Guyonnet

Sax Kari
& His Orchestra

Swinging the Blues 1947-1957

Jasmine Records JASMCD 3224 – www.jasmine-records.co.uk

Jasmine continue son exploration salutaire qui nous fait redécouvrir des musiciens bien oubliés aujourd’hui. Sax Kari, né Isaac Saxton Kari à Chicago en 1920, fut avant tout un guitariste et chef d’orchestre, également chanteur et pianiste, qui fit une longue carrière avec ses divers orchestres toujours à la frontière du Jazz et du R’n’B. Vingt-neuf titres de qualité sont regroupés sur ce cd qui ravira les amateurs du genre. Au fil des plages, on découvre d’excellents chanteurs comme Gloria Irving sur sept titres dont Red Hot Feeling, Lena Gordon, Little Sammy Ward, The Alley Cats and Kitty ; ça balance, ça « swingue le blues », comme l’annonce le titre de l’album. Plus tard, Sax continua une carrière de manager chez Sansu Records (avec Marshall Sehorn et Allen Toussaint) où il produisit Chris Kenner et Esquerita, et s’occupa même de hip-hop avant de disparaitre en octobre 2009. Un disque très intéressant. – Marin Poumérol

The Late Great Johnny ACE
and His Orchestra

The Complete Duke Recordings and More !

Jasmine Records JASMCD3206 – www.jasmine-records.co.uk

Johnny Marshall Alexander Jr. naquit à Memphis le 9 juin 1952. Malgré un père pasteur baptiste très strict qui imposait la musique religieuse uniquement, le petit John prit des cours de piano et d’art payés par sa mère. Il abandonna le collège et s’engagea dans l’US Navy pour voyager et découvrir le monde. Il désertait souvent et fut radié de la marine américaine. De retour à Memphis, il se fit très vite un nom en tant que pianiste et rejoignit les Beale Street Blues Boys dont B.B. King était le guitariste, Bobby Bland le chanteur, Rosco Gordon l’organiste, Earl Forrest le batteur et Billy Duncan le saxophoniste. Quand B.B. King partit sous d’autres cieux, John Marshall Alexander Jr. devenu Johnny Ace par respect pour son père, prit les commandes de l’orchestre. Johnny Ace et ses Beale Streeters connurent un succès immédiat. Au printemps 1952, ils enregistrèrent le jump blues Follow The Rule, avec peut-être Pat Hare à la guitare, et la ballade My Song dans un style très proche de celui de Charles Brown (Duke 102). Celle-ci va catapulter Johnny Ace vers les sommets des hit-parades R&B. On dit que cette chanson était destinée à Bobby Bland ; ne sachant pas lire, il n’avait pu en apprendre les paroles manuscrites. Pris en main par Don Robey et son organisation, Johnny Ace avec sa douce voix de baryton, enchaina les succès : Cross My Heart (Duke 107) où il joue de l’orgue, The Clock (Duke 112), Saving My Love For You (Duke 118) dont la face B est un duo chanté avec Big Mama Thornton, Please Forgive Me (Duke 128). Grâce au gigantesque succès de ces ballades rhythm ‘n blues plus ou moins sirupeuses mais toujours agréables à écouter, Johnny Ace devint en une année l’une des plus grandes stars américaines appréciée par les Blancs et les Afro-américains. En 1953 et 1954, il tourna sans cesse, menant une vie erratique : alcool, drogue, groupies. Malgré tous les efforts de promotion de Don Robey, le succès commença à s’émousser. Aucune des chansons des deux séances de 1954 ne devint un succès marquant. Le Billboard, dans son numéro de Noêl 1954, annonça la sortie imminente de Pledging My Love (Duke 136). Le lendemain, 25 décembre 1954, Johnny Ace se tuait, dans les coulisses du Houston City Auditorium, en jouant à la roulette russe. Il avait 25 ans ; sa carrière n’avait duré que deux ans. Après ce drame, Don Robey diffusa la très sentimentale ballade Pledging My Love dont le succès fut immédiat et considérable. De nombreuses chansons à la mémoire de Johnny Ace virent ainsi le jour. Ce cd Jasmine publie celles interprétées par Frankie Ervin with Johnny Moore’s Blazers, Johnny Ace’s Last Letter (Hollywood 45-1153) et par Vareta Dillard, Johnny Has Gone (Savoy 45-1153). En 1958, la popularité de Johnny Ace était encore si grande que Don Robey ressortit une version remasterisée de Pledging My Love. En outre, plus près de nous, Paul Simon composa et enregistra en 1981 The Late, Great Johnny Ace et le romancier James Lee Burke écrivit une nouvelle, « The Night Johnny Ace Died », publiée en 2009 dans le recueil « Jesus Out To Sea ». Tendez l’oreille à la musique de ce pianiste émérite, excellent chanteur et véritable crooner. – Gilbert Guyonnet

Frank Motley & His Motley Crew

Double Barreled Blues & Boogies

Jasmine Records JASMCD3247 – www.jasmine-records.co.uk

J’avoue ne pas avoir entendu la musique de Frank Motley avant de recevoir le cd dont il va être question. Une fois encore, Jasmine remonte le cours du temps et nous ramène à une époque florissante. Celle où le Jazz et la musique de variétés se confondaient. Ou presque. Frank Motley n’était sans doute pas un musicien important historiquement, mais il appartenait à un vaste courant qui, de New York à la Côte Ouest, apportait au public des dancings et des cabarets la musique qu’il attendait. Certes, le contenu proprement musical cédait quelque fois sa place au gag et Motley qui jouait de deux trompettes en même temps incarnait une section de cuivres à lui tout seul.
Il n’aurait pas concurrencé Roland Kirk, mais il est clair que le public devait apprécier la performance.
Le texte de pochette est très riche d’informations. Il me dispense d’ajouter à tout prix quelques lignes peu utiles face au travail déjà accompli. C’est d’autant plus important que le parcours de Motley est chaotique, notamment ses nombreux enregistrements pour des labels modestes ou des sous-marques. Sa musique est très dynamique, idéale pour les danseurs. On imagine volontiers, à l’écoute de morceaux comme Dual Trumpet Bounce, les tournois qui opposaient, dans les mythiques dancing floors, des danseurs qui nous étonnent toujours. Les qualités de l’orchestre généraient un public fidèle. À travers tous les USA, le groupe était apprécié. Il faut dire que Motley disposait d’une force de frappe efficace : d’excellents musiciens et chanteurs. Malgré cela, il ne parvint pas au sommet des charts. Ses activités musicales au Canada y sont sans doute pour quelque chose. Deux morceaux me semblent symboliser la musique des groupes de Motley : New Hound Dog, qui sera une bonne introduction à la musique du chef, un répertoire agrémenté de nombreuses reprises plus ou moins apparentes et Bow Wow Wow, un morceau que certains définiraient volontiers comme du pur Rock and Roll. Un disque intéressant, mais clairement réservé aux collectionneurs, sauf si on a un esprit aventureux et qu’on ne dédaigne pas de s’enfoncer dans la jungle.
Dans un cas comme dans l’autre, pourquoi ne pas pousser les meubles qui encombrent le salon, retirer vos chaussures, mettre votre chaîne à fond et vous laisser emporter au gré de rocks élastiques et bondissants ? – André Fanelli

Eddie & Betty Cole

Two Hot Coles

Jasmine Records JASMCD 2765 – www.jasmine-records.co.uk

Saviez-vous que le grand Nat “King” Cole avait dix frères et sœurs et que tous ses frères firent une honorable carrière dans le show business ? Son frère ainé, Eddie, excellent pianiste, fut le premier à se lancer et apprit le piano à Nat qui devint, grâce à sa voix de velours, une immense vedette. Mais Eddie fit lui aussi une belle carrière, néanmoins dans l’ombre de son frère. Eddie épousa une certaine Betty King, chanteuse et pianiste, et ils se produisirent ensemble en jouant sur un seul piano : Eddie & Betty Cole. Ils gravèrent deux albums : « Two Hot Coles » (Six Thousand 6000) en 1957 et « Nightlife for Daydreamers » (Warner Bros 1350) en 1959 qui sont réédités sur ce cd. Le premier est carrément composé de classiques jazzy : Sincerely, After You’ve Gone, You and I, mais on y trouve une belle version du Christopher Colombus d’Andy Razaf. Le second est plus moderne et swinguant avec de chouettes boogies. Plutôt de la musique d’ambiance, agréable et bien fichue, qu’on peut écouter en faisant autre chose. Cette famille Cole était vraiment étonnante ! – Marin Poumérol

Various Artists

West Florida Rhythm & Blues

Jasmine Records JASMCD3263 – www.jasmine-records.co.uk

Alléché par les deux premiers articles d’une série de six publiés dans les #376 et 377 de l’excellente revue anglaise Blues & Rhythm, je me suis plongé dans l’écoute de « West Florida Rhythm & Blues » avec impatience et délectation. Je ne connaissais pas le saxophoniste alto Charles Brantley. Le nom de sa formation, les Original Honeydippers, est une claire allusion aux Honeydrippers de Joe Liggins. Le jeu de Charles Brantley était similaire à celui de Louis Jordan. De la fin des années 1940 et au début des fifties, cet orchestre créé en 1944 a fait les beaux jours de très nombreux clubs de Floride et des États voisins. Ray Charles, âgé de seize ans, en fut quelque temps le pianiste. Charles Brantley & his Original Honeydippers enregistrèrent pour Sittin’ In With, Jax et B&L, la firme de disques personnelle du leader. Le chanteur de l’orchestre était le très populaire Clarence Jolly, playboy avec une voix de baryton, à qui les spectatrices jetaient leurs sous-vêtements pendant les concerts. Nous avons là du superbe Rhythm & Blues. Une belle découverte ! L’œuvre enregistrée ne suffit pas à remplir un cd. Charles Brantley quitta le monde de la musique en 1953 pour des activités plus lucratives. Jasmine propose d’autres beaux enregistrements, tel l’excellent 78 tours Cobra 5016, Don’t Leave/Changing Love, de Clarence Jolly, gravé à Chicago en 1957 ; une production de Willie Dixon avec le pianiste Lafayette Leake et le guitariste Guitar Shorty. Ce dernier, de son vrai nom David William Kearney, hélas décédé l’année dernière, anima les clubs de Floride avant de partir pour Los Angeles en 1959 où il épousa la demi-sœur de Jimi Hendrix. Irma Lee/You Don’t Treat Me Right (Cobra 5017), avec les mêmes musiciens que Clarence Jolly, est ici présent. Rock-A-Baby Rock (Suncoast 1002) est la seule trace laissée sur disque par The Skyliners, un orchestre créé par le chanteur Richard Allen et Frank Shellman l’ancien trompettiste de Charles Brantley. Le guitariste Gene Franklin se produisit avec succès à St Petersbourg, Floride, dès 1954. Il n’enregistra qu’en 1960 à New York : Gene Franklin and the Spacemen (Kaydee 5001) et Gene Franklin and the House Rockin’ Spacemen (Alton Records 400). Ces deux 45 tours sont très bons. Le chanteur et harmoniciste du second était Eugene “Texas” Ray qui était annoncé comme “The King of Harmonica”. Le dernier artiste présenté sur cette compilation s’appelle Manzy Harris. Il était un batteur et chef d’orchestre originaire de Géorgie, très tôt installé en Floride. Son quartet jouit d’une excellente réputation à Tampa et Saint Petersourg. Pendant un bref moment, son pianiste fut un certain Ray Charles payé 40$ la semaine. Le chanteur des excellentes chansons Blues In the Morning et Cryin’ And Sighin’ est inconnu. Ray Charles n’oublia jamais Manzy Harris et resta en contact avec lui. Manzy Harris fut l’invité d’honneur de Ray Charles quand celui-ci vint à Tampa en 1994. À l’exception des 78 tours Cobra de Clarence Jolly et Guitar Shorty disponibles sur diverses compilations, vous découvrirez de très grandes raretés et même deux titres inédits de Charles Brantley chantés par Clarence Jolly : Boogie Me Baby et I Feel So Lonesome gravés en 1951 pour Sittin’ In With. Notes de pochettes rédigées par Chris Bentley impeccables, discographie sérieuse et musique magnifique font que ce cd est indispensable. – Gilbert Guyonnet

• L’actualité des disques, livres et films traitant de blues, soul, gospel, r’n’b, zydeco et autres musiques afro-américaines qui nous touchent, vue par ABS Magazine Online…

Alabama Mike

Stuff I’ve Been Through

D.K. Harrell

The Right Man

Selwyn Birchwood

Exorcist

Ivan Neville

Touch My Soul

William Bell

One Day Closer To Home

Joe Krown

Tribute

James “Jabo” Houston

Jabo Blues

Skylar Rogers

Among The Insanity

Boo Boo Davis

Boo Boo Bogaloo

Bruce Katz Band

Connections

Eric Bibb

Ridin’

The Ozdemirs

Introducing

Big Harp George

Cut My Spirit Loose

Layla Zoe

The World Could Change

Rhythm Krewe

Unfinished Business

Jimi “Primetime” Smith & Bob Corritore

The World In A Jug

Jimmy Carpenter

The Louisiana Record

Ashley Sherlock

Just A Name

Taj Mahal

Savoy Worlds Finest Ball Room

John Primer

Teardrops for Magic Slim, Live at Rosa’s Lounge

Bob Corritore and Friends

Women In Blues Showcase

Sister Lucille

Tell The World

The BluesBones

Unchained

Dean Zucchero

Electric Church For the Spiritually Misguided

Johnny Wheels and the Swamp Donkeys

Keep on pushin’

Mike Zito Albert Castiglia

Blood Brothers

Jeff Pitchell

Playin’ With My Friends

Peter Storm & The Blues Society

Second

Henrik Freischlader

Recorded by Martin Meinschäfer II

Ana Popovic

Power

La Ratte

Astray

DeLayne

Karu

Walk That Walk

Big World Of Trouble

Deuce’n a Quarter

Keep Movin’on

Guy Verlinde & The Artisans Of Solace

Live at Minard

Kaz Hawkins

Until We Meet Again

Tas Cru

Riffin’ The Blue

Denis Agenet & Nolapsters

Piece of Land

Bernard Sellam & The Boyz from The Hood

Feelin’ So Fine

The Supersoul Brothers

Savoy
Worlds Finest Ball Room

Johnny Wheels
and the Swamp Donkeys

Mike Zito
Albert Castiglia

Guy Verlinde
& The Artisans Of Solace

Bernard Sellam
& The Boyz from The Hood

The Black Gospel Ladies
I Walkded Out In Jesus Name 1947-1970

In Session 1952-1961
I’m A Lucky, Lucky Man

Baton Rouge Downhome Blues
Louisiana Swamp Blues Vol. 9

Trudy Lynn
featuring Steve Krase

Aladdin Rockin’ Cave
30 Rockin’ Rhythm & Blues Platters From 1947-1960

98 Cents In The Bank
The New Blues Artists of The 90s and Beyond

Sax Kari
& His Orchestra

The Late Great Johnny ACE
and His Orchestra