Chroniques #59

• L’actualité des disques, DVD et livres traitant de blues, soul, gospel, r’n’b, zydeco et autres musiques afro-américaines qui nous touchent, vue par ABS Magazine Online…

Muddy Gurdy

Vizztone Label Group VTHW-001 – www.vizztone.com 

Notre magazine préféré, dans son n°57, nous narra tous les détails du projet « Muddy Gurdy » et sa réalisation. Quelques images diffusées sur les réseaux sociaux nous avaient mis l’eau à la bouche. Le disque tant attendu est enfin disponible avec une diffusion internationale grâce au label Vizztone. Hanté par le puissant North Mississippi Hill Country blues, le trio auvergnat Hypnotic Wheels (Tia Gouttebel : chant et guitare, Marco Glomeau : percussions et Gilles Chabenat : vielle à roue ou hurdy gurdy en anglais) est allé à la rencontre de quelques talentueux musiciens du cru, enfants gâtés des Muses, portant à fleur d’âmes les souvenirs de leur enfance : Sharde Thomas, Cedric Burnside, Cameron Kimbrough et Pat Thomas, dont les illustres ancêtres visitent souvent nos rêves. La gageure d’allier deux cultures populaires, la musique française traditionnelle avec l’utilisation d’une vielle à roue et le blues hypnotique des environs de Como, Mississippi, où plane l’ombre du grand Mississippi McDowell, est très réussie. L’entente établie entre ces deux mondes enregistrés sur une véranda, sous un porche ou dans un juke-joint (Club Ebony à Indianola) les valorise mutuellement. Ainsi découvre-t-on une face inattendue de la vielle à roue. Cet instrument sonne parfois comme un violon ; il donne de la densité à Dream, chanson interprétée par Pat Thomas. Cedric Burnside a délaissé la batterie pour la guitare acoustique ; il se taille la part du lion avec quatre titres, dont deux de son grand-père R.L. et une composition personnelle : That Girl IS Bad. La très bonne chanteuse Sharde Thomas, petite fille d’Otha Turner, nous enchante avec sa flûte de ses mains fabriquée. Le dialogue vielle-flûte sur Station Blues est savoureux. Cameron Kimbrough, petit-fils de Junior Kimbrough, est très à son avantage sur ses deux chansons. Très prometteur, il mérite d’être produit par un label important. N’oublions pas la très grande qualité des interprétations de She Wolf (Jessie Mae Hemphill), Shake’Em On Down (Fred McDowell) et Help The Poor (Charles Singleton) que donnent – inspirés par le cadre de Dockery Farm– Hypnotic Wheels et sa chanteuse-guitariste Tia Gouttebel, une des meilleures artistes de la scène blues actuelle. Ce disque, à la hauteur des ambitions de ses concepteurs, mérite une place de choix dans toute discothèque de blues. – Gilbert Guyonnet

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Akeem Kemp

A Woman Needs Love

No numero – www.akeemkempmusic.com

Chanteur, guitariste et songwriter, ce jeune musicien de l’Arkansas s’est produit très tôt au sein d’un quartette gospel avant d’enregistrer son premier album blues, « I Like It All ». « A Woman Needs Love » est son deuxième CD. La voix est belle, le jeu de guitare sait rester sobre et non démonstratif, fluide et clair. L’influence d’Albert King plane sur ce disque. L’écriture d’Akène est simple, elle parle du quotidien, d’histoires personnelles, avec un talent certain. Talent et sobriété que l’on retrouve dans le chant. Six des huit titres sont écrits par Akeem. Les deux autres faces sont I’ll Play The Blues For You immortalisée par Albert King et As The Years Go Passing By de Don Robey, remarquablement interprétées. Il évolue ici en trio avec Kentrell Clemons à la basse et Xavier Acklin aux drums, auquels se joint en fonction des faces Khaleel Tyus aux claviers. J’aime particulièrement la teneur de ce disque qui sait se faire mélancolique ou faire danser, le talent de guitariste de ce nouveau venu sur la scène blues  et sa singularité. – Marcel Bénédit
Note : Merci à notre ami Mike Stephenson du magazine Blues & Rhythm en Angleterre qui n’a pas son pareil pour dénicher ce genre de talent brut.

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Johnny Tucker

Seven Day Blues

HighJohn 007 – www.highjohnrecords.com

Tucker est un vieux routier des Blues Highways, son C.V. est éloquent, depuis 1964 et son arrivée à Los Angeles où il est engagé comme chanteur par Phillip Walker avant d’être son batteur. Au cours des années suivantes, il chante avec la fine fleur des bluesmen de la West Coast : Floyd Dixon, Lowell Fulson, Johnny Copeland, Robert Cray et bien d’autres… En 1967, il fait partie du band de Johnny Otis et y rencontre James “Broadway” Thomas avec lequel, trente ans plus tard, il enregistrera son premier album, « Stranded », pour Hightone Records. En 2006, Tucker enregistre un premier album pour le label HighJohn Records, « Why You Looking At Me ? », et voici le second paru en février 2018 avec des faces gravées en 2017 en compagnie de quelques pointures : entre autres Big Jon Atkinson (gt, bs) sur 14 des 15 faces, Bob Corritore (hca) sur 5 faces, Scott Smart (gt/bs) sur 13 faces, Troy Sandow (hca) sur 6 faces, et même, en guests, Kid Ramos (gt) et Bob Welch (orgue) sur Tell You All, un jump blues, tandis que Welch est aussi présent sur Love And Appeciation très soul. C’est Tucker qui a composé les 15 morceaux de cet album, du R&B et du blues urbain à l’ancienne, Chicago style, dont se détachent quelques gemmes comme les blues lents One Of These Days, Do Right Man, Gonna Give You One More Chance et You Can Leave My House bien pimentés par le jeu de guitare, tantôt fluide, tantôt rentre-dedans de B.J. Atkinson. On retiendra aussi les blues en médium Tired Of Doing Nothing, Come On Home With Me et Something I Want To Tell You . – Robert Sacré

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Vance Kelly & his Back Street Blues Band

How Can I Miss You, When You Won’t Leave

Wolf Records 120.88 – www.wolfrec.com

« Wolf Records m’a donné ma chance d’enregistrer mon premier album, alors qu’aux États-Unis, dans les années 90, aucun label ne voulait me produire. J’en suis reconnaissant à Hannes Folterbauer de m’avoir donné ma chance. Grâce à lui j’ai pu me faire connaître dans le monde entier. C’est la raison pour laquelle je continue à enregistrer sur son label. » Le musicien de Chicago est fidèle en amitié. Il le prouve en enregistrant pour la compagnie autrichienne son neuvième CD ! Le guitariste, aux côtés de sa formation habituelle, nous propose 14 compositions originales qui baignent – comme à son habitude – dans une atmosphère mélangeant habilement le Blues et la Soul, à l’image de ses prestations dans les clubs de la Windy City. Mes coups de cœur vont vers des compositions comme Biscuits, Eggs And Sausage, clin d’œil à Georges Benson, le puissant Don’t Give My Love Away, Sticker Than You dans une veine soul sudiste, ou encore le bluesy Get Home To My Baby. Sa guitare aux effets funky est toujours aussi agile et efficace. Véritable “juke-box”, Vance Kelly sait tout jouer. Depuis son premier CD paru en 1994 intitulé « Call Me » jusqu’à aujourd’hui, l’artiste n’a pas ménagé sa peine. Toujours actif dans les clubs du North et South Side quand il n’est pas en tournée, Vance Kelly avec son solide groupe reste un artiste sur qui il faut toujours compter. Je garde toujours en mémoire, lors de précédents périples sur les bords du lac Michigan, ses superbes interprétations de la composition de Prince, Purple Rain, à chaque fois ce fut excellent. Voici une nouvelle occasion d’apprécier tout son talent. – Jean-Luc Vabres

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Bootsy Collins

World Wide Funk

Mascot Records M75142

Pour les lecteurs pressés, on ira droit au but, ce nouvel album de Bootsy Collins est certainement ce qu’il a fait de mieux depuis…. C’est simple, il faudrait être sourd, insensible à la « black music » ou –  plus grave ! – de mauvaise foi pour affirmer le contraire. Ici, inspiration et fraîcheur sont au rendez-vous pour ce Come Back Bootsy bien senti (ce n’est pas un hasard si un des quinze titres s’intitule ainsi). Admiratif, on savoure toutes ces plages qui défilent, toutes plus festives les unes que les autres. En fait, une fusion très habile. Comme un mélange de Soul, R’n’B, Hip Hop et Rock psychédélique qui s’invite dans le P-Funk forcément tenace. Et pour cause. Notre bassiste étoilé a bâti sa réputation avec Funkadelic et Parliament dans les années 70. Cela dit, avec « World Wide Funk », tout délire d’une époque désormais révolue est d’office exclu. Et c’est très bien ainsi. Certes, on danse, mais on garde la tête froide. Une consigne qui s’applique aussi aux invités, aussi célèbres soient ils. Des noms ? Stanley Clarke, le regretté Bernie Worrell, Music Souchild ou encore les vétérans du Rap pour le coup très « old school » genre Chuck D. (Public Enemy) et Big Daddy Kane. Sans oublier les jeunes chanteuses-rappeuses, pas forcément connues, mais très efficaces. Un regret cependant, Bootsy ne veut plus faire de scène ! Ce qui rend ce nouveau CD encore plus attachant. Un disque très drôle, très coloré en accord avec la pochette et son livret. – DJ Père NS

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DD’s Brothers

From The Day Till The Dawn

www.dd-brothers.com

Ce duo composé de la chanteuse congolaise Dora Kuvuna et du californien Dorien Smith rassemble autour de lui les guitaristes Matthieu Vial-Collet et Sébastien Pintiaux, le bassiste Quentin Rochas, le batteur Antoine Vial-Collet, les saxophonistes Félicien David (baryton) et Régis Ferrante ainsi que le clavier Jeremy Rassat. Un premier album en 2015, « We Got Law », a fait connaître leur approche très soul dans l’esprit des productions Daptone Records. Ce deuxième CD enregistré au studio Hacienda de Lyon confirme cet ancrage sans nostalgie dans une soul aussi inspirée de Motown, portée de bonnes compositions. Dora et Dorien se partagent les interprétations en anglais, leurs voix hautes (et donnant parfois le sentiment de flotter dans l’air avec une certaine mélancolie pour Dora) ne sont pas très éloignées l’une de l’autre. Une intéressante rencontre à suivre. – Dominique Lagarde

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Bettye Lavette

Things Have Changed

Verve / Universal

Retour gagnant pour la légende soul Bettye LaVette. Pour son dixième album – le premier sur une major en près de trente ans – elle a choisi l’univers et le répertoire de Bob Dylan. On avait déjà pu percevoir l’admiration que la diva soul porte à Dylan dans son disque « Thankful N’ Thoughtful » (Anti/Pias) paru en 2012, dans lequel elle faisait une remarquable relecture de l’auteur/compositeur. Ici, c’est tout un album et douze titres du récent prix Nobel de littérature que Bettye revisite avec maestria, servie par d’excellents musiciens et la production sans faille de Steve Jordan. Keith Richards et Trombone Shorty ont aussi apporté leur contribution à cet album. « Things Have Changed » est une pépite née de la rencontre entre l’une des plus grandes chanteuses soul encore en activité et l’un des plus grands songwriters de tous les temps. Alors qu’elle célèbre ses 55 ans de carrière, elle n’a peut-être jamais été aussi « moderne » (écoutez sa reprise de Political World et vous comprendrez…). Respect. – Marcel Bénédit

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Tinsley Ellis

Winning Hand

Alligator ALCD 4979 – www.alligator.com

Ellis, né à Atlanta en 1975, est une légende vivante vénéré par des cohortes d’amateurs de blues-rock et de guitare. On a ici le 19è album de sa carrière qui a commencé à Atlanta en 1981 avec des enregistrements pour Landslide Records avec Chicago Bob Nelson et les Heartfixers. En 1988, il passe chez Alligator Records jusqu’en 1997 avec 5 albums au compteur, puis il fait un détour par Capricorn Rec. (2000) et Telarc (2002) avant de revenir chez Alligator en 2005 , le temps de produire trois nouveaux albums et ensuite quatre autres sur son propre label (Heartfixer). Tous ces albums, du premier au dernier, ont fait mouche et lui ont gagné des hordes de fans. Tout au long de cette carrière bien remplie, il a côtoyé et joué avec tout le gratin du blues et du rock et tous sont unanimes sur son talent, sa virtuosité, ses compositions originales, son chant passionné et son charisme. Le voici de retour chez Alligator Records en 2018 avec un album comptant 9 compos originales et une reprise (Dixie Lullaby, un rock’n’ roll écrit par Leon Russell dont Ellis donne une belle version). Pour le reste, on éprouve bien du plaisir à écouter un autre rock bien enlevé, Satisfied, deux beaux blues en medium (Nothing But Fine, Kiss This World), plusieurs ballades bluesy en slow (Gamblin Man, Don’t Turn Off The Light avec des parties de guitare déchirantes, et Autumn Run aux accents tristounets car automnaux – of course) ou plus enlevée (I Got Mine). On a aussi, d’entrée, un blues-rock avec pédale wah wah (Sound of a Broken Man) et en finale Saving Grace, un slow intense où guitare et orgue (Kevin McKendree) s’affrontent pour le grand plaisir de l’auditeur. – Robert Sacré

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Fred Chapellier & The Gents
featuring Dale Blade

Set Me Free

Dixiefrog DFGCD 8802 – www.bluesweb.com

Avec plus de vingt ans de carrière et six albums solos, Fred Chapellier est l’un des meilleurs guitaristes de blues en France. Éclectique dans ses choix, ces dernières années, il a accompagné sur scène Otis Clay, Billy Price ou Jacques Dutronc, notamment lors de la tournée des Vieilles Canailles. Mais le blues et la soul sont ses principaux moteurs. Aujourd’hui, il a décidé de se consacrer totalement à son jeu de guitare et à son plaisir de composer. Pour interpréter ses compositions, il a fait appel à Dale Blade, l’une des belles voix de La Nouvelle-Orléans. Les deux hommes s’étaient rencontrés en 2014 au Cahors Blues Festival et avaient interprété ensemble un vieux standard du Rythm & Blues. Aujourd’hui, ils se sont retrouvés pour faire un album complet. Fred s’est entouré des meilleurs musiciens du genre et a participé à la composition de 12 morceaux sur les 13 que comporte l’album. Pour l’interprétation de ses textes, le choix de Dale est parfait car, venant du Gospel, ce dernier sait tout chanter. Alors, avec les solides expériences de leurs passés respectifs, leur réunion sur cet album propose une musique aussi profonde que rafraîchissante. – Robert Moutet

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Mother Blues
with Gerald McClendon

Sleeping While The River Runs

Sleeping Dog Records SDRCD-10002 – www.sleepingdogrecords.com

Quelle belle surprise ! Ce disque paru en 2005 n’est arrivé dans notre boîte à lettre qu’il y a quelques semaines. Pourquoi ? Je ne le saurai certainement jamais… Mais il n’y a pas de hasard et la surprise fut de taille en découvrant les 17 faces dont la majorité émane de la plume de l’excellent guitariste Steve Bramer (qui produit cet album) ; le chanteur Gerald McClindon en consigne deux. Pour ceux qui fréquentent régulièrement le Chicago Blues Festival, ces noms ne leurs sont pas inconnus. Gerald McClindon s’y est notamment encore produit en 2016. Si sur scène ou en club Gerald s’est habitué à tout chanter, en passant du blues le plus standard à des morceaux de Marvin Gaye, l’écrin qui lui est offert ici lui va comme un gant. Les compositions et le groupe de Steve Bramer servent efficacement la voix légèrement éraillée de Gerald McClindon dans des morceaux superbes entre soul (magnifique Pass By You, entre autres) et blues. Impossible de choisir un morceau plutôt qu’un autre, ce disque n’a aucun temps mort. McClindon excelle au chant, les musiciens sont à l’unisson, à l’instar de Bramer à la guitare (écoutez l’instrumental Me & Ian), ou d’Hurtin Burt à l’harmonica sur Leaves Tremble On A Tree. Les chœurs apportent également beaucoup à nombre d’interprétations. Voici une formation qu’il serait très agréable de voir tourner en Europe… – Marcel Bénédit

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Kat Riggins

Blues Revival

Bluzpick Media Group – www.katriggins.com

Kat Riggins est née Katriva Riggins à Miami, Floride, le 7 février 1980. Elle a grandi et baigné dans un environnement musical au sein du cercle familial. Le style musical de Kat est un mélange de blues avec le hip hop, la pop, le rock, le gospel et même la musique country. « Tout est lié de toute façon », s’exclame-t-elle. Elle s’inspire de jeunes artistes tels que Janelle Monae, Karreim Riggins, SyncOpera, ZZ Ward et Andra Day qui partagent sa passion pour faire revivre la musique. « Il s’agit de l’émotion brute dans chaque note », dit Kat. « Si je peux amener quelqu’un à ressentir ce que je ressens quand je chante une chanson, alors ça en vaut la peine ». Avec son propre groupe, Blues Revival, elle parcourt le monde. Avec ses deux premiers albums, le EP « Seoul Music » et un album original intitulé « Lily Rose », Kat a écrit chaque chanson. Cet album-ci, intitulé « Blues Revival » (non de son groupe) est une déclaration forte et fière de cet amour du Blues. C’est un mélange intelligent de blues, tendance rock ou funky, de blues contemporains et traditionnels, à la frontière des styles. Now I See (Ooh Wee) donne le « La » d’entrée avec une ambiance rockn’roll soutenue. Good Girl Blues est taillé dans le marbre de la Soul. Queen Bee coule dans la veine du Chicago blues contemporain avec un band bien en place. Change Is Gonna Come entamé après quelques notes a cappella donne la chair de poule. La voix profonde et sucrée avec un léger grain de Kat Riggins revisite merveilleusement le titre emblématique de Sam Cooke. Ambiance funky-blues sur Blues Is M Business et texte sans détour The Devil Is A Liar. L’album s’achève sur une thématique qui ne laisse pas indifférent avec Blues Is The New Black. « Je remercie Dieu que ma passion soit mon but… C’est d’aider à préserver cette espèce menacée appelée Le Blues. » À méditer, n’est-ce pas ? – Philippe Prétet

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Ronnie Earl & The Broadcasters

The Luckiest Man

Stony Plain Records SPCD 1396 – www.ronieearl.com

Ronnie Earl est un guitariste hors pair qui a remporté un tas de récompenses et Awards, amplement mérités. Il le démontre ici, tout du long. C’est la chanteuse Diane Blue qui intervient dans quelques faces comme Ain’t That Loving You musclé et jazzy avec saxophones, Heartbreak (It’s Hurtin’ Me), un blues syncopé, plus festif que son titre, avec orgue et cuivres, le plaisant slow blues Never Gonna Break My Faith et dans d’autres faces pas toujours très gaies. Pour ma part, j’aime beaucoup les instrumentaux comme Southside Stomp, un beau blues en médium, le superbe Howling Blues en slow avec piano (Dave Limina) et guitare et même Blues For Magic Sam en mode « déprime ». Ma face préférée est un autre instrumental, Long Lost Conversation, où Ronnie Earl est rejoint par des partenaires de la première heure, les premiers Broadcasters (1983) et c’est l’harmoniciste Sugar Ray Norcia qui prend les vocaux avec, entre autres, Anthony Geraci (p), Mike Welch (gt) et Michael “Mudcat” Ward (basse). Dans cet opus, Ronnie Earl rend hommage à son frère avec le très mélancolique Jim’s Song et aussi à son bassiste et grand ami Jim Mouradian décédé inopinément peu avant, via le Death Have No Mercy de Blind Gary Davis chanté en mode mineur par Diane Blue. Le titre de l’album, The Luckiest Man, n’est pas représenté par une face et il est basé sur une phrase que répétait souvent Mouradian : « I’m the luckiest man you know, and I don’t even know who you know »… Au total, ce recueil baigne dans une mélancolie et une tristesse à fleur de peau, un peu trop peut-être si on ajoute encore So Many Roads pathétique, en slow, chanté par Diane Blue. Bref, malgré deux ou trois faces festives (sur douze !), c’est la tristesse et la nostalgie qui dominent, mais c’est très beau. – Robert Sacré

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Al Corte’

Mojo

Distribution Blindraccoon – www.alcorte.us

Quand on découvre qui sont les musiciens qui forment le groupe derrière le chanteur Al Corte’, on sait qu’on est à Memphis ! Et pas n’importe où : au Royal Studio de Willie Mitchell, avec la High Rhythm Section (Leroy Hodges Jr à la basse, Michael Toles à la guitare, Rev. Charles Hodges Sr au B3 et Steve Potts aux drums). Pour continuer dans le rêve, s’associent à l’enregistrement Brad Webb à la slide, John Nemeth à l’harmonica, Lawrence “Boo” Mitchell au piano et au synthé (il produit aussi l’album) et Ron Miller, multi-instrumentiste et compositeur de l’ensemble des douze titres du disque. Et ce n’est pas tout. The Royal Singers, Royal Strings, Royal Horns et The Tennessee Mass Choir (sous la direction de Jason Clarck) sont aussi là en fonction des faces pour offrir à cet enregistrement un relief tout à fait inhabituel. On en oublierait presque le leader… Chanteur, percussioniste et co-auteur de trois des titres de l’album, Al Corte’ est tombé dans le chant depuis son plus jeune âge, passé par différents styles dont le blues-rock et le doo-wop. C’est un très bon chanteur qui mène avec brio cet enregistrement qui dût être, pour ce fan de soul, un régal sans précédent. Il peut en être fier. – Marcel Bénédit

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Sue Foley

The Ice Queen

Dixiefrog DFG 8803 – www.bluesweb.com

À 13 ans, la canadienne Sue Foley a reçu sa première guitare et s’est produit dans les clubs dès l’âge de 16 ans. À 18 ans, elle joue à Vancouver et déclare alors : « Je vais jouer de la guitare aussi bien que n’importe quel mec ! » À 21 ans, elle s’installe à Austin, Texas, et enregistre son premier album, « Young Girl Blues », pour le fameux label Antone’s Records. Il sera suivi d’une quinzaine d’albums durant trois décennies où elle sera sur scène pour les premières parties de tous les grand noms du blues : B.B. King, Buddy Guy, Lovell Fulson, Albert Collins, Bill Doggett et bien d’autres. Elle tourne avec sa propre formation et donne libre cours à ses talents combinés de guitariste, chanteuse et compositrice. Mais elle fait une pause dans sa carrière professionnelle de 2001 à 2015. Elle retourne à l’université et travaille aussi sur un projet qui lui est cher : raconter l’histoire des plus grandes guitaristes du blues. Un DVD existe déjà sous le titre « Guitar Women » et un livre doit sortir bientôt. Pour son retour, elle a choisi d’enregistrer dans le même studio que son premier disque chez Antone’s Records à Austin. Et elle a fait appel à la crème des bluesmen texans : Jimmie Vaughan, Billy Gibbons (ZZ Top ), Charlie Sexton (Bob Dylan ) et Chris Layton (Double Trouble). Le résultat est un album de 12 titres qui sera certainement l’un des meilleurs de sa carrière avec des chansons originales, un style de guitare si particulier et une voix qui a pris énormément de maturité. On retiendra les brillants duos avec Billy Gibbons (Fool’s Gold) où Sue « ronronne » et évoque Jimmy Reed à la guitare, et celui avec Jimmy Vaughan, The Lucky Ones. Dans If I Have Forsaken You, la voix de Sue est très envoûtante dans cette ballade qui bénéficie du soutien d’une remarquable section de cuivres. En conclusion, un disque qui confirme le bien-fondé de la distinction du magazine Guitar Player pour Sue, mais qui n’a pas que des talents de guitariste, loin de là, la composition et le chant sont plus que convaincants. – Robert Moutet

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Carolyn Gaines

Beware Of My Dog

Polka Dot Records / CD Baby

La chanteuse Carolyn Gaines poursuit la tradition familiale. Elle est la fille du guitariste Roy Gaines et la nièce du saxophoniste Grady Gaines. Elle a de qui tenir et elle a le blues dans son ADN. Elle est dotée d’une voix grave et très nasale, mais cela convient bien à son blues urbain et rentre-dedans. Elle a souvent joué un rôle d’arrière-plan comme choriste et on a ici son premier album en vedette. Elle a su s’entourer avec Fred Clark (gt), Glen Doll (hca), Rudy Copeland (keyboards), Del Atkins (bs), Chad Wright (dms) et, cerise sur le gâteau, son cousin Grady Gaines Jr au saxophone dans deux faces, sans oublier le légendaire Big Jay McNeely au sax ténor dans trois autres ! Excusez du peu… Au fil des plages, elle démontre son intérêt pour des classiques du blues toutes époque confondues en les modernisant et en les assaisonnant de sa touche personnelle : son Beware Of The Dog est un hommage au Hound Dog de Big Mama Thornton avec le même punch mais avec une forte empreinte personnelle. Le reste est à l’avenant avec le menaçant I’m Your Cat Baby qui rappelle le Back Door Man d’Howling Wolf, Stone Out Your Raggly Mind évocateur du What You Want Me To Do de Jimmy Reed (avec un Grady Gaines Jr. très inspiré au sax ténor) ou encore Catch That Train qui fait penser au Boom Boom de John Lee Hooker et Hoochie Coochie Woman, une réponse féministe au Hootchie Coochie Man de Muddy Waters. Dans chaque cas, il n’y a pas d’imitation servile mais une création originale. Ms Gaines fait aussi une incursion dans le Mississippi blues rural avec une reprise originale du Done Got OId de David Junior Kimbrough. Et ce n’est pas tout, Mr. Dill Pickle, avec un texte politique et actuel, est inspiré par une face de 1939 de Blind Boy Fuller : I Want A Piece Of Your Pie. Quant à Jerry Rice – Busy Man, son hommage au grand footballeur US avec Glen Doll à l’harmonica, il est calqué sur le duo Carey et Lurrie Bell ! Une mention aussi à Charlie Mae & Chicago, un hommage à sa mère Charlie Mae et à Buddy Guy tandis que Something On Your Mind est une reprise d’un grand succès de Big Jay McNeely, un hit en 1960, avec, ici, un Big Jay déchaîné dans cette version dépoussiérée et chantée avec passion par Carolyn Gaines. – Robert Sacré

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Lucious Spiller

Born to Sing the Blues

Auto-production disponible ici : blue.spiller.booking@gmail.com

Lucious Spiller, qui est né en 1962 à Saint-Louis (MO), a grandi dans la famille fondatrice de Black Prairie Blues, qui a son propre marqueur sur le Mississippi Blues Trail à Macon, MS. Il faut dire que la famille de Lucious Spiller comprend des musiciens prestigieux tels que ses oncles Houston Harrington et Magic Sam et ses cousins Eddy Clearwater, Vernon et Joe Harrington, excusez du peu ! Son CD, intitulé « Born to Sing the Blues » a été autoproduit et conçu par Larry Corsett au 12 Bar Studio à St. Louis, MO. C’est un mélange énergisant de blues moderne et old school mixé avec une touche contemporaine. Les 12 chansons (sept écrites par Lucious) sont une combinaison de blues qui va à l’essentiel, de ballades remplies d’émotions et d’un échantillon de standards du blues qui ont été « spillerisés ». Tous sont animés par des riffs et des improvisations subtiles de guitares, des chants puissants et une énergie illimitée. Lucious a été finaliste de l’International Blues Challenge (IBC) de la Fédération Blues en 2012 et, en 2014, 2e de l’IBC catégorie solo et duo. « Born to Sing the Blues », qui a été enregistré en 2011, est un album entièrement acoustique. La superbe interprétation de You Belong to Me écrite par son oncle Magic Sam donne immédiatement le ton. Figure charismatique sur scène – comme ce fut le cas notamment au Red’s à Clarksdale pendant le Juke Joint Festival en avril 2017 – technique irréprochable à la guitare acoustique, voix puissante, la panoplie de l’artiste est complète. Brother John est une ballade avec des arrangements originaux, tout comme Are You Gonna Story With Me qui fait plonger immanquablement dans l’ambiance folk song des années 1960-70 avec brio. Born to Sing the Blues, titre de l’album, tire encore l’album vers le haut. Put the Blame on Me est du même tonneau, avec un texte intimiste s’il en est. You Hurt Me renvoie en filigrane aux morceaux interprétés par les musiciens ruraux qui se sont installés dans les grandes villes du Nord après-guerre. Frisson garanti. Si vous allez dans le Mississippi, à Clarksdale ou dans les environs, ne manquez pas d’apprécier live ce bluesman attachant et captivant. – Philippe Prétet

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Curtis Salgado & Alan Hager

Rough Cut

Alligator ALCD 4980 – www.alligator.com

Salgado et Hager jouent ensemble depuis 2003 à Portland, Oregon, et Hager a intégré le band de Salgado en 2015. Depuis lors, ils ne se lassent pas de jouer en duo et ils ont décidé de graver « leur » album avec un accompagnement minimal. Sur 13 faces, il y a 8 compos originales, en slow pour la plupart avec, d’entrée de jeu, un très atmosphérique I Will Not Surrender où Hager démontre l’ampleur de son talent comme guitariste, c’est poignant, émotionnel et dramatique. Ajoutons-y I Want My Dog To Live Longer, une déclaration d’amour à un chien, Hell In A Handbasket où Salgado parle, use d’ humour noir et joue du piano, The Gift Of Robert Charles, introverti où le rythme lent au début s’accélère avec une belle partie de Hager à la slide, So Near To Nowhere qui est en médium et One Night Only bien enlevé (avec Jim Pugh au piano) mais ces faces, comme les autres, démontrent la complémentarité des deux compères : Salgado (chant et harmonica ou piano) et Hagen (guitare). Parmi les covers, on a une belle version du I Can’t Be Satisfied de Muddy Waters avec Hager déchaîné à la slide, une autre de Depot Blues que Son House ne renierait sans doute pas, Long Train Blues (R. Wilkins) où c’est Hager qui chante, et une bonne version de I Want You By My Side de Big Bill Broonzy. À noter enfin le traditionnel Morning Train avec un changement de rythme bien amené et You Got To Move (Elmore James) en medium avec une superbe partie de slide. – Robert Sacré

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The James Hunter Six

Whatever It Takes

Daptone Recording Co DAP-051 / Differ-Ant

James Hunter chez Daptone, label de feu Sharon Jones ou Charles Bradley, pouvait laisser augurer d’une possible perte d’identité de ce musicien, chanteur et auteur-compositeur. Ce n’est pas le cas, car il continue à évoluer avec les musiciens du James Hunter Six et dans son propre monde. Mais il ne faut pas pour autant se retrancher derrière ce qu’écrit Sam Boncon (WIT) dans les notes de pochettes, et qui exprime en résumé que ceux qui ont aimé le dernier album « Hold On » peuvent être rassurés car ils seront dans la continuité avec ce nouvel opus ; c’est évidemment pour mettre en avant la signature et la griffe – tant dans la composition que dans la voix – de cet artiste à part qu’est James Hunter. Les dix compos sont d’une rare fraîcheur, nombre sont faites pour danser, et on va du calypso au swing en passant par le blues et la soul, avec même un gospel plutôt poignant je l’avoue. À mon avis, James Hunter est l’un des seuls Blancs à chanter dans ces styles avec un tel naturel et une voix autant en adéquation, sans jamais forcer. N’oublions pas qu’il est aussi un excellent guitariste, il le prouve encore ici, entouré d’excellents musiciens avec cuivres et chœurs. Cet album est pour moi un réel coup de cœur. – Marcel Bénédit

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The Nick Moss Band
featuring Dennis Gruenling

The High Cost Of Low Living

Alligator ALCD 4981 – www.alligator.com

Bienvenue à Nick Moss dans l’équipe de Bruce Iglauer. Il est maintenant assuré d’avoir une distribution mondiale digne de son expertise. Depuis une vingtaine d’années – et une douzaine d’albums pour sa propre compagnie Blue Bella – Moss est devenu l’un des plus brillants guitaristes/chanteurs du Chicago blues moderne bien ancré dans la tradition. Après une incursion dans le blues-rock, il revient au Chicago blues pur et dur – et à du rock’n’roll bluesy et uptempo (Get Right Before You Get Left). Pour le coup, il s’est adjoint un harmoniciste chevronné : Dennis Gruenling qui est dans le circuit depuis 1990 avec 7 albums sous son nom et il mérite lui aussi de venir jouer dans la cour des grands. À eux deux et avec des partenaires au top (dont Chris “Kid” Andersen, co-producteur et guitariste et Jim Pugh au piano sur Lesson To Learn et à l’orgue sur All Night Diner, un instrumental uptemp) ils cassent la baraque. Il faut rappeler que Moss a bénéficié de la tutelle et des conseils avisés de Willie “Big Eyes” Smith, le dernier batteur de Muddy Waters, mais aussi Jimmy Rogers, étoile du style South Side puis par un maître du West Side blues, Jimmy Dawkins. Il est à l’aise dans tous les styles et il montre ici l’étendue de son talent, signant huit des treize faces et Gruenling en signant deux autres sur lesquelles il chante (Rocking Count On Me et Lesson To Learn dopé avec saxophones). De beaux slow blues lancinants (No Sense – avec Kid Andersen, lead guitare, et Note On The Door) alternent avec des faces rapides roboratives (Crazy Mixed Up Baby, Tight Grip On Your Leash, A Pledge To You) ainsi que le titre éponyme avec Moss à la slide, The High Cost Of Low Living. Notons aussi le beau blues lent et tout en retenue He Walked With Giants, un bel hommage à Barrelhouse Chuck récemment disparu. Parmi les convers, on retiendra Get Your Hands Out Of My Pockets d’Otis Spann uptempo et Ramblin’ On My Mind en tempo soutenu qui conclut l’opus en beauté. Il n’y a aucun temps mort dans cet album lequel, d’ores et déjà, peut être classé parmi les meilleurs de l’année en cours. – Robert Sacré

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Ronny Aargren & His Blues Gumbo

Close To You

Hunter Records HRCD 12017

Saluons l’arrivée d’un nouveau venu sur la scène du blues, même si ses influences country sont fortes et présentes comme dans I Love That Lady, un country rock en medium et dans Silence, un country blues en slow. Aargen est chanteur et très bon guitariste et il est bien secondé par Alexander André Johnsen au piano et orgue (Trying To Get Close To You et I Don’t Care), Roar Paulsberg (basse) et Ole-Christian Rydland aux drums. Cela dit, ce quartet est assez éclectique avec Precious Lord, un gospel en slow qui n’est pas celui de Thomas A. Dorsey et qu’ils chantent en chœur et There Is Hope, une ballade swamp pop (d’où le nom du groupe sans doute) où Aargen y va d’une belle partie de guitare. On notera aussi quelques faces bien enlevées avec A.A. Johnsen faisant le job au piano comme A Question Of Time (outre I Don’t Care) et de bons blues où brille Aaregn lui-même comme Sometimes en slow, After Midnight et l’excellent Bring Me Home en medium. Un bilan très positif. Robert Sacré

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Various Artists

International Blues Challenge # 33 CD

Blues Fondation / Frank Roszak Promotions

Créé en 1984, l’International Blues Challenge (IBC) réunit chaque année à Memphis les nouveaux acteurs de la scène blues mondiale. Début février 2017 a donc eu lieu sur la scène de l’Orpheum le 33ème concours des finalistes des deux principales divisions, les groupes et les solo/duo. Au départ, ce sont près de 250 formations du monde entier qui s’affrontent dans les clubs de Beale Street. Les finalistes sont sélectionnés par des professionnels du blues sur des critères établis par la Blues Fondation. Et c’est la deuxième année que le résultat de cette compétition fait l’objet d’un enregistrement de 14 morceaux. La compilation débute par Shine On, un gospel interprété par Dawn Tyler Watson qui a remporté le premier prix dans la catégorie « groupe » pour la Montreal Blues Sociéety. La deuxième place revient à The Souliz Band de Tampa et la troisième à Rae Gordon & The Backseat Drivers de Portland. All Hill est le gagnant de la division solo/duo et le meilleur guitariste solo. ll représentait la Nashville Blues Society et il est aussi impressionnant au piano avec le morceau Don’t Dig Today qu’il interprète pour ce CD. Cette division solo/duo inclut aussi Ruth Wyand de Caroline du Nord, Sugar Brown de Toronto, et Felix Slim qui représentait l’Espagne. À noter aussi la présence du Solo Blues Band de Jérusalem qui représentait The Israel Blues Society. Ce disque a pour but de nous présenter ce qui se fait de mieux sur la scène mondiale du blues en 2017. À son écoute, nous ne pouvons qu’ approuver cette démarche, en espérant que l’édition 2018 sera de la même qualité et nous réservera autant de bonnes surprises. – Robert Moutet

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Kelly Z

Rescue

www.kellyslot.com

Un disque solo de la chanteuse Kelly Zirbes, active sur la scène de Los Angeles depuis le milieu des années 90, avec son groupe Kelly’s Lot. Ensemble, ils ont déjà enregistré onze albums de soul/ funk/blues, dont trois en public. « Rescue » est un CD de huit reprises produites en 2011, en analogique, au Slide Away Studio, par un certain Chuck Kavooras, à l’occasion guitariste sur un titre. Un projet inachevé à l’époque, complété aujourd’hui. Le répertoire est puisé chez Ike et Tina Turner, James Brown, Isaac Hayes, Michael Bloomfield. Dans un registre country soul, Kelly Z s’attaque aux standards He Called Me Baby et You Are My Sunshine. Si elle se révèle être une bonne chanteuse, l’ensemble tombe plutôt à plat : le groupe ne brille guère, ni par son feeling, ni par son inventivité. Les arrangements deviennent rapidement prévisibles et la présence d’une section de cuivres ne suffit pas à sauver l’ensemble de l’anonymat. Malgré une pochette châtoyante dans l’esprit pop-art West Coast. Tout ce qui brille n’est pas d’or… – Dominique Lagarde

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Backtrack Blues Band

Make My Home In Florida

Harpo Records – sans numéro (1 CD et 1 DVD) – www.backtrackbluesband.com

Ce groupe existe depuis 1980 et est basé à Tampa en Floride. Celui-ci, en public, est leur sixième album. La section rythmique (Sonny Charles, hca et chant, Sticks Davis bass et Joe Bencomo dms) est plutôt tendance Chicago blues tandis que Kid Royal (gt lead et vo sur deux faces ) et Little Johnny Walter (rhythm gt) se reconnaissent mieux dans le Texas blues, mais tous quatre se sentent bien ensemble et harmonisent leurs différences sans problèmes. Il n’empêche que le nom du band est le titre d’un des morceaux les plus difficiles à jouer de Little Walter, celui sur lequel se cassent les dents les harmos amateurs (voire des chevronnés aussi !) pour ses subtilités et attaques à l’emporte-pièce. Pourtant, ce quartet ne reprend qu’un seul morceau de Walter et encore, pas composé par lui – Nobody But You – mais aussi deux faces de Sonny Boy Williamson II, Checkin’ Up On My Baby et Your Funeral And My Trial. Les deux autres covers sont empruntés à B.B. King (Woke Up This Morning) et à T-Bone Waker (T-Bone Shuffle). Restent quatre compositions originales de Charles, dont l’amusant Shoot My Rooster, bien balancé et traitant d’un coq présomptueux qui lance son cri à toute heure de la journée… et un tout aussi humoristique Heavy Built Woman. Tout cela est joliment joué, reprises incluses, avec punch et conviction. Ma critique portera quelque peu sur le chant de Charles qui est parfois un peu poussif mais compensé par son jeu d‘harmonica et par ses partenaires, sans oublier le public qui les booste. Tout le concert a été filmé et se retrouve sur le DVD accompagnant le CD. – Robert Sacré

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Mud Morganfield

They Call Me Mud

Severn Records Severn CD 0073 – severnrecords.com

Un disque de Chicago blues, un vrai ! Pas forcément facile d’être dans l’ombre d’un père qui a autant marqué la musique afro-américaine du XXe siècle, icône s’il en est du Chicago blues, Muddy Waters. Et pourtant, sans vouloir s’affranchir de ce passé prestigieux et en restant dans les codes du blues qui a fait la renommée de la Windy City, Mud invente encore. Auteur de dix des douze titres de l’album (les deux autres titres, Howling Wolf et Can’t Get No Grinding étant du papa), il affirme nettement sa personnalité. Pour servir un tel héritier, il fallait les meilleurs musiciens dans le genre. Billy Branch est remarquable à l’harmonica tout comme Studebaker John, Billy Flynn survole son sujet à la guitare, bien relayé par Mike Wheeler et Rick Kreher, et E.G. McDaniel ou Mud à la basse, Melvin “Pookie Stix” Carlisle aux drums assurent une rythmique sans faille. La belle voix de Lashunda Williams donne immédiatement un côté soul et sensuel à sa prestation, le violon d’Anne Harris, la trompette de Phil Perkins et le sax de Michael Jackson, le piano de Sumito Arityo Ariyoshi complètent à merveille l’osmose de cette bande d’amis dont le plaisir à enregistrer ensemble dans les studios Joyride à Chicago transparaît à travers chaque titre. – Marcel Bénédit

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James Carr

The Best Of

Kent CDKENM 472 – www.acerecords.co.uk

James Edward Carr (1942-2001) fut – chacun le sait – l’une des plus grandes voix de la southern soul. Natif du Mississippi dans une famille baptiste (père prêcheur), il fit ses premiers pas de chanteur à l’église à Memphis où la famille a déménagé, puis au sein d’un premier groupe gospel, les Harmony Echoes. La musique profane lui tend les bras et Goldwax Records lui ouvre ses portes pour enregistrer son premier single en 1964. Sa carrière sera réellement lancée avec le titre You’ve Got My Mind Messed Up en 1966 et son entrée dans le top ten du classement Billboard R&B. La suite, on la connaît. Le succès de l’interprétation du titre de Dan Penn The Dark End Of The Street – qui deviendra emblématique du chanteur – suivi de bien d’autres sur Goldwax jusqu’à la fermeture de la maison de disques en 1969. Il enregistre un single sur Atlantic Records en 1971 et un sur River City (le label de son manager Roosevelt Jamison) en 1977. Mais James Carr est en proie à la maladie, avec une bipolarité sous psychotropes qui le contraint terriblement et de manière récurrente dans sa carrière d’artiste, avec un grand passage à vide à la fin des années 70 et au début des années 80. Le livre de Guralnick, « Sweet Soul Music », paru en 1986, remettra cet artiste majeur en lumière avec comme conséquence un retour en studio réussi avec l’album « Take Me To The Limit » en 1991 suivi de tournées, puis « Soul Survivor » en 1994. Il décédera d’un cancer du poumon en 2001, à seulement 58 ans. James Carr reste une des icônes masculines de la grande Soul music. Nos amis britanniques de Ace Records lui rendent hommage avec ce « best of » de 20 titres de sa période Goldwax de 1965 à 1968, avec deux faces parues sur le LP « Freedom Train » – Vivid Sound (Japon) en 1977. Évidemment, la musique et la voix se passent de tout commentaire. – Marcel Bénédit

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Rhythm n Bluesin’ By The Bayou

Livin’ Lovin’ & Lyin’

Ace Records  CDCHD1514 – www.acerecords.com

Voici le sixième volume dédié à la musique des bayous chère à nos cœurs. À l’image des précédents volumes, le compilateur met en avant, au fil des 28 titres proposés, des artistes habitués à enregistrer sur les labels Goldband, Ron, Excello, Hollywood et Rocko. Généralement gravés sous la houlette des producteurs Jay Miller ou Eddie Shuller, toutes les compositions baignent dans une atmosphère mélangeant le Blues et le Rhythm and Blues du meilleur jus. Mentions particulières ici pour Lonsome Sundown, Eddie Lang, Tabby Thomas, Little Bob and the Lolipops, Charles Sheffield, King Karl et bien sûr Guitar Jr (Lonnie Brooks) présent ici avec son célèbre succès, Family Rules. Comme d’habitude, le label Ace nous offre des prises rares ou inédites ou alors éditées dans les années 80 en 33 tours par les Anglais de la compagnie Flyright Records. Les passionnés de Swamp blues et de Soul louisianaise vont à coup sûr y trouver leur compte, la musique présentée ici est tout simplement excellente ! – Jean-Luc Vabres

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Various Artists

I’m Gonna Be A Wheel Some Day
Original Recordings from Manchester’s Legendary Twisted Wheel Club

Jasmine JASCD 978 – www.jasmine-records.co.uk

Le Twisted Wheel, d’abord baptisé le Left Wing Coffee Bar, devint un lieu fréquenté par les noctambules de Manchester quand fut embauché un DJ nommé Roger Eagle en septembre 1963. Celui-ci va diffuser la musique afro-américaine : Blues, Rhythm & Blues, groupes vocaux, Soul et même Gospel. Les “Mods” de la ville en firent leur lieu privilégié. Des concerts étaient aussi organisés au Twisted Wheel. S’y produisirent Chuck Berry, Screamin’ Jay Hawkins, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Jimmy Reed, Sonny Boy Williamson (Rice Miller) éberlué par les jeunes anglaises en mini-jupes et disant : « Heaven Hath Come Down ». En 1969, Roger Eagle gagna d’autres cieux (Liverpool) ; le Twisted Wheel diffusa alors essentiellement de la Soul et devint un incubateur du phénomène Northern Soul. Qu’écoutait-on dans ce club avec Roger Eagle aux platines ? La playlist considérable nécessiterait d’innombrables CD pour rendre hommage à un tel dee-jay. Jasmine a sélectionné 24 chansons couvrant tout le spectre de la musique afro-américaine. Il est impossible de toutes les citer. S’y côtoient de nombreux artistes d’univers différents : John Lee Hooker (Dimples – 1956 – Vee-Jay) et Nat Kendricks & the Swans (Dish Rag – 1960 – Dade, en fait les JB’s de James Brown dont Nat Kendrick était le batteur) ; Fats Domino (I’m Gonna Be A Wheel Someday’ – 1959 – Imperial) et Bunker Hill (le tube Hide & Go Seek – 1962 – Mala, pseudonyme qu’emprunta le chanteur David Walker des Mighty Clouds of Joy, ce qui lui valut l’expulsion du quarter gospel) ; Lazy Lester (I Hear You Knockin – 1959 – Excello) et un groupe de Baltimore The Van Dykes (Stupidity – 1962 – Atlantic) ; Bo Diddley et son Pretty Thing si influent en Angleterre et John Zacherie “The Cool Ghoul”, acteur de film d’horreur pour la télévision américaine dans les années 50 et 60. Si j’ajoute que l’on peut aussi entendre Elmore James, Little Milton, Solomon Burke, Bobby Bland, Screamin’ Jay Hawkins, Booker T & the MG’s, etc…, tous sur des tempos rapides, vous devinez la qualité de la musique. Rien d’inédit bien sûr, mais un disque parfait pour animer les soirées avec quelques amis. – Gilbert Guyonnet

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George Jackson

Leavin’ Your Homework Undone
(In The Studio With George Jackson 1968-1971)

Kent CDKEND 447 – www.acerecords.co.uk

On savait George Jackson auteur-compositeur prolifique, mais on ne mesurait pas jusqu’à quel point. Kent publie en effet ici un 4ème (!) volume d’inédits de cet acteur emblématique de la soul sudiste. Démos enregistrées à Muscle Shoals dans les studios FAME, avec les Swampers comme accompagnateurs (incluant piano/orgue mais sans cuivres et choeurs) les maquettes réunies ne sont certes pas des produits finis, mais leur état d’avancement est quasi abouti. Précisons clairement que les imperfections inhérentes à ce pré-travail sont minoritaires, pour un disque comptant plus de 70 minutes de musique (une guitare désaccordée, un Roger Hawkins traînant la patte derrière ses fûts ou encore une prise de son à géométrie variable). Jackson interprète ses propres compositions, le plus souvent écrites avec son alter-ego Raymond Moore, et on devine aisément qu’il destine certaines aux vedettes fréquentant alors le studio de Rick Hall comme Clarence Carter ou Wilson Pickett. Et est-ce dans la « peau » d’Aretha Franklin qu’il se glisse lorsqu’il chante le blues Don’t Me Nothing About My Baby ? Ayant lui-même eu une petite carrière discographique en tant que soliste (Fame, Hi, Goldwax…) le discret George Jackson est un bon chanteur, très expressif, possédant des inclinations à la Little Johnny Taylor. Malgré l’abondance, il n’y a ici aucune mauvaise chanson. On retrouve cette faculté à faire émerger une sensibilité simple dans des textes parfois emprunts de mélancolie. On a par ailleurs plaisir à reconnaître des constructions harmoniques familières, entendues ultérieurement dans des chansons distinctes. Ainsi, cet ultime volume reste dans la lignée des précédents et demeure donc recommandable, avec une mention particulière pour Quicksand Around My Mind. Nicolas B.

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 Eartha Kitt

I Want To Be Evil… The Wicked Eartha Kitt

Jasmine JASCD 965 – www.jasmine-records.co.uk

Outre la sensualité de sa voix, Eartha Kitt (1927-2008) s’est offert une notoriété mondiale comme comédienne, diseuse, danseuse, activiste engagée pour le respect des différences. La souplesse, la versatilité de sa diction, parfaite dans plusieurs langues font qu’au-delà des registres de styles, cette réédition très bien documentée, s’écoute avec un réel plaisir d’un bout à l’autre. Dans le prolifique repertoire d’Eartha Kitt, blues et rhythm’n’blues sont largement minoritaires. Néanmoins, cette sélection de chansons issues de la période 1953/1962 réserve de bonnes surprises dans le genre, comme Nobody Taught Me, My Heart’s Delight, A Woman Wouldn’t Be A Woman, It’s So Nice To Have A Man Around The House ou le plus connu Honolulu Rock-a-roll-A. Quant au lyrisme impressionnant de la ballade folk Just An Old Fashioned Girl, il semble annoncer une chanteuse comme Buffy Sainte-Marie. En 29 étapes, nous voyageons des ponts de Paris aux cafés d’Istanbul, via les paillottes des Caraïbes et du pied du sapin de Noël aux comptines yiddish. En bref, C’est si bon ! – Dominique Lagarde

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Calvin Frazier meets Washboard Willie

J-V-B CD48 – www.bluebeat.com

Sous la houlette du folkloriste Alan Lomax et avec le guitariste Sampson Pittman, ce cousin de Johnny Shines a enregistré ses premières faces en 1938 pour la Bibliothèque du Congrès. À l’instar de Little Sonny, après la seconde guerre mondiale, Calvin Frazier se produit dans la Motor City notamment dans les clubs de Hastings Street comme le Brown’s Bar. En 1955-1956, il fait partie des Super Suds of Rhythm du batteur Washboard Willie, gravant quelques faces avec cet orchestre pour Joe Von Battle (JVB). Ce dernier avait un magasin de disques sur Hastings Sreet au sud de Mack Ave où fut enregistré le gratin de la scène blues de Detroit d’après-guerre. Jusqu’à sa mort en 1972, Calvin joue occasionnellement avec des musiciens locaux, notamment Baby Boy Warren. Le présent recueil retrace les enregistrements qu’il a effectués entre 1949 et 1964 à Detroit pour les labels Alben, J-V-B, New Song Records, Savoy, Fortune, Herculon et Von. Le style de Calvin Frazier si caractéristique est à la croisée du blues rural du Sud et du blues moderne version T-Bone Walker. Son toucher fin et subtil à la guitare est un vrai bonheur sous-tendu par des lignes très mélodieuses. Be-Bop Boogie, enregistré pour le label Alben en 1949 (Alben 106), constitue l’avant-garde du même style avec un rythme conçu pour la danse. Sentant bon les effluves du Sud, avec une force déclamatoire, Rock House (New Song 121) enregistré à Toledo en 1951 est marqué par une ambiance terrienne et poisseuse, une rythmique lancinante et un groove saisissant, tout comme la version magistrale de Lillie Mae (Fortune LP 3012). Avec l’ensemble orchestral de Washboard Willie enregistré chez J-V-B, le blues rural de Calvin Frazier s’urbanise en 1955-1956. À l’époque où les labels s’arrachent les hits, Washboard Shuffle (J-V-B 59) est la copie conforme de Rock House, titre emblématique que l’on pourra retrouver à trois reprises ici. Aurait-on voulu contourner les droits détenus par les labels sinon le fisc que l’on ne s’y serait pas pris autrement ! Washboard’s Blues (Part 1 & 2) (J-V-B 70) évolue dans une atmostphère low-down et à tempo mi-lent d’où émerge une superbe guitare fluide et étincelante. La ligne mélodique de Have Blues Must Travel (J-V-B 86) a plus que des airs de ressemblance avec celle de 2-2-5 Special (Part 1 & 2) The All Stars (Von 704). Natural Born Lover et Wee Baby Blues (Herculon) subliment une basse métronomique et un washboard au rythme syncopé joué par Washboard Willie accompagné à la guitare probablement par Evans McClendon. After Hours (Part 1 & 2) (Von 721) enregistré en 1964 est une pièce intimiste menée de main de maître par le pianiste aérien Boogie Woogie Red. Voici une sélection de vingt-trois faces rares et recherchées de la scène blues de Detroit d’après-guerre qui mérite toute votre attention. – Philippe Prétet

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Dave Bartholomew

Jump Children
Imperial Single Plus 1950-1962

Jasmine JASCD 845 – www.jasmine-records.co.uk

La boucle est bouclée. De Carnival Day à Honky Tonk Trumpet, ce sont 57 morceaux que le label Jasmine nous propose ici. Un cheminement qui, de 1950 à 1962, souligne la force du retour de David Louis Bartholomew et son ancrage dans l’histoire musicale locale. Un trompettiste dont le second prénom n’est pas le seul point commun avec Armstrong. Même professeur, puissance similaire et idées neuves sur la musique de la ville. L’homme aurait pu continuer une vie itinérante, comme son début de carrière dans le grand orchestre de Jimmy Lunceford pouvait le laisser présager. L’ouverture des premiers studios d’enregistrement de New Orleans dans l’après seconde guerre mondiale, semble un facteur primordial dans l’évolution de sa carrière tant locale que nationale. À la fois musicien, arrangeur et talent scout pour Impérial, Dave va devenir la pièce centrale indispensable d’une communauté musicale qui n’est pas pour rien –c’est le moins qu’on puisse dire – dans l’explosion du Rythm and Blues et du Rock and Roll de cette époque. Sûrement influencé par le perfectionnisme de l’arrangeur et trompette de Lunceford, Sy Oliver, Dave va créer un son propre qui retentira bien au-delà des faces présentées ici. C’est le propriétaire des studios Cossimo Matassa qui soulignera à maintes reprises tout le sérieux et l’inflexibilité du bonhomme, qualités sans lesquelles la carrière du poulain principal, Fats Domino, n’aurait pas forcément eu le même impact. Le choix d’un noyau de musiciens qui polissent le son de ce Rythm and Blues originel n’a bien sûr rien d’anodin. Les saxophones de Red Tyler, Herb Hardesty et Lee Allen, les guitares d’Ernest McLean ou de Papoose Nelson, les pianos de Salvatore Doucette, Ed Frank, Fats Domino himself ou d’un tout jeune James Booker, le basse du quasi inamovible Frank Field, l’indispensable drumming d’EarlPalmer remplacé par Cornelius Coleman ou Hungry Williams après son départ sur la côte ouest, sont autant de valeurs ajoutées à la savante mixture mise au point par le leader Maximo. Les références caribéennes sont d’ailleurs récurrentes et toujours savoureuses. Oh Cubano ou Shrimp and Gumbo figurent au Panthéon de ce Rythm and Blues mâtiné de Manbo New Orleans qui chaloupe tout autant que les illustres Monkey et autre versions secondaires instrumentales de grands hits de Fats comme I’m Walkin et Going to the River (James Booker à l’orgue dans ce dernier). On retiendra particulièrement l’irrésistible déboulé d’un morceau aussi ébouriffant que Good News ou le profond souffle du leader sur Honky Tonk Trumpet. Un souffle qui perdure, l’homme quasi centenaire portait encore beau derrière Irma Thomas sur un Time Is On My Side qui illuminait la première saison du feuilleton Treme en 2010. So long Dave. Merci pour tout. – Stéphane Colin

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Carla Thomas

The Memphis Princess
Early Recordings 1960-1962

Jasmine JASCD 987 – www.jasmine-records.co.uk

Réédition des premières faces de Carla Thomas, future “Queen of Memphis Soul” qui n’a droit ici qu’au titre de “Princess”. Il y a là l’intégralité de son premier album « Gee Whiz » qui a très mal vieilli. Même si elle chante bien, les accompagnements dominés par des cordes envahissantes sont plus proches de la variété que de ce que l’on pouvait attendre de Stax. Cinq titres où son père – le valeureux Rufus Thomas – lui donne la réplique, sont néanmoins d’un niveau correct pour les amateurs de soul et de r’n’b. Malgré cela, « Gee Whiz » et « Cause I Love You » furent des succès qui lancèrent le label Stax ! Par la suite, Carla allait graver des faces bien plus intéressantes, mais ceci est une autre histoire ! – Marin Poumérol

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Various Artists

The Chicago Blues Box 2

Storyville 8 CD 1088620

Après un premier volume remarquable, voici le second coffret de ce qui constitue l’histoire excitante et passionnante de Marcelle Chailleux. À n’en pas douter, cette institutrice française nourrie de musique classique et grande fan de jazz a joué un rôle majeur dans la vulgarisation du blues de la Cité des Vents des années 1970 de ce côté-ci de l’Atlantique. Marcelle Chailleux a été initiée au blues par Jacques Morgantini, membre fondateur du Hot Club de France et conseiller artistique du label Black & Blue. Après que ce dernier lui ai fait découvrir Honey Bee interprété par Muddy Waters, Marcelle en a été bouleversée : « Je ne savais pas qu’il était possible d’obtenir autant d’émotion de la musique », dit-elle. Pour remercier Jacques Morgantini de cette « révélation », elle l’a épousé. En février 1975, Marcelle se rendit un week-end à Chicago avec Jean-Marie Monestier – le patron du label Black & Blue – pour découvrir dans le West Side et le South Side toute la richesse et la diversité musicale qu’ils recèlaient. Constatant que le blues de la Windy City n’était pas correctement documenté, Marcelle créa en 1975 une maison de disques, MCM, avec les initiales de son nom de secondes noces. Elle s’envola en juillet 1975 vers Chicago avec Jacques et son fils Luc, puis à nouveau en octobre 1975 avec Luc et Didier Tricard, où elle enregistra sur son appareil Nagra IV S deux pistes stereo à bandes et mixa les titres des musiciens locaux tels que Eddie Taylor, Big Voice Odom, Jimmy Johnson, John Littlejohn, Magic Slim, The Aces, Jimmy “Fast Fingers” Dawkins, etc… qui jouaient dans des clubs légendaires aujourd’hui disparus comme Big Duke’s, Ma Bea’s et The Golden Slipper. Pendant son périple à Chicago entre 1975 et 1978, elle fut guidée dans les clubs par Jimmy Dawkins qui allait devenir un fidèle ami de la famille. Malheureusement, à l’époque, tous les morceaux enregistrés à Chicago n’ont pas pu être édités en vinyle. Seuls dix sept albums virent le jour. Après sa mort à l’âge de 82 ans en 2007, les droits sur les enregistrements live de Marcelle ont été achetés par le label danois Storyville qui, depuis, n’a ressorti que partiellement le catalogue MCM. « The Chicago Blues Box 2 » est donc la dernière réédition de l’œuvre de Marcelle : un ensemble magistral de huit CD accompagné d’un livret de 24 pages avec les notes de Jacques Morgantini relatives aux bluesmen enregistrés par le label MCM outre des clichés des musiciens pris par son ami Daniel Arnoux. Le CD1 propose d’abord un set d’Eddie “Playboy” Taylor, qui a mixé la tradition de la guitare du Mississippi avec le style shuffle de la Windy City. Il y a ensuite des faces de Big Mojo Elem, Andrew “Blueblood” McMahon, qui fait revivre Lightnin’ Hopkins avec Mojo Hand et Big Voice Odom, qui porte bien son nom lorsqu’il aborde Got My Mojo Working de Muddy Waters. Sur un CD2 tout aussi solide, le bluesman Hip Lankchan (aka Hip Linkchain) interprète sans effort un programme de reprises, suivi par Eddie Clearwater, avec quatre morceaux qui incluent l’enigmatique Poison Ivy lequel n’a absolument rien à voir avec le hit des Coasters. Encore plus surprenant, l’inclusion sur le CD3 consacré à Jimmy Dawkins du titre phare de Bobby Gentry Ode To Billie Joe dont la véritable origine reste semble-t-il un mystère. Mais revenons à Jimmy Dawkins. Le chicagoan est devenu un ami proche des Morgantini, leur rendant visite dans leur maison de Gan (64), où il a particulièrement apprécié la cuisine de Marcelle à tel point que, rassasié, il lui a écrit en hommage le boogie instrumental Marcelle Morgantini’s Cassoulet. Marcelle était une visionnaire et une véritable dénicheuse de talents. Elle a découvert Jimmy Johnson, second guitariste de Dawkins, et l’a enregistré pour la première fois. Sur le CD4, le premier nommé rend un émouvant hommage à son mentor lors d’un concert. Figure emblématique du CD5, voici le brillant et regretté John Littlejohn, maestro de la slide guitar, de son vrai nom John Funchess, installé à Gary (Indiana) comme pompiste. C’était un ami de Joe Jackson, le patriarche de la famille Jackson, et c’est ainsi que son groupe a été utilisé pour les répétitions par les Jackson Five dans les années 1960. Faut-il se remémorer que Marcelle Morgantini a permis à plusieurs bluesmen de sortir de l’anonymat ? Ce fut le cas notamment de Magic Slim avec l’album « Born On Bad Sign » enregistré par Marcelle en novembre 1975 au Ma Bea’s qui a permis à sa carrière de prendre son essor. Sur le CD6, il est soutenu par son band régulier : Alabama Junior Pettis (guitare) et les frères Slim Holt (basse) et Douglas Holt (batterie). Le CD7 est un véritable joyau de Rhythm’n’ Blues, mettant en vedette The Aces and Their Guests : Louis Myers (guitare), son frère, Dave Myers (basse) et l’irrépressible Freddie Below – un autre grand ami de Marcelle et Jacques – à la batterie. En invités, on retrouve notamment Bobby King et Joe Carter à la guitare. Ajoutons pour les complétistes les trois bonus à la version cd Storyville STCD 8049 que sont The Ace’s Shuffle, Blues With A Feeling et Honky Tonk N°2. Enfin, pour les fans, on ne peut pas faire l’impasse sur la réédition du LP MCM 900.293 remastérisé chez P-Vine PCD-24208 (Jp 2008). Signalons que dans le même CD7 Kansas City est répertorié comme ayant été écrit par Little Willie Littlefield quand en réalité il a été écrit par les Hepcats blancs Jerry Leiber et Mike Stoller. La chanson a été enregistrée pour la première fois par Littlefield. Le dernier CD8 de cette collection étincelante met en lumière le sous-estimé et brillant guitariste Willie James Lyons (écoutez en priorité sa prenante version de Chili Con Carne) ainsi que Willie Kent, un chanteur et guitariste de talent qui n’est devenu musicien professionnel qu’à l’âge de 50 ans alors que la chirurgie à cœur ouvert avait réduit son emploi de chauffeur de camion. La musique a toujours été le principal intérêt de Kent dans la vie. Tout jeune, il suivait Elmore James de concert en concert afin de s’imprégner de son style. L’enregistrement de Marcelle Morgantini comprend – entre autres titres de valeur égale – une version raffinée et respectueuse du classique Dust My Broom d’Elmore James. Comme l’indique Jacques Morgantini : « Ces enregistrements captent la musique qui était jouée à l’époque dans les clubs, le vrai son du Chicago Blues ! » C’était le crédo de Marcelle qui voulait donner à tout un chacun une chance de se faire connaître. Certains ont plutôt réussi au-delà de ses espérances, comme par exemple un certain Jimmy Johnson déjà cité. Pour d’autres, les enregistrements MCM ont constitué leur heure de gloire avant de retomber progressivement dans l’oubli. On retiendra aussi que le coffret propose aux amateurs quatorze véritables bonus. Au rayon des critiques, les audiophiles relèveront que la prise de son live des années 70 est parfois approximative. Or, comment pourrait-il en être autrement lorsque l’on sait que les conditions et techniques de prise de son de l’époque sont bien éloignées de nos standards digitaux et numériques des studios d’aujourd’hui ? Et puis, parfois, en live, la batterie couine et la guitare coince. Peu importe ! Aujourd’hui, la remastérisation fait des miracles. Le bémol : malgré un packaging très correct issu de Chine, les plus exigeants pourraient critiquer à juste titre quelques approximations dans la configuration et la mise en page du coffret : John LittleJohn devient curieusement Jimmy LittleJohn. Le CD1 consacré à Eddie Taylor comporte pêle-mêle des titres de Big Mojo Elem, Andrew “Blueblood” McMahon et Big Voice Odom. Sur le CD2, le titre générique du disque cite bien Hip Lankchan mais omet Eddie Clearwater qui interprète quatre titres. À l’écoute, certaines pistes récalcitrantes peuvent parfois « sauter » sans crier gare ! Hormis ces défauts qui ne sont pas tous rédhibitoires, l’essentiel à retenir est que ces enregistrements des années 70 n’ont pas pris une ride. L’ambiance authentique des clubs de la Cité des Vents décoiffe et le talent des musiciens confère à cette collection une valeur historique exceptionnelle. – Philippe Prétet

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Various Artists

Northern Soul’s Classiest Rarities Volume 6

Kent CDKEND 471 – www.acerecords.co.uk

Le travail de défrichage des archives de la Northern Soul entrepris par le label Kent est sans relâche. Il ressuscite des artistes tombés dans l’oubli, tout en donnant à entendre des artistes plus familiers, mais dans des moments rares  et de qualité ainsi Maxine Brown, avec une prise inédite de One in a million, ou encore Betty Everett, Johnnie Taylor, J.J. Barnes, Carla Thomas, Detroit Emeralds, Jackie Day. Vingt-quatre morceaux au total, période 1963-1971. La prise inédite du (Marriage is only) A State of Mind d’O.C. Tolbert est parcourue d’une solide partie de guitare bluesy, le Young Boy Blues de Ben E. King,traité de belle façon par un certain Daniel A. Stone. Quant au Cry In The Arms of Another Love d’André Scott produit par Sidney Barnes, c’est peut-être le point d’orgue du disque. Au rayon curiosités, Nomad Woman de Jock Mitchell rappelle un certain Gypsy Woman des Impressions sans que l’on puisse crier au plagiat, tandis que I Wanted To Tell You par Little Nicky Soul est traversé de surprenants chœurs gospel. Garanti pour la danse et bien documenté. – Dominique Lagarde

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Homesick James

The Sensational Recordings
Shake Your Money Maker

Wolf CD 120.410 – www.wolfrec.com

Homesick James (John William Henderson) quitta ce monde un jour de décembre 2006 fort âgé, il avait 96 ans. Autodidacte, il développa un jeu de guitare au bottleneck pas toujours orthodoxe, mais efficace. Il se prétendit parent d’Elmore James qui, peu rancunier, l’engagea comme guitariste et bassiste. Il nous a légué une œuvre enregistrée importante et de grande qualité. Certains disques sont mêmes indispensables : les faces Chance des années 50, les albums « Ain’t Sick No More » (Bluesway 1972), « Homesick James and Snooky Pryor » (Caroline 1972) et l’entièrement acoustique « Going Back Home » (Trix 1976). Il vint très souvent en Europe où il était très apprécié. Voici le temps des inédits avec ce disque Wolf Records : 17 chansons enregistrées à trois dates distinctes. En juillet 1975, Hannes Folterbauer rend visite à Homesick James, chez lui, North Bosworth St., Chicago. Là, il l’enregistre jouant de la guitare acoustique dans le répertoire de Robert Johnson : Cross Road Blues, I Believe I’ll Dust My Broom, Come On In My Kitchen. Les interprétations d’Homesick James sont remarquables. En 1975, ces titres, trop souvent interprétés médiocrement, n’étaient pas encore galvaudés. Juillet 1979, Snooky Pryor s’est joint à Homesick James pour une série de concerts en Autriche pris sur le vif. Les deux hommes se connaissent depuis le début des années 50. L’entente entre les deux musiciens est parfaite. Nous en avons ici l’illustration avec Got To Move, That’s All Right, Someday Baby Blues… Enfin, Wolf a exhumé quatre titres live, toujours en Autriche, au début des 80’s ; Homesick James, seul à la guitare électrique, interprète, entre autres, un surprenant Tin Pan Alley. Comme souvent chez Homesick James, le répertoire est fait de reprises. Mais sa lecture est très personnelle, jamais copiée-collée. Amateurs d’Homesick James, vous savez ce qu’il vous reste à faire ! – Gilbert Guyonnet

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Spencer Wiggins

The Goldwax Years

Kent CDKEND 262 – www.acerecords.co.uk

On perle souvent du “secret le mieux gardé de la soul music” en parlant de Spencer Wiggins. Originaire de Memphis, Spencer est né la même année que James Carr, en 1942. Comme lui, il démarre par le gospel avec sa mère qui chante dans une église baptiste avant de participer à un premier groupe gospel avec son frère Percy et sa sœur Maxine. Puis il se dirige vers la musique profane et forme les Four Stars, groupe R&B, toujours avec son frère et avec David Porter (qui plus tard deviendra son auteur et producteur). C’est au début des années 60 qu’il rencontre Clinton Claunch – le boss du label indépendant Goldwax – en se produisant dans les clubs de Memphis. De cette rencontre découle une collaboration durable qui commence par un premier single en 1965 pour le sous-label de Goldwax Banstand USA. Ce premier simple sera suivi d’autres sans plus de succès. Pourtant, au sein de ces enregistrements, on retrouve de véritables pépites, comme par exemple Uptight Good Woman écrite par le duo Penn/Oldam ou encore I Never Loved A Woman (The Way I Love You) enregistrée dans les studios Fame de Muscle Shoals avec l’équipe de musiciens d’alors, dont Duane Allman à la guitare. C’est toute cette période, de 1965 à la fermeture de Goldwax en 1969 qu’il s’agit ici, avec 22 titres dont trois prises inédites sous cette forme, dont il est question à travers les 22 faces compilées. Le travail de réédition est remarquable en tous points, avec de si nombreuses pépites qu’il est difficile de choisir une chanson plus qu’une autre. Après 1969, Wiggins enregistrera sur Fame avant de retourner au gospel, devenir Directeur de la New Birth Baptist Church à Miami où il a déménagé, et réaliser quelques enregistrements gospel. Certes il existe déjà une compilation de faces Goldwax sur le label japonais Vivid Sound parue en 2006 et une autre sur le label Kent, mais pour ceux qui n’aurait ni l’une ni l’autre ou souhaiteraient être complétistes, c’est le CD de Spencer Wiggins qu’il vous faut. Spencer et Percy Wiggins avaient renoué avec la Soul music pour le plus grand plaisir du public du Porretta Soul Festival en 2011 ; il sont au programme de la 31è édition qui se tiendra du 19 au 22 juillet dans la petite ville italienne. À ne pas manquer. – Marcel Bénédit

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Various Artists

I Ain’t A Gamblin’ Woman,
I Got Such-A Rowdy Ways

JSP77209 (4CD Box Set) – www.jsprecords.com

Les 79 titres regroupés sur les 4 CD de cette compilation sont consacrés à des chanteuses de blues qui, entre 1923 et 1937 – en d’autres termes durant la glorieuse époque de ce que les spécialistes auront nommé le « blues classique » – ont eu quelque succès mais ne bénéficient pas aujourd’hui de l’aura de leurs illustres consœurs de l’époque : les Ma Rainey, Bessie Smith et autres Ida Cox. Ce relatif oubli tient à plusieurs causes. D’abord et de façon incontestable certaines de ces chanteuses n’ont pas la stature des figures dominantes que l’Histoire a retenu et leur registre vocal paraît aujourd’hui un peu désuet. C’est, à mon sens, le cas des gémisseuses moaners, comme souvent Bernice Edwards et surtout Clara Smith, couronnée en son temps “The Queen of Moaners” (1). Ne pouvant affronter sur leur terrain les hurleuses de blues (blues shouters) qu’étaient Ma Rainey ou Bessie Smith – capables avant l’invention du micro, de tenir tête à un orchestre et de braver un public turbulent et faire porter leur voix dans les lieux aux acoustiques les plus calamiteuses – les gémisseuses de blues ont trouvé un créneau expressif en ponctuant leurs couplets de « mooooh ! » et « eeeeh ! », une marque de fabrique qui – il faut le reconnaître – a mal vieilli. On ne peut pas faire ce genre de grief à des chanteuses de la trempe de Bessie Tucker, un petit bout de femme à la voix de stentor, dont on ne sait à peu près rien si ce n’est que cette artiste prometteuse est morte à 27 ans, Sippie Wallace qui fit un come back remarqué à plus de 80 ans, Victoria Spivey (une seule plage lui est ici consacrée, l’inquiétant Blood Hound Blues), Lil Johnson (Anybody Want to Buy My Cabbage, Press My Button – Ring My Bell, etc.) dont on ignore les dates et les lieux de naissance et de décès, et surtout Lucille Bogan dont la biographie reste également très lacunaire mais dont le nom devrait être gravé au fronton du même Panthéon que ceux de Bessie Smith, Ida Cox ou Ma Rainey. C’est en l’occurrence le contenu lascif, voire carrément obscène, de leur poétique qui a pu effaroucher une industrie culturelle aux oreilles par trop puritaines. En effet, la plupart des susnommées pratiquent avec virtuosité l’art du double entendre et de l’allusion salace ou de la comparaison risquée destinée à ne tromper personne, et revendiquent sans détour leur autonomie de femme libre en particulier sur le plan sexuel. Mais Lucille Bogan place la barre encore plus haut que ses consoeurs : elle ne s’embarrasse pas de leurs subtilité rhétoriques. Ses blues (elle en est la compositrice à par entière) privilégient, sans fioriture, ni précautions oratoires, les thèmes de l’alcoolisme et du trafic de liqueurs (Sloppy Drunk Blues, Whisky Selling Blues), de la prostitution (Struttin’ My Stuff, Grocerie on The Self, Barbecue Bess’, They Tain’t Walking No More) et affiche une volonté de se passer des hommes (Women Won’t Need No Men, BD Woman Blues, Pig Iron Sally) sauf à les utiliser sans état d’âme pour satisfaire la sensualité la plus crue et la plus débridée. Bref, avec l’auteur et interprète de Shave Em’ Dry – un titreà usage privé et longtemps resté clandestin – l’allusion ou le sous-entendu ne sont plus de mise, on s’installe dans l’explicite. Cette truculence haute en couleur n’exclut d’ailleurs pas chez notre chanteuse d’émouvants moments de sentimentalité poétique comme Black Angel Blues – devenu un classique, repris notamment par Tampa Red ou Robert Nighthawk – ou Sweet Man, Sweet Man. D’une façon générale, le repiquage est soigné, ce qui – dans le cas des 78t gravé chez Paramount connus pour leur piètre qualité acoustique – n’était pas évident. Chaque volume de ce généreux coffret possède en outre le mérite d’être présenté et annoté par Max Haymes, fin connaisseur du blues des origines et auteur d’un précieux ouvrage sur les rapports entre le blues et le chemin de fer, « Railroadin’ Some » (2006, Music Mentor Books). – Christian Béthune